Buda (ブッダBudda) es un manga dibujado por Osamu Tezuka y es su interpretación de la vida de Gautama Buddha, el fundador del Budismo. La aclamada serie por la crítica, es a menudo referida como un retrato descarnado e incluso sexual de la vida de Buda. Buda recibió el Premio Eisner en 2004 y 2005. En 2006 cada volumen había vendido un promedio de 8.500 copias, mientras que Kapilavastu 20.000 copias. En España ha sido publicado por Planeta DeAgostini.
Argumento
En la India antigua, las vidas de muchas personas están plagadas de hambruna, sequías, guerra y constantes injusticias en el sistema de castas de India. El entrelazamiento muchas infelices almas son atraídas juntas por el nacimiento del joven príncipe Sidartha, quien ese embarca en un viaje espiritual, se convierte en Buda Gautama, “el iluminado” e intenta traer renacimiento espiritual a la gente en esta desesperada era.
En 2009 un largometraje de animación que adaptaba el manga Buda fue anunciado. El film fue dirigido por Kozo Morishita, animado por Toei Animation y distribuido por Toei Company y Warner Bros. Pictures. Fue lanzada el 28 de mayo de 2011 durante la celebración del aniversario número 750 de Shinran Shonin, fundador de la secta Jōdo Shinshū. La influyente banda de metal X Japan compuso y grabó “Scarlet Love Song” específicamente para que sea la canción de la película. En España ha sido licenciadas y emitidas las dos películas.
Casi cuatro décadas han hecho falta para adaptar al cine Buda (Planeta DeAgostini), una de las obras maestras de Osamu Tezuka (el Dios del Manga) y del cómic mundial. Un manga que cuenta, libremente, la historia del joven príncipe Siddhartha, que emprende un viaje espiritual para convertirse en Buda “El Iluminado”, e intentar un renacimiento espiritual de la humanidad en una edad desesperada.
La espera ha merecido la pena porque Buda, el gran viaje (Mediatres), es un espectáculo apasionante que fue nominado a Mejor Película de Animación por la Academia de Cine Japonés y consiguió un enorme éxito de crítica y público en el pasado Festival de Sitges.
Aún así, como pasa con casi todo el cine japonés, tendremos que conformarnos con verla en dvd y Blu-Ray. Es increíble que películas tan espectaculares como esta sigan sin encontrar su hueco en los cines españoles abarrotados de comedias estúpidas y películas de acción sin sentido. Menos mal que el anime tiene un grupo fiel de seguidores, porque si no, ni siquiera podríamos verla.
La historia de Buda vista por Tezuka
Osamu Tezuka es el maestro del manga y el anime japonés, famoso por obras como Astroboy, Dororo, Black Jack, Kimba el león blanco, Adolf, y otros títulos imprescindibles. Y en 1972 comenzó a publicar un manga que adaptaba, libremente, la historia del joven príncipe Siddartha, que estaba destinado a convertirse en Buda. Un cómic que no evitaba los aspectos más humanos e incluso sexuales de Buda, por lo que recibió algunas criticas. Pero fue un gran éxito en todo el mundo (Solo en Japón vendió más de 20 millones de ejemplares) y consiguió, entre otros premios, el Eisner en los años 2004 y 2005.
Y ahora, por fin, se ha adaptado al cine en una película dirigida por Kozo Morishita, productor de series míticas de animación como Los caballeros del Zodiaco, Bola de Dragón o El Puño de la Estrella del Norte, lo que garantiza la espectacularidad del film.
La historia comienza en la antigua India, donde la vida transcurría entre la sequía, el hambre, las guerras constantes y las injusticias del sistema de castas. Allí nace el Príncipe Siddhartha, rodeado de grandes presagios. Pero pronto, el joven se empezará a plantear por qué unas castas son superiores a otras y el por qué de tanta violencia en el mundo, emprendiendo un viaje hacia la espiritualidad.
Un estupendo guión y una animación espectacular
Todo está cuidado en la película hasta el mínimo detalle, desde un guión que mezcla los momentos más íntimos con las batallas más espectaculares, hasta la belleza de sus imágenes, que nos trasladan por algunos paisajes de la India realmente impresionantes.
La historia tiene momentos muy dramáticos, como cuando el joven príncipe Siddhartha tiene que asistir, impotente, a la tortura de su amada Migaila y para salvarla se ve obligado a casarse con una mujer a la que no ama. O las tragedias de otros personajes que intentan luchar contra el sistema de castas y son castigados por ello.
Gracias a Migaila, Buda descubre a los otros habitantes de la India, los de las castas más bajas, los obreros, los mendigos y los leprosos, a los que solo se les permite esperar a la muerte. Y eso le lleva a la decisión de abandonarlo todo y buscar su camino, solo. Vagando por las montañas en busca del conocimiento supremo.
Version 1.0.0
Una historia apasionante y dramática, que alterna las escenas espectaculares con las más íntimas, que habla de los grandes temas: el amor, la igualdad, la religión, la Paz, el poder, la crueldad…. y que nos permite aproximarnos a alguien que cambió el mundo 600 años antes de Jesucristo (en 2011 se cumplieron 2600 años desde que Buda manifestase la Iluminación completa bajo el árbol de la iluminación Bodhi, en Bodhigaya, India).
La princesa de los mil años (新竹取物語 1000年女王Shin Taketori Monogatari: Sennen Joō), cuyo título original es Un nuevo cuento del cortador de Bambú: La reina de los mil años, es una serie de manga escrita e ilustrada por Leiji Matsumoto y cuya adaptación al anime fue dirigida por Nobutaka Nishizawa.
新竹取物語 1000年女王
(Shin Taketori Monogatari: Sennen Joō)
Creador Leiji Matsumoto
Género Aventura, ciencia ficción.
Manga Creado por Leiji Matsumoto.
Editorial Sankei Shimbun. Nishinippon Shimbun.
Publicado en Sankei Shimbun.Nishinippon Sports.
Demografía Seinen.
Primera publicación 28 de enero de 1980.
Última publicación 11 de mayo de 1983.
Volúmenes 5
Anime
Director Nobutaka Nishizawa.
Estudio Toei Animation
Cadena televisiva Fuji TV.
Otras cadenas:[mostrar]
Licenciado por Bandera de Estados Unidos Sentai Filmworks (home video)
Primera emisión 16 de abril de 1981.
Última emisión 25 de marzo de 1982.
Episodios 42
La serie tiene lugar en un universo ficticio, aunque con algunas características del nuestro, donde la historia gira en torno a Yayoi Yukino, la princesa de La-Metal, un planeta habitado por una especie de humanoides que intentan destruir la Tierra mediante una colisión entre ambos mundos, pero antes de eso, planean reclutar a varios humanos para volverlos sus esclavos. No obstante, Yayoi no está de acuerdo con ello y junto a sus compañeros decide detener el secuestro de los humanos y la colisión.
El manga fue publicado por primera vez en enero de 1980 por las editoriales Sankei Shimbun y Nishinippon Shimbun, en las revistas Sankei Shimbun y Nishinippon Sports, respectivamente, hasta su final en mayo de 1983. Más tarde, la historia fue adaptada a un anime producido por Toei Animation que tuvo un total de cuarenta y dos episodios, y fueron emitidos en Japón desde abril de 1981 hasta marzo de 1982 por la cadena televisiva Fuji TV. Asimismo, la obra ha dado lugar a una novela ligera y una película que sirvió como un spin-off.
Otras cadenas que han emitido la serie fuera de Japón son: Telecinco (España), Imevisión (México), Mangas (Francia), Tele 5 (Alemania), Rete 4 (Italia), Canal 13 (Chile), RTS (Ecuador) y Venezolana de Televisión (Venezuela). Mientras que en Estados Unidos, el anime fue combinado por Carl Macek y Harmony Gold con episodios de Capitán Harlock —otra serie escrita por Matsumoto—, creando de esta forma a Captain Harlock and the Queen of a Thousand Years.
Argumento
Simulación de como se vería un agujero negro, fenómeno que en la serie era el culpable de la órbita de La-Metal.
La serie tiene lugar en un universo ficticio ambientado en el año 1999, donde el profesor Amamori desde su observatorio en Tokio, había descubierto el décimo planeta del sistema solar, cuyo nombre era La-Metal. También observa, que el planeta La-Metal tiene una gran órbita excéntrica y se da cuenta de que estaba en curso a una colisión con la Tierra, calculando que el impacto sucedería el 9 de septiembre de 1999 a las 9 horas con 9 minutos y 9 segundos. Aunque el daño que recibiría el planeta La-Metal sería mínimo, la Tierra sería destruida. Posteriormente, descubren que el planeta La-Metal estaba habitado por una especie de humanoides que eran gobernados por una misteriosa reina, quien planeaba secuestrar a un gran número de seres humanos antes de la destrucción de la Tierra y esclavizarlos con ayuda de su hija, la princesa Yayoi Yukino. Sin embargo, Yayoi había estado viviendo, durante algún tiempo, en la Tierra, con la intención de establecer aquí, una colonia de su planeta natal, y por ello, comienza a cuestionar los planes de su madre.
Más tarde, Yayoi comienza a trabajar para el profesor Amamori y decide ofrecer su ayuda cuando descubre que el planeta La-Metal intenta destruir la Tierra. Hajime, —el joven sobrino del profesor Amamori— cuyos padres habían sido asesinados mientras diseñaban una nave espacial para tratar de ayudar a un pequeño grupo de humanos a escapar de la Tierra, también se une a la lucha para salvar el mundo. Cuando ambos planetas se acercaban a chocar, Yayoi descubre que un agujero negro era el culpable de la órbita del planeta La-Metal, así que hacen un plan para destruir el agujero negro y salvar a los dos mundos.
En la adaptación al anime y en la película existen varias diferencias de acuerdo a la historia original del manga, como se puede notar, que en el manga y anime Yayoi es la secretaria privada del profesor, pero además, en la película también da clases en una escuela. Asimismo, Hajime en la película se presenta como un estudiante de Yayoi que intentaba proteger la Tierra de las tropas de La-Metal utilizando un Mitsubishi A6M Zero de un museo. Pero por otro lado, en el anime trata de actuar como pacificador entre ambos mundos y luego trata de ayudar a varias personas a escapar de la Tierra con una nave espacial antes de que ésta fuese destruida. Mientras que en el manga se le había colocado un implante cibernético que aumentaba su inteligencia y le permitía volar naves muy bien.
Personajes principales
A continuación se describirán brevemente a los personajes principales de la obra y se nombrarán a los seiyū de la versión original japonesa:
Yayoi Yukino (雪野 弥生Yukino Yayoi) cuyo nombre real era La Andromeda Promethium II (ラー・アンドロメダ・プロメシュームII世Rā Andoromeda Puromeshūmu Nisei), es la princesa de los mil años (1000年女王Sennen Joō) de la obra, puesto que por cada mil años una mujer del planeta La-Metal es enviado en secreto a la Tierra para tratar de controlarlo, y en este caso fue enviada Yayoi. En la versión japonesa del anime su seiyū fue Keiko Han, mientras que en España a este personaje se la conoció como Lorena Yukino y le puso voz Bea García. En Hispanoamérica su voz fue realizada por Cecilia Gispert.
Hajime Amamori (雨森 始Amamori Hajime) tiene un gran interés por el espacio exterior, y además está enamorado de Yayoi. Tiene una actitud honesta y amable, aunque inicialmente, quería vengarse de las personas que habían asesinado a sus padres, pero decide que es inútil guardar rencor, por lo que abandona ese plan. En la versión japonesa del anime su seiyū fue Keiko Toda, mientras que en España a este personaje se la conoció como Eduardo Kaliptuz y se desconoce quién le puso voz. En Hispanoamérica su voz fue realizada por Cecilia Gispert.
Profesor Amamori (雨森教授Amamori-kyōju) es el científico jefe de un observatorio. Es el tío de Hajime y más tarde se convierte en su tutor, ya que sus padres habían sido asesinados en una explosión. Amamori descubrió el décimo planeta, La-Metal, y determinó que éste iba a colisionar con la Tierra. En la versión japonesa del anime su seiyū fue Ichirō Nagai. mientras que en España a este personaje se la conoció como Profesor Kaliptuz y le puso voz Gonzalo Faílde.
Daisuke Yamori (夜森大介Yamori Daisuke) cuyo nombre real era Laars Mirui. Es el guardia personal de La Princesa de los Mil Años en la Tierra, al enterarse de sus verdaderas intenciones, Yamori se rebela ante su princesa y reúne a un grupo de soldados para que, pese a su limitante de recursos y a que la princesa los proscribe, se mantengan los esfuerzos para conseguir los objetivos primarios de la misión por lealtad a La-Metal. Ya que su planeta debe seguir su órbita viviendo 900 años en penumbra y sólo con 100 de la luz del sol. En la versión japonesa del anime su seiyū fue Tōru Furuya.
Contenido de la obra
Manga
El manga fue publicado originalmente el 28 de enero de 1980 hasta que finalizó el 11 de mayo de 1983, siendo publicado por las editoriales Sankei Shimbun y Nishinippon Shimbun en las revistas Sankei Shimbun y Nishinippon Sports. Ha habido varias versiones en la forma de publicar el manga, pero inicialmente fue publicada en cinco volúmenes, cada uno de aproximadamente doscientas páginas.
Anime
El anime fue dirigido por Nobutaka Nishizawa y producido por Toei Animation, y fue emitido en Japón desde abril de 1981 hasta marzo de 1982 por la cadena televisiva Fuji TV; llegando a finalizar con un total de cuarenta y dos episodios.
En español la serie fue trasmitida por The Big Channel en Argentina, Canal 13 en Chile, por RTS en Ecuador, Telecinco en España, Imevisión en México.y Venezolana de Televisión en Venezuela. Otras cadenas que han emitido la serie son: Mangas en Francia, Tele 5 en Alemania, y Rete 4 en Italia. Mientras que en Estados Unidos, el anime fue combinado por Carl Macek y Harmony Gold con episodios de Capitán Harlock, otra serie escrita por Matsumoto, creando de esta forma a Captain Harlock and the Queen of a Thousand Years.
Banda sonora
La banda sonora de la serie fue compuesta y arreglada por Ryōdō Uzaki y Asakawa Tomoyuki. El tema de apertura, Cosmos Dream (コスモスドリームKosumosu Dorīmu), fue cantado por Masaki Takanashi. Mientras que el tema de cierre, Excellent Legend (まほろば伝説Mahoroba Densetsu), fue interpretado por Manami Ishikawa. Ambas canciones tienen la letra de Yoko Aki, fueron compuestas por Ryōdō Uzaki, y fueron organizados por Motoki Funayama.
Ishikawa fue seleccionado como candidato para trabajar con Takanashi en la image song, Love Is Flying on Wings (愛は翼に乗ってAi wa Tsubasa ni Notte). La canción fue interpretada por la Queen Millennia Grand Orchestra y arreglada por Nozomi Aoki. Una segunda image song, Message from Space (星空のメッセージHoshizora no Messēji?), la cual fue cantada por Keiko Han y Slapstick, y organizada por Motoki Funayama. Las letras de ambas canciones fueron escritas por Yoko Aki y compuestas por Ryōdō Uzaki.
Película
En marzo de 1982, la obra fue adaptada a una película que serviría como un spin-off del anime. El ambiente fue diseñado de una forma más futurista que el de la serie de televisión, aunque todavía con cierta apariencia al anterior. Asimismo, en esta adaptación hubo varias diferencias con la historia original del manga. La banda sonora de la película fue escrita e interpretada por Kitarō, mientras que los créditos de las canciones los recibió Dara Sedaka.
Novela ligera
La princesa de los mil años también fue adaptada a una novela ligera por Kaeko Iguchi, Leiji Matsumoto y escritas por Keisuke Fujikawa, quien además escribió el guion para la película de la serie. La novela consta de dos volúmenes, los cuales fueron publicados por la editorial Sankei Shuppan. El primer volumen, «The Metal Bouquet» (ラーメタルの花束Rā Metaru no Hanataba), fue publicado en diciembre de 1980 y estaba compuesto por ciento ochenta y una páginas. Mientras que el segundo volumen, «The Black Hole» (ラー・暗黒太陽Rā Ankoku Taiyō?), fue difundido en agosto y estaba compuesto por ciento ochenta páginas.
Añado este enlace esta guia de un excelente canal de youtube donde explica como va la cronologia del universo de Leiji Matsumoto y de paso le dan un Like a su canal y se suscriben.
Vampire Hunter D ( japonés :吸血鬼ハンターD , Hepburn : Banpaia Hantā Dī ) es una animación en vídeo original japonesa de 1985 dirigida por Toyoo Ashida a partir de un guión de Yasushi Hirano. Está basada en la novela homónima de 1983 de Hideyuki Kikuchi .
La película está ambientada en el año 12.090 d.C., en un mundo post holocausto nuclear donde una joven contrata a un misterioso cazador de vampiros mitad vampiro, mitad humano, para protegerla de un poderoso señor vampiro.
Trama
Doris Lang, hija de un cazador de hombres lobo, es mordida por el poderoso vampiro Conde Magnus Lee y corre el riesgo de convertirse en vampira. Para salvarse, contrata a un enigmático cazador de vampiros llamado D. Mientras D se enfrenta a los sirvientes y planes del Conde —incluyendo traiciones, secuestros y el uso de un incienso capaz de debilitar a los vampiros— se revela que él mismo es un dhampir, mitad humano y mitad vampiro.
A lo largo del conflicto, varios personajes mueren, se descubren alianzas ocultas y Doris desarrolla sentimientos por D, aunque él se resiste a acercarse por su naturaleza. Finalmente, D logra derrotar al Conde Magnus Lee en una batalla decisiva, provocando la destrucción de su castillo y el fin de su dominio. Doris queda curada de la mordedura, y junto a su hermano Dan se despide de D, quien continúa su solitario camino como cazador bajo un cielo despejado.
Producción
Vampire Hunter D se considera una de las primeras producciones de anime dirigidas explícitamente al público masculino adolescente/adulto en lugar del público familiar, y capitalizó el emergente mercado de la animación de video original (OVA) gracias a su contenido violento y a la influencia de la mitología del terror europea (como las películas del estudio británico Hammer Film Productions ). El presupuesto limitado de la película hizo que su calidad técnica fuera comparable a la de la mayoría de las series de televisión de anime y otras OVA, pero no a la de la mayoría de las películas de animación de cine.
Durante la producción de la película, el director Toyoo Ashida declaró que su intención para la película era crear un OVA que las personas que estaban cansadas de estudiar o trabajar duro disfrutaran ver, en lugar de ver algo que los hiciera “sentir aún más cansados”.
Yoshitaka Amano , ilustrador de las novelas originales, fue el diseñador de personajes del OVA. Sin embargo, Ashida (quien también dirigió la animación de la película) proporcionó diseños alternativos, y los animadores combinaron elementos de las obras de ambos artistas para crear los diseños finales. El aclamado artista pop Tetsuya Komuro compuso la banda sonora de la película e interpretó el tema de cierre, “Your Song”, junto a sus compañeros de TM Network .
Vampire Hunter D se estrenó en cines el 21 de diciembre de 1985, donde fue distribuida por Toho .
Dirigido por: Toyoo Ashida
Guión de: Yasushi Hirano
Residencia: en Cazador de vampiros D de Hideyuki Kikuchi
Producido por: Hiroshi Kato – Mitsuhisa Hida – Yukio Nagasaki
Protagonizada por:
Kaneto Shiozawa
Michie Tomizawa
Seizō Kato
Keiko Toda
Cinematografía: Kazushi Torigoe – Yukio Sugiyama
Editado por: Kazuhiko Seki
Naoyuki Masaki
Toshio Henmi
Música de Tetsuya Komuro
Distribuido por: Toho
Fecha de lanzamiento
21 de diciembre de 1985 (Japón)
Tiempo de ejecución 80 minutos
País Japón
Idioma japonés
3 Pelicula La leyenda de Kenshirō (0 ケンシロウ伝Zero Kenshirō Den)
Película estrenada el 4 de octubre de 2008.
Tercera película de la trilogía Shin Kyuseishu Densetsu Hokuto no Ken, que narra las aventuras de Kenshiro después de ser traicionado por su amigo Shin, y su periplo hasta el comienzo de los hechos narrados en la película original de 1986.
Puntos Clave de la Leyenda:
El Protagonista:Kenshiro, el humilde y poderoso sucesor del estilo Hokuto Shinken, marcado con las siete cicatrices de la Osa Mayor en el pecho.
El Mundo: Un páramo nuclear desolado, donde la ley es la fuerza y los débiles son oprimidos por bandas y tiranos.
El Arte Marcial:Hokuto Shinken, una técnica que ataca puntos de presión internos para destruir al oponente desde dentro, a menudo resultando en explosiones corporales.
Personajes Icónicos: Incluye a los hermanos adoptivos Raoh (el Rey del Puño), Toki (el sanador), y Jagi (el envidioso).
Legado: Sentó las bases para muchos animes de lucha futuros como Dragon Ball Z y Saint Seiya, y sigue siendo una referencia cultural por sus frases y combates.
“La Leyenda de Kenshiro” abarca:
El Manga Original (1983-1988): Creado por Buronson (escritor) y Tetsuo Hara (ilustrador).
Anime Clásico (1984-1988): Las dos primeras temporadas que adaptaron fielmente el manga.
Ovas y Películas: Historias adicionales como La Leyenda de Toki (Toki Den).
Nuevas Adaptaciones: Incluyendo un nuevo anime en camino para 2026 y videojuegos como Fist of the North Star: Lost Paradise.
Hokuto no Ken (北斗の拳lit. Puño de la Estrella del Norte), también conocido como Fist of the North Star, es un manga japonés escrito por Buronson e ilustrado por Tetsuo Hara. Es una historia postapocalíptica de artes marciales. Una nueva adaptación televisiva de la serie de anime producida por TMS Entertainment se estrenará en 2026.
Argumento
Después de la Tercera Guerra Mundial, el planeta se volvió un lugar desolado y hostil, poca gente ha sobrevivido a esta catástrofe y el agua se convirtió en el recurso más preciado en todo el mundo, así como la fuerza es la habilidad más necesaria, porque solo los más fuertes dominan el mundo. Esto cambiará cuando un hombre, el cual es conocido por algunos como «el salvador de finales del siglo», aparezca y ponga en práctica el Hokuto Shinken, el cual es un arte marcial con efectos devastadores en los adversarios. Con ello ayudará a sí mismo a comprender y cumplir su destino en este nuevo mundo, mientras ayuda a los indefensos supervivientes a conseguir una vida más digna y plena.
Hokuto no Ken – Shin Kyūseishu Densetsu
En el 2005 se empezó a producir un grupo de tres películas y dos OVAs llamadas Leyenda del verdadero salvador – El Puño de la Estrella del Norte (真救世主伝説 北斗の拳Shin Kyūseishu Densetsu – Hokuto no Ken) y que fueron publicadas entre el 2006 y el 2008. Fueron realizadas por TMS Entertainment.
La leyenda de Raō – Capítulo del Mártir del Amor (ラオウ伝 殉愛の章Raō Den – Junai no Shō)
Película estrenada el 11 de marzo de 2006.
La leyenda de Yuria (ユリア伝Yuria Den)
OVA estrenada el 23 de febrero de 2007.
La leyenda de Raō II- Capítulo de la Pelea Intensa (ラオウ伝Ⅱ 激闘の章Raō Den II- Gekitô no Shō)
Película estrenada el 28 de abril de 2007.
La leyenda de Toki (トキ伝Toki Den)
OVA estrenada el 26 de marzo de 2008.
0 La leyenda de Kenshirō (0 ケンシロウ伝Zero Kenshirō Den)
Película estrenada el 4 de octubre de 2008.
Pluto es un manga de Naoki Urasawa publicado por la editorial Shōgakukan en la revista Big Comic Original entre 2003 y 2009. Takashi Nagasaki aparece como coautor de la serie, que fue supervisada por Makoto Tezuka, hijo de Osamu Tezuka. Cuenta con 65 capítulos, recogidos en 8 tomos.
La serie está basada en la obra de Tezuka Astro Boy, específicamente en el arco argumental “El mayor robot en la Tierra” (地上最大のロボットChijou saidai no robotto), y nombrada con base en el principal villano de este. Urasawa lo reinterpreta como una historia de suspenso protagonizada por Gesicht, un robot detective de la Europol que intenta resolver una serie de asesinatos tanto de robots como de humanos que están relacionados entre sí. Hay numerosas referencias a otras obras y personajes de Tezuka.
Una adaptación teatral dirigida por Sidi Larbi Cherkaoui se estrenó en enero de 2015 y se ha presentado internacionalmente. Una adaptación al anime en formato ONA, producida por Genco con servicios de producción de animación de Studio M2, se estrenó en su totalidad en Netflix en octubre de 2023.
Pluto fue un éxito comercial y de crítica, ganó varios premios, incluido el noveno Premio Cultural Tezuka Osamu, y vendió más de 10 millones de copias.
Pluto narra la historia de Gesicht (en alemán: «cara»), un robot detective que trabaja para la Europol, cuando investiga un caso que gira en torno a los asesinatos de robots y humanos que están teniendo lugar. El caso se complica cuando las pruebas empiezan a sugerir que quien está detrás de todo es un robot.
La acción se sitúa en un futuro donde los robots han ganado derechos similares a los que tienen los humanos, y en el que tuvo lugar una guerra que asoló el Imperio Persa, situado en el Medio Oriente, la cual marcó el pasado de muchos de sus personajes.
El manga Pluto ha vendido más de 8.5 millones de volúmenes, ganador además de varios premios. En 2005, ganó el Premio Cultural Tezuka Osamu y el Premio a la Excelencia del Festival de arte de Japón; En 2010 ganó el premio a mejor cómic por el Seiun Award, en Francia ganó el premio internacional del Angoulême International Comics Festival y el premio Asie-ACBD en la Japan Expo del 2011.
En una reseña del sitio About.com, el manga fue descrito como “una obra maestra bien narrada que romperá el corazón con una profunda emocionalidad”. En Anime News Networks con la reseña del volumen 7 del manga, hablaron del excelente trabajo de Urasawa y su integración con los diseños de Tezuka; respecto al volumen final comentaron “que la parte final del manga tiene elementos filosóficos de la guerra, la humanidad y la inteligencia artificial de la mano con sentimientos sobre amor, odio, esperanza y desesperación”.
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Es un manga con mucha profundidad emocional y narrativa, considerado por muchos crítica y afición como una obra maestra moderna del género.
Wikipedia
📙 Pluto T1 — ¿Qué sucede en el primer tomo?
El primer volumen sirve como introducción al universo, sus personajes y el misterio central:
📍 Contexto:
La historia ocurre en un futuro donde robots y humanos conviven, y los robots tienen derechos casi iguales a los humanos.
Zona Negativa
🔎 Inicio del misterio:
El detective robot Gesicht, que trabaja para la Europol, investiga un caso extraño: robots muy avanzados y personas relacionadas con la defensa de derechos de robots aparecen asesinados de forma brutal, con objetos tipo “cuernos” clavados en sus cabezas.
Zona Negativa
Esto es desconcertante porque según la ley robótica (similar a las leyes de Asimov), un robot no puede dañar a un ser humano ni permitir que uno sea dañado. ¿El culpable es un robot? ¿Cómo puede ser?
Zona Negativa
👥 Personajes que aparecen en T1:
Gesicht – detective robot.
Montblanc – uno de los robots más poderosos, víctima del primer crimen.
Bernard Ranke – humano defensor de derechos robóticos y segunda víctima importante.
Más robots y figuras clave van apareciendo, cada uno con una historia que late bajo la superficie del misterio central.
Zona Negativa
📌 Qué establece el primer tomo:
El tono oscuro y serio de la serie.
La relación ambivalente entre humanos y robots.
Los pilares temáticos (identidad, olvido, moralidad).
Y el misterio que impulsará toda la serie.
🧠 Temas centrales del manga
Aunque Pluto arranca como un thriller policiaco de ciencia ficción, rápidamente se vuelve un relato profundamente filosófico sobre:
¿Qué significa ser humano?
¿Los robots con sentimientos son más humanos que algunos humanos?
¿Puede el odio o la guerra transformar a seres sin emociones programadas?
Culturius
Estos temas van desarrollándose a medida que avanzas en los tomos.
Wikipedia
📺 Adaptaciones
Pluto también tiene una adaptación animada en Netflix (8 episodios) que sigue fielmente la historia del manga, y hace justicia a la narrativa densa y emocional de Urasawa.
🎙️ Club de Lectura AnimeRock
Pluto – Tomo 1 (Págs. 1–97)
“Este análisis cubre únicamente las primeras 97 páginas del Tomo 1,
sin spoilers y sin mostrar páginas del manga.”
CONTEXTO DE LA OBRA
“Pluto nace de una idea poderosa:
tomar una historia clásica de Astro Boy
y preguntarse…
¿qué pasaría si la contáramos como un thriller adulto?”
🎯 Curiosidad #1 (pausa interactiva):
“Urasawa dijo que no quería ‘rehacer’ a Tezuka,
sino dialogar con él, como si ambos autores
conversaran a través del tiempo.”
EL MUNDO DE PLUTO
“En Pluto vemos un mundo donde humanos y robots conviven.
En papel, todo parece justo:
leyes, derechos, convivencia.”
“Pero en estas primeras páginas
se siente algo extraño…
una paz forzada.”
Puntos clave (sin spoilers):
Hubo una gran guerra reciente.
Algunos robots fueron armas.
Ahora intentan vivir como ciudadanos.
Los humanos dicen aceptar…
pero no olvidan.
🎯 Curiosidad #2:
“Los robots en Pluto no son metálicos ni fríos.
Urasawa los dibuja con gestos humanos,
pero nunca deja que olvidemos
que no nacieron… fueron creados.”
EL PRIMER IMPACTO: MONTBLANC
“Las primeras páginas nos presentan a Montblanc.
Un robot poderoso.
Un héroe de guerra.
Un símbolo de esperanza.”
🎙️ Reflexión:
“Cuando algo le ocurre a Montblanc,
el mensaje es claro:
nadie está a salvo.”
EL INVESTIGADOR: GESICHT
“Aquí aparece el verdadero corazón del manga:
Gesicht.”
🎙️ Punto clave:
“Gesicht no investiga como máquina.
Investiga como alguien
que recuerda cosas que no quiere recordar.”
🎯 Curiosidad #3:
“Urasawa usa a Gesicht para hacernos una pregunta incómoda:
si un robot puede sentir culpa…
¿es menos peligroso que un humano sin ella?”
EL MISTERIO QUE SE INSINÚA:
“En estas primeras 97 páginas
no se nos da una respuesta.
Solo una sospecha.”
Hay un patrón.
Las víctimas comparten un pasado.
El odio parece demasiado organizado.
“Si los robots no pueden matar…
entonces alguien les enseñó algo peor que la violencia.”
CURIOSIDADES RÁPIDAS
📌 Pluto fue pensado como obra cerrada, no serie eterna.
📌 El ritmo lento es intencional: Urasawa quiere que sientas incomodidad.
📌 Muchas viñetas no tienen diálogos:
el silencio también narra.
🎙️ Cierre:
“Estas primeras 97 páginas no te explican Pluto.
Te lo presentan.”
“No te dicen quién es el monstruo…
te preguntan si el monstruo
nació en la guerra
o en la memoria.”
FRASE FINAL:
“Porque a veces,
la ciencia ficción no habla del futuro…
habla de lo que aún no hemos sanado.”
A Christmas Carol. In Prose. Being a Ghost Story of Christmas —comúnmente conocida como A Christmas Carol y traducida al español como Canción de Navidad. Cuento de Navidad [o El cántico de Navidad— es una novela corta escrita por el británico Charles Dickens y publicada originalmente por Chapman & Hall el 19 de diciembre de 1843. Su trama cuenta la historia de un hombre avaro y egoísta llamado Ebenezer Scrooge y su conversión tras ser visitado por una serie de fantasmas en Nochebuena y la madrugada de Navidad.
La redacción y difusión del libro se llevó a cabo durante la época victoriana, en la que prevalecía una sensación de nostalgia por las antiguas tradiciones navideñas, y en la que comenzaban a introducirse costumbres como los árboles de Navidad. Una variedad de conceptos y publicaciones influyeron en Dickens al momento de redactar su obra, aunque destacan sus experiencias de la infancia, su simpatía por los pobres y varios relatos navideños y cuentos de hadas.
A grandes rasgos se puede considerar el relato como una condena de la avaricia, aunque también son posibles otras interpretaciones. Su contribución a la forma contemporánea de celebrar la Navidad como una época de integración familiar y festividad, especialmente en el Reino Unido y Estados Unidos, ha mantenido su popularidad con el transcurso del tiempo, y desde entonces ha sido traducida a diversos idiomas y adaptada a varios medios como el cine, el teatro y la televisión.
La “Canción de Navidad” (o “Cuento de Navidad”) de Charles Dickens es un clásico literario sobre el avaro Scrooge y su transformación, y aunque no es un manga original de Dickens, ha sido adaptada al formato manga por editoriales como Kalandraka, ofreciendo una versión gráfica y accesible de la historia para lectores modernos, manteniendo la esencia de la novela sobre la generosidad y el espíritu navideño.
Sobre la Obra Original (Charles Dickens):
Autor: Charles Dickens (novelista británico victoriano).
Trama: Un prestamista avaro y solitario, Ebenezer Scrooge, es visitado por el fantasma de su socio Jacob Marley y tres espíritus (Navidades Pasadas, Presentes y Futuras) que le muestran las consecuencias de su egoísmo y lo transforman.
Tema: Una crítica a la codicia y las desigualdades sociales, y un llamado a la generosidad y la armonía en Navidad.
La Adaptación a Manga:
Formato: Es una adaptación de la novela clásica al estilo japonés de cómic (manga).
Propósito: Hace la historia más accesible y atractiva, especialmente para lectores jóvenes, sin perder el mensaje original.
Ejemplo de Publicación: Editorial Kalandraka ha publicado una edición cuidada, resaltando la riqueza del texto de Dickens y la importancia de la lección navideña.
En resumen, si buscas la “Canción de Navidad” en formato manga, estás buscando una adaptación visual del famoso cuento de Dickens, disponible en editoriales que reinterpretan clásicos para nuevas audiencias.
Ficha Técnica
Título Original : Metropolis
Título Alternativo : Metoroporisu
Mangaka/Autor(a) : TEZUKA Osamu
Año que comenzó la publicación : 1949
Audiencia/Demografía : shounen
Géneros : ciencia ficción, tragedia
Traduccion y/o Escaneo : Comic Release Group
Volumenes : 1 tomo
Tipo de Lectura : oriental
La sinopsis del manga Metrópolis de Osamu Tezuka se centra en la ciudad futurista del mismo nombre, donde un detective, Shunsaku Ban, investiga a un científico que ha creado un ser artificial con apariencia humana, Michi. El manga explora temas como la naturaleza humana, el conflicto entre tecnología y humanidad, y la identidad, en una trama influenciada por la ciencia ficción y el contexto de la Guerra Fría. El manga original tiene una trama más enfocada en el desarrollo de Michi y tiene un público más infantil, mientras que la adaptación de 2001 a película de anime la adapta a un tono más adulto y cambia varios elementos de la historia.
Argumento principal
La ciudad de Metrópolis: Una ciudad futurista con una marcada división de clases y un sistema de trabajo robótico.
El Detective y su sobrino: El detective Shunsaku Ban y su sobrino Kenichi investigan un caso en el que el Barón Rojo busca crear al ser artificial perfecto, y terminan involucrados en la búsqueda de la creación del Dr. Lawton, Michi.
La creación artificial: Michi, un ser asexual con capacidad de transformarse, es la creación del Dr. Lawton, quien huye para proteger a su creación de ser utilizada como arma por el Barón Rojo.
La identidad: Michi descubre su verdadera naturaleza artificial, lo que genera un gran conflicto interno y la lleva a cuestionarse su propia existencia.
El conflicto principal: A diferencia de la película de 2001, el manga original no se centra en la discriminación de los robots sino en el desarrollo de Michi y en la autodestrucción humana.
Diferencias clave con la adaptación de 2001
Michi/Tima: En el manga es un ser asexual llamado Michi, mientras que en la película es una niña llamada Tima.
El villano: En el manga, el Barón Rojo es un villano típico con pocas profundidades, mientras que en la película es un personaje con un trasfondo más complejo.
La trama: La trama del manga tiene un tono más infantil, mientras que la película es más adulta y seria.
“La historia es una ciencia, no de certezas individuales, sino de masas.”— Hari Seldon, Fundación
Introducción
La psicohistoria, tal como fue concebida por Isaac Asimov en su saga “Fundación”, propone una visión del futuro basada en patrones estadísticos y sociológicos que afectan a grandes grupos humanos. Aunque ficticia, esta herramienta teórica resulta sugerente como modelo para observar procesos históricos reales. Este análisis pretende aplicar los principios de la psicohistoria al caso de El Salvador, un país en transformación profunda que podría estar en uno de sus momentos históricos más determinantes.
La psicohistoria necesita un punto de partida: un estado inicial de variables sociales, económicas, políticas y culturales. En El Salvador, los elementos clave son:
Demografía: Población joven y urbana, con alta emigración.
Economía: Dolarizada, con fuerte dependencia de remesas (24% del PIB), e incursión en criptomonedas.
Política: Concentración de poder en el Ejecutivo, reformas constitucionales, disminución de la oposición institucional.
Tecnología: Introducción de Bitcoin como moneda de curso legal, desarrollo de infraestructura digital.
Seguridad: Descenso significativo en homicidios, pero con cuestionamientos sobre derechos humanos.
Educación y Salud: Avances irregulares, con desigualdades estructurales persistentes.
Este contexto representa un momento de inflexión: o bien se consolida un nuevo modelo de desarrollo, o se acelera un colapso institucional encubierto por la estabilidad superficial.
2. Dinámicas Históricas en Juego
a) Centralización del poder
La psicohistoria identifica que los imperios tienden a concentrar poder cuando enfrentan amenazas internas. La figura presidencial salvadoreña ha centralizado funciones con amplio respaldo popular, lo que puede dar estabilidad temporal, pero a largo plazo genera vulnerabilidad si no se institucionalizan los logros.
b) Migración masiva
La emigración funciona como válvula de escape del malestar social. Sin embargo, el éxodo continuo de jóvenes y profesionales limita la capacidad regenerativa del sistema.
c) Revolución tecnológica
El Salvador apuesta por una transformación digital: Bitcoin, billeteras electrónicas, proyectos como “Bitcoin City”. Pero según la psicohistoria, la tecnología solo reconfigura el futuro si logra cambiar el comportamiento colectivo y crear nuevos equilibrios sociales.
3. Escenarios Psicohistóricos
Transformación en un polo tecnológico regional. Desarrollo inclusivo.
El modelo actual se agota y produce convulsión social.
Represión prolongada, choque generacional, cierre del espacio cívico.
4. Cronograma Proyectado de Eventos (2025–2045)
Aplicando lógica psicohistórica y análisis de tendencias, proponemos el siguiente cronograma tentativo:
Año:
Evento proyectado
2025-2027
Consolidación del modelo político autoritario con respaldo popular. Inversiones en Bitcoin City y zonas digitales.
2028-2030
Posible estancamiento económico si no hay diversificación productiva. Inicia fuga de capital si fracasa la estrategia cripto.
2030-2033
Expansión de crisis fiscal por endeudamiento. Polarización política y creciente insatisfacción civil.
2033-2035
Primer punto de inflexión: elecciones, presión social o fractura del modelo. Oportunidad de institucionalización o radicalización.
2036-2040
Dos posibles rutas:
Ruta A (Fundación Nueva): institucionalización de reformas, mejora educativa, integración regional.
Ruta B (Ciclo Autoritario-Revolucionario): represión, convulsión social, migración masiva. |
| 2040-2045 | Si se sigue la Ruta A, el país inicia un modelo estable y sostenible. Si es la Ruta B, se profundiza el deterioro institucional y social, con pérdida del tejido democrático. |
Este cronograma es una proyección especulativa inspirada en modelos psicohistóricos, no una predicción determinista.
5. Analogía con el Universo de Fundación
En “Fundación”, Hari Seldon establece una colonia de sabios en el extremo de la galaxia para preservar el conocimiento y acelerar la reconstrucción civilizatoria tras la caída del Imperio Galáctico. Así, El Salvador podría concebirse como una Fundación periférica: pequeña, tecnológica, experimental, que busca adelantarse al colapso global.
Sin embargo, también puede convertirse en un experimento fallido si se confunde la aparición de nuevas tecnologías con cambios reales en la estructura social.
Conclusión
Desde la perspectiva psicohistórica, El Salvador se encuentra en un “Momento Seldon”: una coyuntura crítica en la que sus decisiones pueden acortar o alargar su periodo de inestabilidad futura.
El futuro no está escrito, pero los patrones sociales ofrecen pistas claras: sin instituciones sólidas, educación masiva y apertura crítica, ni la criptotecnología ni el liderazgo carismático bastarán para sostener una nueva civilización.
Como en la Fundación, el conocimiento es la clave para navegar la entropía de la historia. La pregunta es: ¿Está preparado El Salvador para convertirse en una verdadera Fundación del siglo XXI?
Versión visual del cronograma psicohistórico con las rutas alternativas claramente diferenciadas por colores:
The Phantom (en Hispanoamérica, El Fantasma; en España, El Hombre Enmascarado) es una serie clásica de historietas de aventuras estadounidense, considerada también una precursora estética del cómic de superhéroes, cuando no su pionera. El personaje principal, el Phantom, es un ficticio luchador contra el crimen enmascarado que opera desde el ficticio país africano de Bangalla. El personaje ha sido adaptado a la televisión, el cine y los videojuegos.
Creada por el guionista Lee Falk en 1936 con la colaboración de dibujantes como Ray Moore, aún se publica en la actualidad, y ha tenido adaptaciones a otros medios, como novelas, películas y series de televisión. La serie comenzó con una tira diaria de periódico el 17 de febrero de 1936, seguida de una tira dominical en color el 28 de mayo de 1939; ambas siguen publicándose a 2022. En 1966, la King Features declaró que The Phantom era publicada en 583 periódicos de todo el mundo.En su apogeo, la tira era leída por más de 100 millones de personas al día.
Falk trabajó en The Phantom hasta su muerte en 1999; a partir de entonces, la tira cómica ha sido escrita por Tony DePaul. Desde 2016, la dibuja Mike Manley (de lunes a sábado) y, desde 2017, Jeff Weigel (los domingos). Entre los dibujantes previos de la tira se encuentran Ray Moore, Wilson McCoy, Bill Lignante, Sy Barry, George Olesen, Keith Williams, Fred Fredericks, Graham Nolan, Eduardo Barreto, Paul Ryan y Terry Beatty.
En la tira, el Phantom era el número 21 de una estirpe de luchadores contra el crimen que comenzó en 1536, cuando el padre del marinero británico Christopher Walker murió durante un ataque pirata. Christopher hizo un juramento sobre la calavera del asesino de su padre de luchar contra el mal y dio comienzo al legado del Phantom, que pasaría de padre a hijo. Entre los apodos del Phantom figuran «El fantasma que camina», «Guardián de la oscuridad oriental» y «El hombre que no puede morir».
A diferencia de muchos otros superhéroes, el Phantom no tiene superpoderes; depende totalmente de su propia fuerza, inteligencia y el mito de su inmortalidad para actuar contra las fuerzas del mal. El Fantasma 21.º está casado con Diana Palmer, a quien conoce mientras estudiaba en Estados Unidos y con quien tiene dos hijos, Kit y Heloise. Tiene un lobo amaestrado llamado Diablo y un caballo llamado Héroe, y al igual que los 20 Phantoms anteriores vive en la antigua Cueva de la Calavera.
El Phantom fue el primer héroe de ficción en vestir el traje de mallas ceñido que se ha convertido en un sello distintivo de los superhéroes de los cómics, y fue el primero en aparecer con una máscara que ocultaba sus pupilas (otro estándar entre los superhéroes modernos). El historiador de cómics Peter Coogan ha descrito al Phantom como una figura de «transición», ya que tiene algunas de las características de héroes de revistas pulp como La Sombra o el Araña y de héroes selváticos previos como Tarzán, a la vez que anticipa los rasgos de héroes de los cómics como Superman, Batman o el Capitán América.
Trayectoria editorial
The Phantom #1 (reimpresión por Australian Women’s Mirror).
Después del éxito de las tiras de Mandrake el mago, la agencia de prensa King Features le pidió a Lee Falk que creara una nueva tira. El primer intento de Falk fue una tira sobre el Rey Arturo y sus caballeros, que Falk escribió y dibujó. Cuando la King Features la rechazó, Falk creó una tira con el nombre de «The Phantom», que trataba sobre un misterioso personaje disfrazado que luchaba contra el crimen. Falk planeó los primeros meses de la historia y dibujó las primeras dos semanas como muestra.
Fascinado con los mitos y leyendas (tales como las del Rey Arturo o el Cid), así como por los personajes ficticios modernos del Zorro, Tarzán y Mowgli (de la obra de Kipling), a los que hay que añadir toda la literatura pulp de los años veinte y treinta del siglo XX, con personajes como Doc Savage, La Sombra o Conan, Falk imaginó al personaje como Jimmy Wells, un millonario playboy de día y un héroe que luchaba contra el crimen en las noches. Durante su primera historia, «The Singh Brotherhood», Falk decidió cambiar el ambiente a la selva e hizo del Phantom una figura mítica, aparentemente inmortal. Pensando que ya había demasiados personajes con el nombre de «the Phantom» (incluyendo al personaje de las pulp The Phantom Detective y al Fantasma de la Ópera), Falk consideró llamar a su héroe «The Gray Ghost» (El fantasma gris), pero insatisfecho con esta y otras alternativas, decidió quedarse con «The Phantom».
En el documental para televisión de A&E, The Phantom: Comic Strip Crusader, Falk explicó que los bustos griegos fueron su inspiración para ocultar las pupilas del Phantom cuando el personaje llevaba su máscara. Falk creía erróneamente que los antiguos bustos griegos no tenían pupilas (en realidad, iban pintadas originalmente pero se habían desvanecido con el tiempo), lo que, según él, les daba un «aspecto inhumano y sobrecogedor». En una entrevista para Comic Book Marketplace, Falk dijo que el traje de mallas ceñido al cuerpo del Phantom fue inspirado en Robin Hood, que llevaba mallas en las películas y en las obras teatrales.
Falk era un entusiasta de la obra de Shakespeare y la historieta incluía varias referencias al dramaturgo. Entre ellas, el tercer Fantasma interpreta a Julieta en el estreno original de Romeo y Julieta, además de casarse con la sobrina de Shakespeare.
Comenzó a publicarse como tira cómica diaria el 17 de febrero de 1936 y, a partir del 28 de mayo de 1939, también como suplemento dominical en color, publicación que ha continuado hasta la actualidad en diversos periódicos del mundo.
En español, ha sido publicada de forma seriada en Tit-Bits (Argentina, años 40) Un español, Joan Boix, la continúa actualmente para el mercado escandinavo.
Argumento
En 1536, un barco mercante inglés es atacado en aguas del Pacífico por los piratas Singh. El único superviviente, hijo del capitán del navío, Christopher Walker (llamado a veces Christopher Standish en ciertas versiones de la historia), alcanza a nado la costa, donde es encontrado por pigmeos de la tribu Bandar, quienes le curan y le cuidan. Jura sobre la calavera del asesino de su padre «¡la destrucción de la piratería, la avaricia, la crueldad y la injusticia, en todas sus formas!»
Los Bandars llevan a Christopher a una cueva que asemeja una calavera humana. Chistopher luego talla los rasgos para aumentar este parecido. Esta Cueva de la Calavera se convirtió en su casa. Usando un disfraz basado en el dios demonio, Christopher se convierte en el primero de quienes luego serían conocidos como el Phantom. Al morir, su hijo asumió el rol, y cuando éste murió fue reemplazado por su hijo, y así en adelante. Tal sucesión continuaría a lo largo de los siglos, tal que al morir cada Fantasma, su hijo hereda su traje y máscara característicos, perpetuando así la idea de que es el mismo hombre a través de los siglos y creando la leyenda, entre piratas y nativos, de un único fantasma vengador que nunca muere. Estas personas le dieron sobrenombres como los de «El Fantasma que Camina» o «El Hombre que No Puede Morir».[25] Todos los Phantom previos se encuentran sepultados en la Cueva de la Calavera.
El Fantasma tiene aventuras en todo el mundo, aunque su base está en los bosques profundos del país ficticio de Bengali (originalmente «Bengalla» o «Bangalla» y rebautizada Denkali en la edición india), que inicialmente se situaba en algún lugar de la costa indostánica, pero luego pasó a estar ubicado en la costa oriental africana. El Phantom es el comandante de la Patrulla de la Jungla de Bangalla. A raíz de una traición que conllevó a la muerte del 14° Phantom, la identidad de éste se mantiene oculta de los demás miembros de la patrulla. El Phantom emplea varios métodos para mantenerse en contacto, incluyendo un radio y una caja fuerte con un fondo falso.
Mapa de lugares donde se imprime The Phantom. Los países verdes son donde hay publicaciones regulares de The Phantom, mientras que los países azules son donde se imprime The Phantom en diarios.
La tira de prensa original se centra en el Fantasma número XXI, el último de la estirpe, que vive en siglo XX d. C. (de vez en cuando se narran las aventuras de Fantasmas previos), quien asume en su «personalidad civil» el nombre de Kit Walker (el mismo de sus antepasados). Como todos los anteriores Fantasmas, el Phantom lleva un antifaz negro y un traje ceñido morado. También lleva armas de mano de la época respectiva, actualmente dos pistolas M1911 en un cinturón especial con una hebilla en forma de calavera, armas que nunca usa para matar. También lleva dos anillos: uno con la imagen de una calavera, para marcar a los criminales mediante un golpe en la mandíbula; el otro, con un símbolo de paz que identifica a quienes lo ayudan en su lucha. Lo acompaña siempre su fiel lobo Devil (en español Satán o Diablo) y su caballo blanco, Hero (en español Héroe).
Aunque ya había habido luchadores contra el crimen enmascarados, como el Zorro, la Sombra o the Clock, el Phantom fue el primer personaje de ficción en llevar el traje ceñido y los ojos sin pupilas visibles que se han convertido en marca de los superhéroes. Su creador, Lee Falk, había imaginado originalmente un traje gris e incluso pensó en bautizar a su creación con el nombre de «Fantasma Gris». No fue hasta el debut de la tira dominical del Phantom en 1939 cuando se mostró que el traje era morado. Falk, sin embargo, siguió refiriéndose al traje como gris en el texto de la tira en varias ocasiones posteriores, pero eventualmente aceptó el color morado. En una historia de la tira dominical publicada en la década de 1960 se mostró que el primer Fantasma eligió el traje basándose en la apariencia de un ídolo de la selva, y tiñó la tela con bayas selváticas de color púrpura.
En su lucha, se enfrenta a diversos malhechores, como los piratas de la Hermandad Singh, ayudado por su amigo Guran (jefe de una tribu pigmea) y por su interés romántico y futura madre de sus hijos: Diana Palmer, personaje que desde el primer momento se mostró avanzado para su época: luchadora, aventurera y empleada de la ONU.
En las historias se presenta la superioridad del hombre blanco, pero también la incomprensión e indiferencia con que acogen sus disposiciones los indígenas en una obra donde el imperialismo occidental ni se exalta ni se critica.
Adaptaciones
Cine
The Phantom es una película de aventura y acción de 1996 protagonizada por Billy Zane como el Fantasma, Kristy Swanson, Catherine Zeta-Jones, Treat Williams, James Remar y Patrick McGoohan. Fue dirigida por Simon Wincer.
Televisión
Una serie de televisión animada ambientada en el futuro, titulada, El Fantasma 2040, así como su participación en la serie de los 80’s llamada, Los Defensores de la Tierra, y un serial de películas llamadas The Phantom en 1943.
The Phantom (Syfy) El 29 de julio de 2008, el guionista Daniel Knauf anunció que con su hijo y colaborador Charles Knauf había completado un período de cuatro horas, TV-movie script para SCI FI Channel (más tarde llamado Syfy), protagonizado por la 22 ª Phantom. [88] El 23 de marzo de 2009, Sci Fi Channel anunció que ordenó formalmente un miniserie de cuatro horas en dos partes, que también sirvió como piloto. La miniserie, llamada simplemente The Phantom, fue producida por Muse Entertainment y RHI Entertainment. Se estrenó en Canadá en la red de la película en diciembre de 2009, como parte de dos miniseries, por un total de tres horas. La serie fue filmada en Nueva York, Costa Rica y Montreal. En la historia Kit estudiante de derecho se entera de que había sido adoptado, y es en realidad el hijo de 21.º Phantom y Diana Palmer Walker. Se une al equipo Phantom en las selvas de Bengalla (en esta versión, Bengalla es una pequeña isla en Indonesia) y es entrenado en las artes marciales y el combate, emergiendo como el Phantom junto a luchar contra la Hermandad Singh y guarde el único hombre que puede llevar la paz a Oriente Medio. El Fantasma 22.º lleva un traje modificado que es altamente resistente a las balas, hojas y caídas, duplica su fuerza y puede hacer que se mueva más rápido. La miniserie salió al aire en Syfy en junio de 2010, y fue lanzada en Blu-ray y DVD de Vivendi Entertainment.
Documentales
En 1996, A & E ha creado un documental sobre la historia del fantasma de televisión, llamado The Phantom: Comic strip crusade. Narrado por Peter Graves, entrevistas al creador Lee Falk, los actores Billy Zane y Kristy Swanson, director Simon Wincer, Frew-editor Jim Shepherd, George Olesen, Keith Williams, y el presidente de los Amigos de Estados Unidos fantasma del club de fanes de la Phantom, Ed Rhoades. El documental fue lanzado en DVD en 2006.
Musicales
Un musical sobre el Phantom fue producido en Suecia en 1985, escrito por Peter Falck y Wrethagen Urbano y protagonizó Wrethagen Urbana como el Fantasma. Una grabación de las canciones fue lanzada en LP y una adaptación cómica de la historia fue publicada en la revista Fantomen sueco. Otro musical llamado “Fantomets claro bryllup” (“Happy Wedding El Fantasma”) se realizó en Noruega, con el actor Knut Husebø como Fantomet y la popular cantante noruega Jahn Teigen componiendo la música y tocar el antagonista. Este tono humorístico sobre el carácter incluido el choque Phantom con Tarzán. Teigen también tenía una canción de éxito de la relación del Fantasma con Diana Palmer.
Whitman
La primera novela sobre el Fantasma fue publicada en 1944 por Whitman Publishing Company y se llamó Son of the Phantom. Fue escrita por Dale Robertson. El libro estaba basado en la historia de la tira Childhood of the Phantom, escrita por Lee Falk, aunque Falk no está envuelto con la novela.
Avon
Avon Publications en EE. UU. publicó 15 libros basados en historias de Lee Falk. Estos libros se publicaron desde 1972 hasta 1975 y fueron escritos por el mismo Falk o por un escritor desconocido. Las portadas fueron dibujadas por George Wilson. Muchos de los libros fueron traducidos a otros idiomas.
The Story of the Phantom: The Ghost Who Walks 1972, Lee Falk
The Slave Market of Mucar 1972, Basil Copper
The Scorpia Menace 1972, Basil Copper
The Veiled Lady 1973, Frank S. Shawn
The Golden Circle 1973, Frank S. Shawn
The Mysterious Ambassador 1973, Lee Falk
The Mystery of the Sea Horse 1973, Frank S. Shawn
The Hydra Monster 1973, Frank S. Shawn
Killer’s Town 1973, Lee Falk
The Goggle-Eyed Pirates 1974, Frank S. Shawn
The Swamp Rats 1974, Frank S. Shawn
The Vampires & the Witch 1974, Lee Falk
The Island of Dogs 1975, Warren Shanahan
The Assassins 1975, Carson Bingham
The Curse of the Two-Headed Bull 1975, Lee Falk
En 2006, los libros The Story of the Phantom: The Ghost Who Walks y The Veiled Lady fueron lanzados como libros de audio en Noruega y en Suecia, como parte de la celebración del aniversario número setenta del personaje.
Premios
1989 Premio Haxtur al Autor que Amamos, concedido por el Salón Internacional del Cómic del Principado de Asturias en Oviedo.
La estulticia es la cualidad o estado de ser necio o carente de entendimiento y juicio. Se refiere a la falta de inteligencia, sensatez o sentido común en el comportamiento o las decisiones de una persona. Es un término que se utiliza para describir acciones o pensamientos que son imprudentes, insensatos o tontos. La estulticia puede manifestarse en la incapacidad de aprender de los errores, la repetición de conductas absurdas o la obstinación en mantener ideas erróneas a pesar de la evidencia en contra.
Una breve historica de la formacion de la estulticia.
Todo comienza con Elogio de la Locura:
Elogio de la locura o Alabanza de la estupidezes un ensayo escrito por Erasmo de Róterdam e impreso por primera vez en 1511; está inspirado en De triumpho stultitiae del italiano Faustino Perisauli, natural de Tredozio (Forlì). Del original en latín “Moriae Encomium, sive Stultitiae Laus“. En una traducción aparece como título «Elogio de la necedad» porque moria (en griego) es necedad, insensatez, locura.
Según palabras del propio Erasmo, tras redactarlo en una semana revisó y desarrolló el trabajo durante una estancia en la casa que tenía su amigo Tomás Moro en Bucklersbury. El título, en un sentido doble típico de la obra, también puede entenderse como “Elogio de [Tomás] Moro”.
Se considera el Elogio de la locura como una de las obras más influyentes de la literatura occidental y uno de los catalizadores de la reforma protestante.
La estulticia puede estar presente en la animación?
La respuesta es Si. La estulticia puede estar presente en la animación, tanto en los personajes como en las tramas. A menudo, la estulticia se utiliza como un recurso humorístico, donde personajes muestran comportamientos o toman decisiones que son evidentemente necias o carentes de sentido común. Este tipo de humor puede ser visto en muchas series y películas animadas, donde las acciones absurdas o insensatas de los personajes resultan en situaciones cómicas.
Por ejemplo:
Personajes icónicos: Personajes como Homero Simpson de “The Simpsons” o Patrick Star de “SpongeBob SquarePants” son conocidos por sus acciones necias y su falta de juicio, lo cual es una fuente constante de humor en sus respectivas series.
Situaciones absurdas: En muchas series animadas, las tramas giran en torno a situaciones ridículas y decisiones ilógicas tomadas por los personajes, generando momentos cómicos y entretenidos para el espectador.
Parodias y sátiras: La estulticia también se utiliza para parodiar o satirizar comportamientos humanos reales, exagerando la necedad para resaltar ciertos aspectos de la sociedad o de la naturaleza humana.
En resumen, la estulticia es un recurso narrativo y humorístico común en la animación que puede contribuir significativamente al entretenimiento y la diversión de la audiencia.
Aunque actualmente existe un abuso en las series y peliculas de este recurso.
El abuso de la estulticia en las series de animación actuales es un fenómeno que ha generado tanto críticas como elogios. En muchas series animadas contemporáneas, la estulticia se emplea de manera exagerada y frecuente, lo que puede tener diversos efectos en la calidad y la recepción de estos programas.
Aspectos positivos
Humor accesible: La estulticia puede proporcionar un humor fácil de entender y accesible para audiencias de todas las edades. Las acciones tontas y las situaciones absurdas suelen ser universales y pueden generar risas sin necesidad de un contexto complejo.
Caracterización distintiva: Los personajes necios a menudo se vuelven icónicos y memorables. La estulticia puede ayudar a definir la personalidad de un personaje, haciéndolo más reconocible y fácil de identificar para los espectadores.
Aspectos negativos
Repetitividad y falta de originalidad: El uso excesivo de la estulticia puede llevar a tramas predecibles y repetitivas. Cuando las series dependen demasiado de este recurso, pueden perder originalidad y frescura, disminuyendo el interés del público.
Desarrollo superficial de personajes: Los personajes que se basan principalmente en la estulticia pueden carecer de profundidad y desarrollo. Esto puede resultar en una falta de conexión emocional con la audiencia, que podría desear personajes más complejos y realistas.
Mensaje negativo: En algunos casos, la constante glorificación de la estulticia puede enviar mensajes erróneos, especialmente a audiencias más jóvenes. Puede promover la idea de que el comportamiento insensato es divertido o deseable sin mostrar las posibles consecuencias negativas.
Ejemplos de series actuales
“Family Guy”: Conocida por su humor absurdo y personajes que a menudo actúan de manera ilógica, ha sido criticada por depender demasiado de la estulticia para generar risas.
“Rick and Morty”: Aunque es conocida por su humor inteligente y narrativas complejas, también presenta personajes que a menudo toman decisiones insensatas, mezclando la estulticia con una crítica social más profunda.
“Teen Titans Go!”: Esta serie ha sido criticada por transformar personajes inicialmente más serios y complejos en versiones más simplistas y tontas, lo que algunos fans consideran un abuso de la estulticia.
En conclusión el abuso de la estulticia en las series de animación actuales es un arma de doble filo. Mientras que puede proporcionar un humor fácil y personajes memorables, también puede resultar en narrativas repetitivas, personajes superficiales y mensajes potencialmente problemáticos. El desafío para los creadores de contenido es encontrar un equilibrio que permita el uso del humor necio sin comprometer la calidad y la profundidad de las historias y los personajes.
Ahora bien en el Anime existe la estulticia?
La estulticia en el anime es un recurso narrativo y humorístico que se emplea con frecuencia para diversos efectos. Aunque puede añadir un elemento cómico y accesible a las series, su uso excesivo también puede tener repercusiones en la percepción y la calidad del contenido. Tanto en el contemporáneo como en el clasico
Usos de la estulticia en el anime contemporáneo
Comedia slapstick: La estulticia es una piedra angular del slapstick, un estilo de humor físico que se basa en situaciones absurdas y comportamientos necios. Animes como “Gintama” y “One Piece” utilizan este tipo de humor para crear momentos hilarantes que entretienen a la audiencia.
Caracterización exagerada: Personajes que actúan de manera insensata o torpe a menudo se vuelven icónicos. En “Naruto”, personajes como Naruto Uzumaki muestran una mezcla de estulticia y determinación, lo que los hace entrañables y memorables. Del mismo modo, personajes como Luffy en “One Piece” son conocidos por su falta de sentido común en situaciones cotidianas, aunque demuestran gran habilidad en momentos críticos.
Contraste dramático: La estulticia también se utiliza para crear contrastes dramáticos. En series como “Attack on Titan”, personajes que actúan de manera necia en situaciones serias pueden subrayar la gravedad del entorno y las consecuencias de la imprudencia.
Ejemplos de estulticia en anime contemporáneo
“One Punch Man”: Saitama, el protagonista, a menudo actúa de manera despreocupada y torpe, lo que contrasta con su abrumador poder. Esta estulticia añade un elemento cómico a la serie, destacando la discrepancia entre su personalidad y sus habilidades.
“KonoSuba: God’s Blessing on This Wonderful World!”: Este anime es conocido por su elenco de personajes que a menudo toman decisiones absurdas y carecen de sentido común, generando situaciones cómicas y entretenidas.
“My Hero Academia”: Aunque generalmente es una serie más seria, personajes como Mineta y sus comportamientos insensatos a menudo proporcionan alivio cómico.
Aspectos positivos
Humor accesible: La estulticia ofrece un humor que puede ser fácilmente comprendido por una amplia audiencia. Las situaciones absurdas y las acciones torpes son universalmente divertidas.
Personajes memorables: Los personajes que exhiben estulticia tienden a ser más memorables y distintivos. Su comportamiento puede hacerlos entrañables y fácilmente identificables para los espectadores.
Alivio cómico: En animes con tramas serias o intensas, la estulticia puede proporcionar un necesario alivio cómico, equilibrando el tono de la serie.
Aspectos negativos en el uso excesivo
Desarrollo superficial de personajes: El uso excesivo de la estulticia puede llevar a personajes unidimensionales y poco desarrollados, limitando su profundidad y complejidad.
Repetitividad: Dependiendo demasiado de la estulticia puede resultar en tramas y gags predecibles y repetitivos, reduciendo la frescura y la originalidad del anime.
Percepción negativa: En algunos casos, el énfasis en la estulticia puede llevar a la percepción de que el anime es infantil o carente de sustancia, afectando su atractivo para audiencias más maduras.
Usos de la estulticia en el anime clásico
La estulticia en el anime clásico ha sido un recurso importante para el desarrollo de personajes y la creación de situaciones cómicas. A diferencia de algunas de las tendencias más exageradas y a veces abusivas en el anime contemporáneo, la estulticia en el anime clásico a menudo se utilizaba de manera más equilibrada y sutil, contribuyendo al encanto y la nostalgia de estas series.
Comedia ligera: La estulticia en el anime clásico a menudo se empleaba para añadir un toque de comedia ligera a las historias. Series como “Doraemon” presentaban personajes que realizaban acciones torpes o ingenuas, generando situaciones cómicas sin caer en la exageración extrema.
Caracterización encantadora: Los personajes que mostraban estulticia a menudo eran retratados de manera encantadora y entrañable. Este rasgo se usaba para hacer a los personajes más humanos y relatables. En “Dragon Ball”, Goku es un ejemplo perfecto de un personaje cuya estulticia inicial contribuye a su carácter ingenuo y puro, ganándose el cariño del público.
Dinámica de grupo: La estulticia también servía para establecer dinámicas de grupo y relaciones entre personajes. En “Sailor Moon”, la protagonista Usagi Tsukino es conocida por su torpeza y despiste, lo cual contrasta con las personalidades más serias de sus compañeras, creando interacciones divertidas y entrañables.
Ejemplos de estulticia en anime clásico
“Dragon Ball”: Goku es un personaje cuyo comportamiento infantil y falta de sentido común a menudo llevan a situaciones cómicas. Su inocencia y torpeza contrastan con su increíble habilidad en las artes marciales, creando un balance que lo hace muy querido.
“Ranma ½”: La serie presenta múltiples personajes con comportamientos insensatos y decisiones absurdas, lo que genera una gran cantidad de humor. Las situaciones en las que Ranma Saotome se encuentra debido a su transformación involuntaria son un ejemplo clave de cómo se utiliza la estulticia para el entretenimiento.
“Lupin III”: Arsène Lupin III y su banda a menudo muestran una mezcla de brillantez y estulticia. Las acciones torpes y los planes fallidos forman parte del encanto y la diversión de la serie.
Aspectos positivos
Humor accesible y atemporal: La estulticia en el anime clásico ofrece un humor que sigue siendo accesible y entretenido para audiencias modernas, demostrando su atemporalidad.
Personajes entrañables: Los personajes de anime clásico que exhiben estulticia a menudo se convierten en íconos queridos, recordados por su humanidad y carisma.
Equilibrio narrativo: El uso de la estulticia en el anime clásico tiende a estar mejor equilibrado, contribuyendo a las tramas sin dominarlas, lo que resulta en historias más ricas y variadas.
Aspectos negativos
Simplicidad de tramas: En algunos casos, la estulticia puede haber llevado a tramas más simples y menos complejas, aunque esto no es necesariamente negativo dependiendo del público objetivo y el tono general de la serie.
Estereotipos: Algunos personajes pueden haber sido reducidos a estereotipos de torpeza o ingenuidad, lo que limita su desarrollo y profundidad.
La estulticia en el anime clásico ha jugado un papel crucial en el desarrollo de personajes memorables y la creación de situaciones cómicas. A través de un uso equilibrado y encantador, ha contribuido al atractivo duradero de muchas series. Aunque puede haber llevado a la simplicidad en algunas tramas, su impacto positivo en la construcción de personajes y en el humor accesible hace que la estulticia en el anime clásico siga siendo una característica entrañable y valorada por los fans de todas las edades.
Conclusión
La estulticia en el anime es un recurso efectivo que puede añadir humor y encanto a las series, pero su uso debe ser equilibrado para evitar caer en la repetitividad y la superficialidad. Los creadores de anime deben encontrar maneras creativas de incorporar la estulticia sin comprometer la profundidad y la calidad de sus historias y personajes, asegurando así que el contenido siga siendo atractivo y significativo para una amplia variedad de espectadores.
