Adolescencia de Utena es una película japonesa de animaciónromántica y fantasía de 1999. Es una continuación de la serie de anime de 1997 Revolutionary Girl Utena , creada por el colectivo artístico Be-Papas . La película está dirigida por Kunihiko Ikuhara , escrita por Yōji Enokido basándose en una historia de Ikuhara y producida por el estudio de animaciónJCStaff . Una versión doblada al inglésde la película, producida por Central Park Media , se estrenó en 2001 como Revolutionary Girl Utena: The Movie .
La trama sigue a Utena Tenjou , una estudiante de secundaria con aires de chico que se ve envuelta en una serie de duelos de espadas para ganar la mano de Anthy Himemiya , una misteriosa estudiante conocida como la “Novia Rosa”. La película destaca por su amplio uso de metáforas y simbolismos ; su enfoque en temas de género, sexualidad y la transición de la adolescencia a la edad adulta; y por su temática más madura en comparación con la serie de anime.
Contexto
Adolescence of Utena es la última de las tres entregas principales de la franquicia multimedia Revolutionary Girl Utena , después del manga de 1996 y la serie de anime de 1997. Aunque existen diferencias significativas en el desarrollo de la trama entre el manga, la serie de televisión y la película, las tres cuentan la misma historia básica, utilizando la misma trayectoria narrativa general y los mismos personajes. La serie es altamente intertextual , y Adolescence of Utena en particular se basa en gran medida en elementos de la trama y la caracterización establecidos en la serie de anime.
Trama
Utena Tenjou, una nueva estudiante de la Academia Ohtori, recorre la escuela con su compañera Wakaba Shinohara. Observa un combate de esgrima entre las estudiantes Juri Arisugawa y Miki Kaoru, y poco después se encuentra con su exnovio Touga Kiryuu. Tras la partida de Touga, descubre un anillo de sello con una rosa grabada , idéntico al que él llevaba, dentro de una rosa blanca. Utena se adentra en un jardín de rosas y conoce a Anthy Himemiya, la hermana del ausente director de la escuela, Akio Ohtori. Kyouichi Saionji, otro estudiante con un anillo de rosa, la llama la “Novia Rosa” y, al ver el anillo de Utena, la reta a un duelo de espadas. Utena sale victoriosa usando una espada que extrae del pecho de Anthy.
Esa noche, Anthy visita el dormitorio de Utena e intenta tener relaciones sexuales con ella, pero es rechazada. Cuando Utena le pregunta a Anthy sobre el duelo y los anillos, Anthy responde que los anillos identifican a sus portadores como duelistas, que está prometida a quien gane los duelos y que quien posea la Novia Rosa tiene el “poder de revolucionar el mundo”. En otro lugar, Shiori Takatsuki, amiga de la infancia de Juri, le cuenta a Touga que, de niña, su “príncipe” murió intentando salvar a una niña que se ahogaba. Reciben una llamada de Akio, quien les dice que Anthy es una bruja que convirtió al señor de las moscas en príncipe, pero que cuando su magia se desvaneció, el príncipe recuperó su verdadera forma; los duelos se organizan para intentar reactivar su magia. Juri, manipulada por Shiori para batirse en duelo con Utena, es derrotada tras presenciar cómo Utena se transforma aparentemente en el príncipe de Anthy.
El club de radiodifusión de la escuela descubre un video que sugiere que Anthy fue drogada y violada previamente por Akio. El cadáver de Akio es encontrado enterrado en el jardín de Anthy poco después, lo que conmociona a la escuela al revelarse que lleva mucho tiempo muerto. Un segundo video muestra a Anthy lúcida durante la violación, lo que provoca que un Akio aterrorizado la apuñale y caiga accidentalmente por una ventana, muriendo en el acto. Utena busca a Anthy y encuentra a Touga; de repente recuerda que Touga es el “príncipe” al que se refería Shiori, y que murió salvando a Juri de ahogarse cuando eran niños. Utena le agradece a Touga por ser su “príncipe”, y él desaparece. Utena encuentra a Anthy y le dice que deberían ir “al mundo exterior”, momento en el que Utena es engullida por un lavadero de autos y se transforma en un automóvil. Anthy entra en el automóvil y lo conduce lejos de la academia, aunque una flota de tanques y Shiori, también en forma de automóvil, intentan detenerla. Anthy recibe ayuda para escapar de Juri, Miki, Saoinji y Wakaba, quienes, inspirados por Utena y Anthy, también se han dirigido al “mundo exterior”. Una aparición de Akio intenta detener a Anthy, pero ella lo reprende con una explosión de rosas. Utena y Anthy emergen montadas en los restos del coche y se besan mientras se adentran en un páramo gris, con un cielo azul sobre las nubes.
Producción
La película Adolescence of Utena fue producida por JCStaff , en asociación con la editorial Shogakukan y la productora GANSIS. El comité de producción, Shojo Kakumei Utena Seisaku Iinkai ( literalmente , “Comité de Producción de la Revolucionaria Chica Utena”), estuvo integrado por Sega Enterprises , MOVIC y King Records . La distribución de la película estuvo a cargo de Toei Company .
Desarrollo
Adolescence of Utena fue desarrollada por Be-Papas , el colectivo artístico fundado por Ikuhara que produjo la serie de anime Utena . Ikuhara expresó su deseo de crear una película que intensificara los temas y el material del anime original, buscando “hacer en la película lo que no pude lograr en la serie de televisión”, y declaró en tono de broma que deseaba que Adolescence of Utena fuera “más traviesa que la serie de televisión”.
A diferencia de la estructura de elenco coral de la serie de anime, Adolescence of Utena se centra principalmente en los personajes Utena y Anthy, con gran parte del elenco secundario relegado a papeles secundarios y cameos. La versión de Utena en la película se representa como más masculina, apareciendo inicialmente con cabello corto y ropa de niño, mientras que Anthy es más decidida y abiertamente sexual; el subtexto romántico de la relación de Utena y Anthy se representa además de forma más explícita. Chiho Saito, miembro de Be-Papas, ha declarado que “los personajes que no fueron tratados con amabilidad en la serie de televisión recibieron atención, así que creo que [la película] fue comprensiva en ese sentido”. Saito abogó por un papel destacado para Touga en la película, cuya historia de fondo se explora con mayor detalle en relación con la serie de anime de televisión; Ikuhara ha declarado que la escena final de Touga en Adolescence of Utena es la favorita de Saito en la serie. Por el contrario, Nanami Kiryuu solo hace una aparición cameo en la película como una vaca, en una escena insertada por Ikuhara para hacer referencia a un episodio de la serie de anime y para servir como alivio cómico.
Animación
Adolescence of Utena se estrenó en película de 35 mm , y se creó utilizando una combinación de animación tradicional y digital . La secuencia de títulos de apertura se creó modificando gráficos digitales a través de la edición de composición no lineal utilizando una supercomputadora , un proceso relativamente nuevo para la animación en ese momento. La escena de apertura que muestra la arquitectura de la Academia Ohtori y la escena de baile con Utena y Anthy fueron animadas completamente digitalmente utilizando 3-D Works. Ikuhara había expresado dudas sobre el uso de la animación digital, afirmando que los gráficos por computadora en el anime “tienden a ser duros y fríos”, pero expresó satisfacción con la fusión perfecta de la escena de baile digital con el resto de la animación tradicional de la película. Cuando Adolescence of Utena se remasterizó en 2011, los elementos digitales de la escena de baile se hicieron más evidentes al renderizarse como video de alta definición , lo que llevó a Ikuhara y al colorista Hiroshi Kaneda a retransferir exhaustivamente la película.
Cada escena tenía múltiples diseños y direcciones artísticas; por ejemplo, Ikuhara ha declarado que la escena en la que Touga habla por primera vez con Utena se representó inicialmente completamente en monocromo , pero finalmente se agregaron colores para hacer la escena más interesante visualmente. Otros diseños se adaptaron de elementos utilizados previamente en la serie de televisión, como el dormitorio de Utena y la secuencia del pasillo del Seminario Mikage, esta última incluida en base a la popularidad de Mikage entre los fanáticos de la serie. Se contrató a animadores que se especializaban en anime mecha para trabajar en la secuencia final de persecución de autos, y Ikuhara señaló que varios de los animadores expresaron confusión inicial sobre por qué los estaban contratando para trabajar en una película de Utena . La película no se realizó con un guion gráfico centralizado , sino que se dividió entre cinco guionistas gráficos que supervisaron cada uno un segmento de la película. Los segmentos se denotaban con letras; Takuya Igarashi , quien trabajó como artista de guiones gráficos en la serie de anime y supervisó los guiones gráficos de la “parte A” de la película, comentó que los guiones gráficos, sin embargo, mantuvieron la cohesión gracias a la dirección de Ikuhara.
Banda sonora
Shinkichi Mitsumune y JA Seazer , quienes compusieron respectivamente la música y las canciones de la serie de anime Revolutionary Girl Utena , regresaron para componer la banda sonora de Adolescence of Utena . Mitsumune compuso la banda sonora de la película y arregló sus canciones originales, mientras que Seazer produjo la música y la letra de las dos canciones de duelo de la película, “Duelist ~ Resurrection! Never-ending History of the ‘Middle Ages'”. (デュエリスト~甦れ!無窮の歴史「中世」よ, Yomigaere! Mukyuu no Rekishi “Chuusei” yo ) y “Naked Rose ~ Carnage ~ Constellations αΨζ Galaxy” (シュラ―肉体星座αψζ星雲― , Shura ~ Nikutai Seiza Alpha Psi Zeta Seiun~ ) . También aparece en la película una versión reorganizada de “Absolute Destiny Apocalypse” (絶対運命黙示録, Zettai Unmei Mokushiroku ) , previamente escrita y compuesta por Seazer para la serie de anime.
Además de las canciones producidas por Mitsumune y Seazer, en la película también aparecen dos canciones producidas por Toshiro Yabuki e interpretadas por Masami Okui : ” At Times, Love Is… [ ja ] ” (時に愛は, Toki ni Ai wa ) y ” Rondo-Revolution ” (輪舞-revolution ) “, la última de las cuales sirvió como tema principal de la serie de anime y está reorganizada por Mitsumune para la película El tema de los créditos finales de la película es ” Quiero ser tu prometido [ ja ] ” (フィアンセになりたい) , escrito e interpretado por el actor de voz de Akio.
Liberar
Adolescence of Utena se estrenó en cines en Japón el 14 de agosto de 1999. En Norteamérica, la película se estrenó en la Anime Expo en Anaheim, California , que se celebró del 30 de junio al 3 de julio de 2000. La película se proyectó varias veces durante la convención, con Ikuhara y Saito presentes en algunas proyecciones. La película también se proyectó en el 26.º Festival Internacional de Cine Lésbico y Gay de San Francisco (con Ikuhara presente), el Future Film Festival en Bolonia , el National Film Theater en Londres y el Museo de Arte Moderno en la ciudad de Nueva York .
Medios domésticos
En Japón, Adolescence of Utena fue lanzado en DVD por King Records el 3 de marzo de 2000. La película fue lanzada en Blu-ray por King Records el 15 de noviembre de 2017, como parte de un set de caja de la serie completa para conmemorar el 20 aniversario de la serie de anime. En Norteamérica, los derechos de licencia de Adolescence of Utena fueron adquiridos por Central Park Media el 31 de enero de 2001, que produjo Revolutionary Girl Utena: The Movie , una versión doblada al inglés de la película. El elenco de voces en inglés de la versión doblada de la serie de anime para televisión retoma sus papeles para la película. La localización al inglés de la película fue supervisada por Ikuhara, quien viajó a los Estados Unidos para supervisar la traducción de la película; Takayuki Karahashi, quien tradujo la película, fue seleccionado personalmente por Ikuhara.
Revolutionary Girl Utena: The Movie se estrenó en Norteamérica en DVD y VHS el 23 de octubre de 2001. El lanzamiento en DVD incluye tanto la película original japonesa como el doblaje en inglés, mientras que el lanzamiento en VHS incluye solo el doblaje en inglés. Funimation adquirió los derechos de transmisión de la película de Central Park Media para su canal Funimation el 10 de abril de 2007, que emitió por primera vez Revolutionary Girl Utena: The Movie el 5 de mayo de 2007. Tras la disolución por bancarrota de Central Park Media en 2009, Right Stuf Inc. adquirió los derechos de licencia para Norteamérica de la película el 3 de julio de 2010. La película fue relanzada como Adolescence of Utena por Nozomi Entertainment, una división de Right Stuf, en DVD el 6 de diciembre de 2011, y en Blu-ray el 5 de diciembre de 2017. En Australia, Adolescence of Utena fue licenciada por Hanabee, que lanzó la película en DVD el 20 de noviembre de 2013. La película está incluida con el volumen final del lanzamiento de tres volúmenes de Hanabee de la Serie de televisión de anime Revolutionary Girl Utena .
Otros medios
La banda sonora original de Mitsumune y Seazer para la película se lanzó el 14 de agosto de 1999 en Japón y el 8 de junio de 2004 en Norteamérica. La versión japonesa fue publicada por King Records, mientras que la versión norteamericana fue publicada por Geneon , una división de Pioneer . La edición japonesa incluye notas de Mitsumune y Seazer, mientras que la edición norteamericana contiene notas adicionales de Ikuhara y Saito. Se incluyó una versión remasterizada de la banda sonora como parte del CD-BOX completo de Revolutionary Girl Utena , lanzado por King Records en Japón el 27 de agosto de 2008. Libro de arte An Adolescent of Utena, Revolutionary Girl Utena Adolescent Apocalypse: Newtype Illustrated Collection (劇場版少女革命ウテナアドゥレセンス黙示録) , fue publicado por Kadokawa Shoten el 14 de marzo de 2000.
Recepción
Recepción crítica
Adolescence of Utena fue recibida positivamente por la crítica. En el ranking de Anime News Network de las 100 mejores películas de anime de todos los tiempos, Adolescence of Utena ocupó el octavo lugar, y el escritor Mike Toole la calificó como “una de las películas de anime más interesantes de los 90 y una de las películas animadas más bonitas jamás hechas”. Vulture incluyó la escena de la transformación del coche en su lista de “Las 100 secuencias que dieron forma a la animación”, argumentando que ” Adolescence of Utena hace por el anime de chicas mágicas lo que Neon Genesis Evangelion hizo por el anime de mechas: arrasar con las reglas anteriores para crear un nuevo lenguaje audaz propio”.
En su reseña para Dazed , la escritora Evelyn Wang elogia la coherencia de los elementos discordantes de la película, clasificándola junto con películas de alto concepto como Elle y Face/Off que son “desastres que logran silenciosamente la perfección”. Wang ofrece elogios específicos para el simbolismo visual de la película, diciendo que “la película no es solo estéticamente agradable. También es estéticamente precisa”. Escribiendo para The Post Calvin de la Universidad Calvin , Jacqueline Ristola llama a la película una “obra maestra del anime” y “una declaración unificada sobre la liberación y la revolución personal […] la película exorciza la lógica narrativa para la pura literalización de la metáfora, y la lleva al extremo”. THEM Anime le dio a la película tres de cinco estrellas, calificándola como “posiblemente la película visualmente más hermosa que he visto”, pero criticó la escena de transformación del automóvil del clímax. Animefringe elogió los efectos visuales y la banda sonora de Adolescence of Utena , calificando la película de “pura belleza”.
La adaptación al manga de Adolescence of Utena fue igualmente bien recibida por la crítica. Rebecca Silverman, de Anime News Network, afirmó que la adaptación está “mucho mejor hecha en general” en comparación con el manga Revolutionary Girl Utena , y elogió su material temático. Otaku USA señaló que la adaptación al manga está “mucho más cerca del tono del anime”, pero “no llega al extraordinario clímax” de Utena transformándose en un coche. Manga Bookshelf elogió la “cualidad etérea” del arte del manga y señaló que, si bien el título sería mejor apreciado por lectores familiarizados con Utena , no obstante “tiene cierta importancia y efectividad como obra independiente por derecho propio”.
Premios
En 2000, Adolescence of Utena ganó el premio a “Mejor película, estreno japonés” en los Premios SPJA, otorgados anualmente por la Sociedad para la Promoción de la Animación Japonesa en la Anime Expo .
Temas y análisis
Adolescence of Utena ha sido señalada como una película temática y simbólicamente densa, a menudo en un grado altamente surrealista y abstracto , con Animerica Extra llamando a la película “una extraña colección de imágenes que podrían verse como alegóricas, evidencia de una fantástica vida interior, o simplemente símbolos de la lucha de un individuo por encontrar su lugar en la sociedad”. Ikuhara ha expresado reticencia a atribuir un significado explícito a los temas y símbolos de la película, afirmando que preferiría “que el espectador decida” lo que la película representa. Sin embargo, ha hablado en términos generales sobre la intención artística general de la película, particularmente en torno a su representación de la transición de Utena de la adolescencia a la adultez y su “partida del mundo de dependencia de la niña al mundo de un adulto”. La película ha sido comparada por los críticos con The End of Evangelion , otra película de anime que se centra de manera similar en temas de juventud, identidad y apocalipsis.
Quería transmitir la idea de lo que significa convertirse en adulto. En otras palabras, en el mundo de los adultos no existen personas de corazón puro. Entonces, ¿qué harías al darte cuenta de esto? Si te percatas de que el mundo de los adultos es un lugar turbio donde nadie con un corazón puro puede vivir, ¿lo evitarías y te quedarías como un niño, viviendo en un mundo de sueños infantiles y hermosos? ¿O entrarías al mundo adulto de todos modos, aun sabiendo que no es un mundo puro?
— Kunihiko Ikuhara , director y cocreador de la serie, pista de comentarios del director de Adolescence of Utena , 2001
Escena de transformación del coche
La escena culminante de Adolescencia de Utena , en la que Utena se transforma en un coche deportivo rosa que Anthy usa para escapar de la Academia Ohtori, ha sido objeto de considerable debate entre fans y críticos. Ikuhara ha declarado que encontró resistencia por parte del equipo de la película al implementar la escena, pero que deseaba crear un clímax que hiciera la película memorable y que fuera único en comparación con otras películas de acción y drama. Más allá de esto, Ikuhara se ha negado a ofrecer una explicación más sustancial de por qué Utena se transforma específicamente en un coche, afirmando que hacerlo “limitaría el significado de la historia y la haría menos interesante”. Sin embargo, ha descrito la escena en el contexto de la subversión de los roles de la relación entre Utena y Anthy en la película:
“Está la historia de La Bella Durmiente , donde la princesa, que ha estado dormida durante mucho tiempo, es despertada por el príncipe. Pero el personaje de Utena ha sido el príncipe desde el principio de esta historia. Así que la idea de que Utena se convierta en un coche sugiere que la están sumiendo en el sueño. Pensé que sería interesante invertir los roles que desempeñan Utena y Anthy en sus respectivas relaciones. En otras palabras, Utena es quien se convierte en la princesa. Es ella quien se ve obligada a dormir. Y solo Anthy puede liberar a Utena de este sueño. Así es como termina todo. Pensé que sería muy interesante invertir sus roles.”
Los coches aparecen como un motivo recurrente en varias obras de Revolutionary Girl Utena , sobre todo el coche deportivo de Akio en el tercer arco argumental de la serie de televisión. Ikuhara declaró que se inspiró en el auge de los superdeportivos de la década de 1970 y en cómo los coches deportivos son “algo que satisface deseos infantiles en el mundo adulto […] mi idea de un coche es algo que está muy cerca de un juguete para adultos”. Susan J. Napier ha argumentado que el Utena-Car destruyendo a Akio es representativo de la crítica más amplia de la serie a los cuentos de hadas y las trampas ilusorias del manga shōjo , ya que Utena “se convierte literalmente en un vehículo para el cambio” que rechaza las ilusiones oníricas de la Academia Ohtori y lleva a Anthy y a sus compañeras de clase a un mundo iluminado. Vulture describió la escena como “una imagen de liberación para un grupo minoritario que todavía está sujeto a ideales conservadores”, diciendo que también era “resonante en el ámbito de la imaginería transgénero, donde la definición de uno mismo puede permitirte ser quien o lo que quieras”.
Género y sexualidad
Si bien cualquier dimensión romántica o sexual en la relación entre Utena y Anthy se relega al subtexto tanto en el manga como en el anime, Adolescence of Utena muestra su relación de forma mucho más explícita: se besan varias veces y Anthy le hace proposiciones sexuales a Utena al principio de la película. Según Ikuhara, el equipo de la película estaba dividido sobre si representar abiertamente o simplemente insinuar un beso entre Utena y Anthy, pero que el beso se incluyó por decisión suya. Posteriormente, la película se ha vuelto popular entre los fans del yuri (manga y anime lésbico) y a menudo se clasifica como cine LGBT .
En su artículo para Intersections: Gender, History and Culture in the Asian Context , Sabdha Charlton sostiene que la categorización de Adolescence of Utena como una película lésbica «refleja un deseo específicamente occidental de interpolar el texto en nociones preexistentes de lesbianismo y deseo entre personas del mismo sexo». Argumenta que la película, en cambio, busca «un rechazo de los discursos dominantes de género y sexualidad […] Utena invierte en la noción romántica de la revolución como capaz de cambiar fundamentalmente el mundo borrando las categorías de género y sexualidad, incluso mientras invierte en estas mismas categorías». Napier adopta una posición similar, argumentando que la escena final de la película representa «la necesidad de integración de dos lados del yo», siendo la unión de la masculina Utena y la femenina Anthy «un reconocimiento de la necesidad de una psique integrada, independientemente del género o la orientación sexual».
Ohtori como prisión
El concepto de la Academia Ohtori como una prisión metafórica o jaula dorada , establecido en el manga y el anime televisivo, se amplifica en Adolescence of Utena . La versión cinematográfica de la Academia Ohtori tiene una apariencia surrealista y está inspirada en una combinación de arquitectura constructivista , deconstructivista y Art Nouveau . El artista de storyboard Takuya Igarashi describe la apariencia de la versión cinematográfica de Ohtori como “aún menos arraigada en la realidad” en comparación con la serie de anime, señalando que “nunca se puede ver nada del mundo exterior. Esto deja la fuerte impresión de que es una jaula para pájaros o una cárcel.
Escribiendo para el British Film Institute , Philip Brophy describe Ohtori en la película como “no solo una esfera social hermética, sino una muñeca rusa de reinos interiores y disfrazados de conflicto sexual y multiplicidad de género; su diseño arquitectónico es una visualización alucinante de la manía dimensional de la escuela”. Charlton señala que Ohtori se representa como “angular, distorsionado y a menudo mostrado en planos generales que enfatizan el espacio y la distancia”. El plano de establecimiento de la película de Utena, en el que aparece con un fondo de pizarras que se mueven de forma antinatural, fue insertado por Ikuhara para “establecer el tono adecuado y transmitir al público que este es un mundo extraño”.
Estado canónico
Adolescence of Utena ha sido interpretada alternativamente como una adaptación independiente de Revolutionary Girl Utena que existe en su propia continuidad, y como una secuela que es contigua a los eventos de la serie de anime. Charlton concibe la película como una narrativa de universo alternativo , reconociendo que la película es “difícil de entender sin conocimiento previo de las tramas y caracterizaciones de la serie. Esto significa que las comparaciones entre las dos son inevitables”. Por el contrario, el crítico Vrai Kaiser argumenta que la naturaleza contigua de estos elementos de la trama y los personajes, en particular la personalidad asertiva que Anthy ha desarrollado al final de la serie de anime, es evidencia del estatus de secuela de la película, señalando que la película “comienza casi en el punto exacto donde termina la serie, lo que anima a un espectador perspicaz a relacionar las dos […] Las reacciones de Anthy a lo largo de la película tienen mucho más sentido si se ven desde la perspectiva de que es la misma Anthy de la serie de televisión”.
Kanji 少女革命ウテナ アドゥレセンス黙示録 Significado literal La revolucionaria Utena: Apocalipsis adolescente Dirigido por Kunihiko Ikuhara Escrito por Yoji Enokido Producido por Yuji Matsukura / Atsushi Moriyama Protagonizada por Tomoko Kawakami / Yuriko Fuchizaki / Takehito Koyasu / Takeshi Kusao / Aya Hisakawa / Kumiko Nishihara / Mitsuhiro Oikawa Cinematografía Toyomitsu Nakajo Editado por Shigeru Nishiyama Música de Shinkichi Mitsumune / JA Seazer Compañía productora Personal de JCS Distribuido por Compañía Toei Fecha de lanzamiento 14 de agosto de 1999 Tiempo de ejecución 87 minutos País Japón Idioma japonés
Lupin III: Adiós a Nostradamus ( japonés :ルパン三世 くたばれ!ノストラダムス, Hepburn : Rupan Sansei Kutabare! Nosutoradamusu ; iluminado. “Lupin III: Die! Nostradamus”) es una película japonesa animada de ciencia ficción, acción y aventurasde 1995. Es el quinto largometraje de animación basado en la serie de mangaLupin III de 1967-69 de Monkey Punch y la primera vez que Kanichi Kurita proporciona la voz de Lupin, tras la muerte de Yasuo Yamada ; Aparece un homenaje a él después de los créditos en el lanzamiento japonés original.
En la película, Lupin III y su banda ponen sus ojos en el libro de Nostradamus, lo que a su vez atrae el interés de un candidato a la presidencia de Estados Unidos, así como de un culto que venera a su autor.
Funimation Entertainment lanzó la película en DVD en Norteamérica ; se publicó individualmente y posteriormente se incluyó en la caja recopilatoria “Final Haul”. Por razones desconocidas, Funimation eliminó el homenaje a Yasuo Yamada de su lanzamiento. Discotek Media la lanzó en Blu-ray .
Sinopsis
Ambientada en enero de 1999, un simple robo de diamantes lleva a Lupin a las intrigas de una extraña secta apocalíptica basada en las profecías de Nostradamus. El plan de la secta consiste en secuestrar a Julia, la hija de Douglas, un acaudalado estadounidense que aspira a la presidencia en el año 2000. En juego está el libro perdido de Nostradamus, que Douglas guarda en una bóveda de alta tecnología en lo alto de su rascacielos. ¿Podrá Lupin rescatar a Julia, encontrar la manera de entrar en la bóveda y descubrir la conexión entre la secta y el secuestro? ¿Y qué pasará con su diamante?
Dirigido por Shunya Ito [ a ] / Takeshi Shirato Guion de Hiroshi Kashiwabara / Shunya Ito Residencia en Lupin III de Monkey Punch Producido por Tadahito Matsumoto / Kyo Ito / Toshio Nakatani / Kazuaki Ito Protagonizada por Kanichi Kurita / Kiyoshi Kobayashi / Makio Inoue / Goro Naya / Eiko Masuyama Cinematografía Hajime Hasegawa Editado por Takeshi Seyama Música de Yuji Ohno
Empresas productoras Película de Tokio Shinsha Película de animación de telecomunicaciones Distribuido porToho Fecha de lanzamiento 22 de abril de 1995 Tiempo de ejecución 98 minutos País Japón Idioma japonés
Escaflowne ( en japonés :エスカフローネ, Hepburn : Esukafurōne ) es unapelícula japonesa de aventuras y fantasía oscura animada de 2000 producida por Sunrise y animada por el estudio Bones . Dirigida por Kazuki Akane , la película es una nueva versión de la serie de anime de 26 episodios The Vision of Escaflowne . La película fue licenciada parasu lanzamiento en la Región 1 por Bandai Entertainment , que le dio un estreno en cines en enero de 2002.
También se ha publicado en Japón una banda sonora y dos CD de audio drama relacionados con la serie por Victor Entertainment . Asimismo , Ryota Yamaguchi escribió una novelización que fue publicada en 2000 por Kadaokawa Sneaker Bunko .
Trama
Hitomi Kanzaki está en crisis. Su vida ha perdido sentido y la atormentan sueños extraños. Está deprimida y lo único que desea es desaparecer. Tras una ruptura con su única amiga, es misteriosamente invocada a otro mundo, Gaea, donde se encuentra dentro de Escaflowne, un arma apocalíptica destinada a cobrar vida con la aparición de una “diosa alada” profetizada. El mundo de Gaea se enfrenta a su propia crisis: la implacable conquista del Clan del Dragón Negro, cuyos rebeldes se convencen de que Hitomi es la diosa profetizada que revivirá a Escaflowne. Nunca segura de su identidad en Gaea, Hitomi encuentra su destino al acercarse al líder rebelde, Lord Van, y ayudar a provocar la caída de su vengativo hermano, Lord Folken, el amo del Clan del Dragón Negro.
Producción
Escaflowne difiere enormemente de la serie original The Vision of Escaflowne . Con rediseños de personajes a cargo de Nobuteru Yūki , la película se centra en la relación entre Van y Hitomi y sus problemas personales. Los personajes también presentan personalidades diferentes: Hitomi pasa de ser una chica alegre y enamorada a una estudiante deprimida y suicida que sufre de sentimientos de soledad y alienación autoinducidos. Van también se muestra más solitario y emocionalmente reservado, además de ser mucho más agresivo y dispuesto a eliminar a cualquier enemigo que perciba, en comparación con su contraparte más pacifista de la serie. Si bien la serie The Vision of Escaflowne fue producida por Sunrise, la animación de la película estuvo a cargo principalmente del estudio Bones, una compañía fundada por varios exempleados de Sunrise. Fue la primera producción cinematográfica de Bones. El cofundador del estudio, Hiroshi Ōsaka, y el diseñador de personajes, Nobuteru Yūki, compartieron las funciones de director de animación, con Ōsaka al frente de la producción en Bones. Algunas de las secuencias de acción de la película fueron asignadas a los animadores del estudio como muestras de talento, destacando la de Yutaka Nakamura (quien animó casi un minuto y medio de la pelea de espadas inicial sin ayuda). La banda sonora, al igual que en la serie Vision of Escaflowne , fue compuesta principalmente por Yoko Kanno en colaboración con Hajime Mizoguchi .
Si bien la trama de la película comparte algunos elementos con la serie de televisión original, los personajes difieren en diversos grados de sus contrapartes televisivas, muchos de ellos completamente rediseñados y con poca semejanza a los originales. El mundo de Gaea tiene un diseño más asiático que la serie de televisión, fuertemente influenciada por la estética europea.
Liberar
Escaflowne se estrenó en Japón el 24 de junio de 2000; mientras que su primera presentación europea tuvo lugar el 19 de enero de 2001, durante el Future Film Festival de Bolonia. El estreno en cines de Norteamérica fue el 25 de enero de 2002, en ciudades selectas como Los Ángeles, Nueva York, San Francisco, Dallas, Chicago y Vancouver. El estreno televisivo en Norteamérica fue el 10 de septiembre de 2005, en el bloque de programación Adult Swim , tras su emisión en [adult swim] bajo demanda.
Medios domésticos
Bandai Visual lanzó la película en DVD en una edición limitada de dos discos el 25 de abril de 2001. Empaquetado en una caja de arte de edición limitada, el lanzamiento incluyó un folleto de 36 páginas sobre la historia de la película, así como entrevistas en el disco con el personal y el elenco y los tráileres de cine y comerciales de televisión. La película fue lanzada en disco Blu-ray el 28 de enero de 2008. Anteriormente con licencia de Bandai Entertainment , Escaflowne fue lanzado por primera vez en DVD de Región 1el 23 de julio de 2002, en ediciones “Estándar” y “Ultimate”. La Edición Ultimate incluyó empaque premium, la banda sonora en CD, un video musical exclusivo de Maaya Sakamoto , entrevistas de los eventos de estreno en cines y entrevistas con el personal y el elenco. El 13 de septiembre de 2005, la película fue relanzada como parte de la línea “Anime Legends” de Bandai, incluyendo muchos de los extras de la Ultimate Edition, incluyendo la banda sonora en CD y entrevistas. La película tuvo otro relanzamiento el 6 de febrero de 2007, bajo el sello “Anime Movie Classics” de Bandai. A diferencia del lanzamiento de “Anime Legends”, esta versión usa la misma carátula y CD que el lanzamiento estándar original en DVD. Bandai Entertainment también incluyó el lanzamiento de Ultimate Edition de la película en su set de DVD “Perfect Collection” de 2004 de la serie de anime original Vision of Escaflowne . Bandai lanzó una versión Blu-ray de la película el 20 de octubre de 2009. En Otakon 2013, Funimation Entertainment había anunciado que habían rescatado tanto The Vision of Escaflowne como la película. Tanto la película como La visión de Escaflowne fueron reestrenadas en 2016 con un nuevo doblaje al inglés.
Banda sonora
La banda sonora de Escaflowne se lanzó el 5 de julio de 2000 y contiene veintiséis pistas, incluyendo los temas de apertura y cierre completos de la película. Yoko Kanno y Hajime Mizoguchi compusieron y produjeron los temas musicales y la música de fondo de la película. Entre los intérpretes vocales se encuentran Maaya Sakamoto , Shanti Snyder , Midori , Children of Adom (voces) y el Coro de Varsovia.
En Norteamérica, la banda sonora se lanzó con la edición definitiva en DVD de la Región 1 el 23 de julio de 2002, y con la reedición de “Anime Legends” el 13 de septiembre de 2005. Sin embargo, el CD no se ha lanzado individualmente.
CDs de dramas
Victor Entertainment lanzó dos CD de drama: Escaflowne Prologue 1: Earth y Escaflowne Prologue 2: Gaea, ambos lanzados el 21 de octubre de 2000 y originalmente transmitidos como parte del programa de radio Bunka Hoso. Ambos CD de drama están agotados en Japón.
Dirigido por Kazuki Akane Escrito por Ryota Yamaguchi / Kazuki Akane Producido por Masahiko Minami / Minoru Takanashi / Masuo Ueda / Toyoyuki Yokohama Protagonizada por Maaya Sakamoto / Tomokazu Seki / Jōji Nakata / Mayumi Iizuka / Minami Takayama / Kōji Tsujitani / Shin-ichiro Miki / Ikue Ootani / Kappei Yamaguchi Cinematografía Kazunori Okeda Música de Yoko Kanno / Hajime Mizoguchi / Inon Zur
Empresas productoras Bones (animación) / Sunrise (producción) Distribuido por Proyecto Omega [ ja ] Fecha de lanzamiento 24 de junio de 2000 Tiempo de ejecución 98 minutos País Japón Idioma japonés Taquillas $94.060 (estreno limitado en cines de EE. UU.)
RoboCop: The Series – (en español: RoboCop, La Serie) es una serie de televisión canadiense, que duraba en media 42 minutos lanzada en el año 1994. Fue creado por Michael Miner y Edward Neumeier.
El guion de la serie fue basado en las ideas de la película RoboCop, que también tuvo conexión entre el lanzamiento de RoboCop 2. Pero para transformar una de las mayores franquicias de la época en una serie, Fox y CTV (emisoras productoras de la serie) tuvieron algunos problemas en derechos de autor, con la M.G.M, así tuvieron que cambiar nombres de algunos personajes.
TRAMA
Cuenta la historia que ocurre en Delta City (una ciudad ficticia). Donde un científico, nombrado de Cray Malladro, decide junto con una comunidad científica, crear un Neurocerebro. Al crear el instrumento decide inventar una especie de cyborg. Así nació RoboCop.
RoboCop: The Series
Serie de televisión Género Serie de acción Creado por Michael Miner / Edward Neumeier Protagonistas Richard Eden / Blu Mankuma / David Gardner País de origen Canadá / Estados Unidos Idioma(s) original Inglés N.º de temporadas 1 N.º de episodios 21 + episodio piloto Productor(es) Jay Firestone / J. Miles Dale Duración 44 minutos Lanzamiento Medio de difusión / CTV Television Network / Redifusión / FOX Primera emisión 14 de marzo de 1994 Última emisión 21 de noviembre de 1994
Twin Spica ( en japonés :ふたつのスピカ, Hepburn : Futatsu no Supika ) es unaserie de manga japonesa escrita e ilustrada por Kou Yaginuma . Esta serie de ciencia ficción realista y costumbristanarra la historia de un grupo de estudiantes de secundaria japoneses que se entrenan para convertirse en astronautas a principios del siglo XXI, después de que el primer lanzamiento espacial tripulado del país termine en un desastre con numerosas víctimas civiles. Se serializó en la revista de manga seinen Comic Flapper desde septiembre de 2001 hasta agosto de 2009 y posteriormente fue publicada en 16volúmenes tankōbon por Media Factory desde enero de 2002 hasta octubre de 2009.
La serie toma su nombre de Spica , un sistema estelar binario y la estrella más brillante de la constelación de Virgo . En el manga, Yaginuma incluye numerosas referencias a eventos históricos relacionados con el desarrollo de los vuelos espaciales tripulados, así como a obras literarias como la novela de Kenji Miyazawa , Noche en el Ferrocarril Galáctico . La editorial estadounidense Vertical anunció la adquisición de la licencia del manga para su traducción al inglés en el Festival de Anime de Nueva York en septiembre de 2009, y el primer volumen traducido se publicó en mayo de 2010. El director de marketing de Vertical, Ed Chavez, describió la serie como “técnicamente sólida” y “conmovedora” durante su evaluación inicial.
El manga fue adaptado a una serie de anime por el estudio de animación Group TAC . Se estrenó el 1 de noviembre de 2003 en el canal satelital japonés NHK BS2 . Se emitieron veinte episodios hasta el 27 de marzo de 2004, fecha en que la serie concluyó prematuramente antes de que se completara el manga. La cadena de televisión satelital Animax emitió el anime en varios idiomas regionales, incluyendo inglés. NHK, en colaboración con la Agencia Japonesa de Exploración Aeroespacial , produjo una adaptación con actores reales que se emitió entre el 18 de junio y el 30 de julio de 2009.
Historia
El autor y creador Kou Yaginuma comenzó a escribir la historia de fondo de Twin Spica en 2000 con su obra debut “2015: Fuegos artificiales” ( 2015年の打ち上げ花火, “2015 Nen no Uchiage Hanabi” ) . En ella y en escritos posteriores, Yaginuma construyó una historia futura del desarrollo del programa de vuelos espaciales de Japón. Presenta a los lectores un futuro posterior al lanzamiento de la primera misión espacial tripulada de Japón, el León (獅子号, Shishigō ) , en 2010. La misión termina en desastre cuando el combustible líquido del cohete propulsor se incendia 72 segundos después del despegue. Los controladores de la misión no pueden activar la secuencia de aborto de la nave, y el cohete se estrella en la ciudad de Yuigahama , causando numerosas víctimas entre los residentes.
La explosión del Lion se convierte en uno de los mayores accidentes en la historia de los vuelos espaciales y retrasa el programa espacial japonés más de una década. En los años posteriores al accidente, la opinión pública acusa a los involucrados en el programa Lion de negligencia . También comienzan a circular rumores sobre la subcontratación en el extranjero de la producción del cohete, a pesar de las afirmaciones del gobierno de que fue desarrollado en el país. Para promover la recuperación de la tragedia, el Ministerio de Educación, Cultura, Deportes, Ciencia y Tecnología establece la Escuela Espacial Nacional de Tokio en 2014 como una escuela secundaria vocacional dedicada a capacitar a una nueva generación de estudiantes en ciencias espaciales . El programa espacial japonés finalmente se reactiva diez años después con la admisión de estudiantes al programa de entrenamiento de astronautas de la academia. Ese mismo año, el último módulo operativo de la Estación Espacial Internacional es retirado y destruido por reentrada atmosférica tras la finalización de la misión de larga duración de la estación. Los proyectos de desarrollo subsiguientes deben ser completados por cada país con programas espaciales activos. De los estudiantes de la primera promoción del programa de entrenamiento de astronautas, uno es seleccionado para unirse a la segunda misión tripulada de Japón en 2027. Es la misión final para completar un satélite de energía solar espacial .
La obra de Yaginuma, antes de su serialización, presenta a los lectores a Asumi Kamogawa y a su mentor, el fantasma de un astronauta León al que ella llama Sr. León . Su amistad se desarrolla en varios relatos cortos en los que, a lo largo de su infancia, él alimenta el interés de Asumi por el espacio. A medida que su interés y sus sueños crecen, Asumi suele ser objeto de burlas por parte de sus compañeros, especialmente porque se sumerge en libros sobre el espacio y rara vez participa en las actividades de clase. Cuando decide solicitar el ingreso a la Academia Espacial de Tokio, sus profesores la instan a reconsiderarlo porque es de estatura inferior a la media. Su amistad con el Sr. León continúa creciendo después de que Asumi ingresa con éxito en la academia, y a menudo lo consulta durante períodos de inseguridad.
Shinnosuke Fuchuya, compañero de clase de Asumi en la escuela primaria y secundaria, también ingresa a la academia para su sorpresa. Él la defendió de las burlas de otros compañeros durante su infancia, a pesar de que ocasionalmente también la molestaba, y se ha sugerido que la ve como un interés romántico . Los dos finalmente se hacen amigos de otros tres estudiantes en el programa de entrenamiento de astronautas. Shu Suzuki , quien es nombrado representante estudiantil para el programa de astronautas, tiene una personalidad relajada. Usa un rostro distintivo al afeitarse las cejas como símbolo de desafío contra su padre. Kei Oumi se hace amiga de Asumi durante el examen de ingreso a la academia y es retratada con una personalidad extrovertida y un profundo sentido de lealtad hacia sus amigos. Marika Ukita inicialmente responde fríamente a los gestos de amistad, pero se muda al dormitorio de Asumi después de una discusión con su padre. Los cinco estudiantes luego prometen completar juntos el programa de astronautas a medida que su amistad se fortalece. Después de tres años en el programa de astronautas, Asumi es elegida entre los once estudiantes restantes para participar en la segunda misión espacial tripulada de Japón, convirtiéndose, a la edad de dieciocho años, en la persona más joven en ir al espacio .
Durante su estancia en la academia, los aspirantes a astronautas deben superar numerosas pruebas físicas y mentales. Los lectores descubren, a partir de una historia previa a la serialización, que la madre de Asumi muere tras el desastre del Lion, pero esto no lo saben los amigos de Asumi hasta que Kei descubre el obituario en un artículo de periódico. Se revela que Marika es la copia genética de una Marika Ukita fallecida, a pesar de la prohibición vigente de la clonación humana . Fuchuya sufre de daltonismo rojo-verde después de que sus ojos se expusieran a la explosión de un fuego artificial a corta distancia en un accidente infantil. Sin que el grupo lo sepa, Shu sufre de hemoptisis hereditaria(expectoración de sangre) y muere a causa de esta afección poco después de ser seleccionado como estudiante de intercambio para el programa espacial estadounidense. Esta tragedia revela los sentimientos de Kei por él, que ella mantiene ocultos durante gran parte de la serie.
Artículo principal: Lista de personajes de Twin Spica
Asumi Kamogawa y Mr. Lion en la precuela “2015:Fireworks”
La obra de Yaginuma, antes de su serialización, presenta a los lectores a Asumi Kamogawa y a su mentor, el fantasma de un astronauta León al que ella llama Sr. León . Su amistad se desarrolla en varios relatos cortos en los que, a lo largo de su infancia, él alimenta el interés de Asumi por el espacio. A medida que su interés y sus sueños crecen, Asumi suele ser objeto de burlas por parte de sus compañeros, especialmente porque se sumerge en libros sobre el espacio y rara vez participa en las actividades de clase. Cuando decide solicitar el ingreso a la Academia Espacial de Tokio, sus profesores la instan a reconsiderarlo porque es de estatura inferior a la media. Su amistad con el Sr. León continúa creciendo después de que Asumi ingresa con éxito en la academia, y a menudo lo consulta durante períodos de inseguridad.
Shinnosuke Fuchuya, compañero de clase de Asumi en la escuela primaria y secundaria, también ingresa a la academia para su sorpresa. Él la defendió de las burlas de otros compañeros durante su infancia, a pesar de que ocasionalmente también la molestaba, y se ha sugerido que la ve como un interés romántico . Los dos finalmente se hacen amigos de otros tres estudiantes en el programa de entrenamiento de astronautas. Shu Suzuki , quien es nombrado representante estudiantil para el programa de astronautas, tiene una personalidad relajada. Usa un rostro distintivo al afeitarse las cejas como símbolo de desafío contra su padre. Kei Oumi se hace amiga de Asumi durante el examen de ingreso a la academia y es retratada con una personalidad extrovertida y un profundo sentido de lealtad hacia sus amigos. Marika Ukita inicialmente responde fríamente a los gestos de amistad, pero se muda al dormitorio de Asumi después de una discusión con su padre. Los cinco estudiantes luego prometen completar juntos el programa de astronautas a medida que su amistad se fortalece. Después de tres años en el programa de astronautas, Asumi es elegida entre los once estudiantes restantes para participar en la segunda misión espacial tripulada de Japón, convirtiéndose, a la edad de dieciocho años, en la persona más joven en ir al espacio .
Durante su estancia en la academia, los aspirantes a astronautas deben superar numerosas pruebas físicas y mentales. Los lectores descubren, a partir de una historia previa a la serialización, que la madre de Asumi muere tras el desastre del Lion, pero esto no lo saben los amigos de Asumi hasta que Kei descubre el obituario en un artículo de periódico. Se revela que Marika es la copia genética de una Marika Ukita fallecida, a pesar de la prohibición vigente de la clonación humana . Fuchuya sufre de daltonismo rojo-verde después de que sus ojos se expusieran a la explosión de un fuego artificial a corta distancia en un accidente infantil. Sin que el grupo lo sepa, Shu sufre de hemoptisis hereditaria(expectoración de sangre) y muere a causa de esta afección poco después de ser seleccionado como estudiante de intercambio para el programa espacial estadounidense. Esta tragedia revela los sentimientos de Kei por él, que ella mantiene ocultos durante gran parte de la serie.
Producción
Escribiendo
La constelación de Virgo tal como aparece en el manga.
La serie recibe su nombre de Spica , un sistema estelar binario en la constelación de Virgo y una de las estrellas más brillantes del cielo nocturno. Aparece como una sola estrella debido a la distancia relativamente baja entre los centros de las dos estrellas componentes, estimada en un promedio de 11 millones de millas (17,7 millones de km). Las observaciones astronómicas también sugieren que podría haber estrellas adicionales en el sistema Spica. En la historia, Asumi menciona que la distancia de Spica a la Tierra es de 350 años luz . Esta cifra también es citada por la Agencia Japonesa de Exploración Aeroespacial ; sin embargo, otras fuentes indican una distancia de aproximadamente 260 años luz.
La inspiración inicial de Kou Yaginuma para la historia provino de una declaración que leyó en una ocasión, la cual describía la armónica Hohner Little Lady como uno de los primeros instrumentos musicales llevados al espacio. Sin embargo, como aspirante a dibujante de manga , Yaginuma no contaba con los recursos para investigar ni con conocimientos sobre vuelos espaciales. También dudó en escribir la serie porque sus propias experiencias de vida no reflejaban los sueños de sus personajes. A pesar de estos desafíos, Yaginuma encontró consuelo en la determinación de sus personajes, especialmente en la de Asumi Kamogawa.
Aunque Twin Spica comenzó a publicarse por entregas en el número de octubre de 2001 de la revista Comic Flapper de Media Factory , su protagonista, Asumi, ya había aparecido en la obra debut de Yaginuma, “2015: Fuegos artificiales”. Este relato corto, publicado en el número de julio de 2000 de Comic Flapper , también presentó a los lectores al padre de Asumi, a su maestra de primaria, Yuko Suzunari, y al fantasma astronauta, el Sr. León. Cuatro historias cortas adicionales anteriores a la serie también presentan a Asumi como personaje central: “Asumi” (アスミ) , “Campanella’s Forest” (カムパネルラの森, “Kamupanerura no Mori” ) , “Our Stars, Leaf Stars” (ふたりの星 はっぱ星, “Futari no Hoshi, Happa Hoshi” ) , y “El cerezo de Asumi” (アスミの桜, “Asumi no Sakura” ) . Estas historias de la vida finalmente sirvieron como precuelas de Twin Spica .
Twin Spica y sus historias precuela hacen varias referencias a figuras y eventos históricos en la exploración espacial. A lo largo del manga y el anime, el Sr. León lleva consigo una armónica, uno de los primeros instrumentos musicales que se tocaron en el espacio. Un conjunto de armónica y campanas fue llevado a bordo del vuelo espacial Gemini 6A en diciembre de 1965 por los astronautas estadounidenses Wally Schirra y Thomas Patten Stafford . Durante la misión, los dos hombres usaron estos instrumentos para tocar ” Jingle Bells “. Asumi es apodado “Seagull” por Shu Suzuki en el anime. El mismo nombre fue usado como el indicativo de llamada de la cosmonauta soviética Valentina Tereshkova , la primera mujer en el espacio, durante su misión de 1963 a bordo del Vostok 6 . Antes de la muerte de Shu en la adaptación de acción real, revela a sus amigos que la nave espacial New Horizons , destinada a Plutón, transporta las cenizas incineradas del descubridor del planeta enano, Clyde Tombaugh . Más tarde, Asumi lleva las cenizas de Shu durante su primer viaje al espacio.
También hay varias referencias a obras literarias y musicales del mundo real. Los títulos de dos cuentos cortos en el manga, “Campanella’s Forest” y “Giovanni’s Ticket” (ジヨバンニの切符, “Jiyobanni no Kippu” ) , hacen referencia a los dos personajes principales de la novela de Kenji Miyazawa , Night on the Galactic Railroad . Aparece en el penúltimo episodio del anime y también es un libro favorito de la Marika Ukita original. Tanto en el manga como en la adaptación de acción real, Kei le pide a Shu que toque la pieza de piano ” Der Flohwalzer “, conocida en Japón como “Neko Funjatta” (猫踏んじゃった; lit. ‘ Pisé al gato ‘ ) , si se convierte en el primero de su grupo en ir al espacio.
Medios de comunicación
Manga
Portada de la revista Comic Flapper de septiembre de 2009, que contiene el capítulo final de Twin Spica . Nótese que el Sr. León aparece en esta portada, mientras que en la adaptación al anime desaparece en un punto anterior de la historia.
Twin Spica comenzó a serializarse en el número de octubre de 2001 de la revista de manga seinen (dirigida a hombres jóvenes adultos) Comic Flapper . Continuó hasta la publicación del capítulo 89 el 5 de agosto de 2009. La serie también se publicó en formato tankōbon en 16 volúmenes, con el volumen final publicado el 23 de octubre de 2009. Los relatos cortos precuela de Yaginuma publicados antes de la serialización están intercalados a lo largo de estas compilaciones. Dos se incluyeron en el primer volumen; dos se incluyeron en el segundo volumen; y uno se incluyó en el tercer volumen. Yaginuma también escribió tres relatos precuela adicionales durante la serialización y se publicaron en los volúmenes cuarto, sexto y noveno, respectivamente. El 23 de marzo de 2006, Media Factory publicó el libro de ilustraciones Twin Spica de 80 páginas (ふたつのスピカイラストブック, Futatsu no Supika Irasutobukku ; ISBN978-4-8401-1380-9) con ilustraciones a color del manga. También incluía un calendario de 24 meses y una entrevista con Kou Yaginuma.
La serie está licenciada por Tong Li Publishing para su publicación en idioma chino en Taiwán bajo el título Dream of Spica ( chino :麥穗星之夢; pinyin : Màisuìxīng zhī mèng ). Fue traducida por Li Lin-hui (chino:李臨麾; pinyin: Lǐ Línhuī ), y el primer volumen se publicó en mayo de 2005. Tras una negociación contractual de tres semanas, la editorial estadounidense Vertical anunció en el Festival de Anime de Nueva York de 2009 que había adquirido la licencia para publicar la serie en inglés. El director de marketing Ed Chavez explicó que la motivación para adquirir Twin Spica surgió del deseo de la empresa de licenciar obras de editoriales japonesas que aún no han establecido asociaciones comprometidas con las principales editoriales estadounidenses. Propuso continuar una asociación previa con Media Factory , de la cual Vertical obtuvo la licencia de la adaptación al manga de The Guin Saga. de Vertical, Random House, anunció una fecha de lanzamiento para el 4 de mayo de 2010 para el primer volumen traducido, contrariamente al anuncio inicial de que se lanzaría en agosto de 2010. Chávez confirmó más tarde a través de Twitter que Vertical condensaría sus lanzamientos norteamericanos en 12 volúmenes.
Anime
Artículo principal: Lista de episodios del anime Twin Spica
El estudio de animación japonés Group TAC produjo la adaptación al anime de Twin Spica , que fue transmitida por NHK . La serie de 20 episodios se estrenó el 1 de noviembre de 2003 y se emitió hasta su conclusión el 27 de marzo de 2004. Tomomi Mochizuki dirigió la serie de anime y Rika Nakase escribió su guion. Masako Goto diseñó los personajes para la animación. Cuando la serie llegó a su conclusión, solo se habían publicado 30 capítulos del manga. El capítulo 25, que concluye la historia de Asumi y sus compañeros de clase sometiéndose a una prueba de sus habilidades de supervivencia , fue el último capítulo que se adaptó para el anime. En consecuencia, la serie concluye prematuramente con el compañero fantasma de Asumi, Lion-san, partiendo cuando ya no tiene nada que enseñarle a ella y a sus amigos. El manga, sin embargo, continúa con Lion-san apareciendo en capítulos posteriores hasta su eventual partida en el capítulo 88. La serie de anime también se emitió en otras partes de Asia en Animax . Fue lanzada en formatos VHS y DVD por King Records en cinco volúmenes de compilación cada uno. Una colección especial de DVD que contiene los cinco episodios de flashback (episodios 1, 5, 9, 12 y 16) fue lanzada el 26 de mayo de 2004, y un set de caja de DVD de cinco discos fue lanzado el 22 de julio de 2004. Una novelización en dos partes del anime y un libro guía oficial para la adaptación fueron publicados en abril de 2004. El doblaje en inglés del anime Twin Spica se estrenó en Animax Asia el 24 de enero de 2005.
Drama
Artículo principal: Lista de episodios del drama Twin Spica
NHK anunció una adaptación televisiva de siete episodios de acción real el 30 de marzo de 2009, producida en cooperación con la Agencia Japonesa de Exploración Aeroespacial , la agencia aeroespacial nacional del país. La actriz de dieciséis años Nanami Sakuraba fue elegida para el papel de Asumi Kamogawa, y el rodaje de la serie comenzó el 2 de abril. El drama estaba programado para emitirse el 11 de junio, pero finalmente se pospuso una semana hasta el 18 de junio. Su emisión coincidió con la celebración del Año Internacional de la Astronomía . El guion de la serie fue escrito por Shūko Arai y Daigo Matsui . Mientras escribía el guion, Arai se sintió alentado por los personajes que deben superar diversas luchas para lograr sus sueños. También especificó las esperanzas y los sueños como temas centrales de la historia. Entre los cambios realizados en esta adaptación está la eliminación de Lion-san como personaje central. Yaginuma no impuso restricciones a Arai y Matsui, ya que creía que ellos conocían mejor a la audiencia televisiva. «Sin embargo», dijo, «creo que la pequeña Asumi que conozco y la Asumi interpretada por la Sra. Nanami están mirando al mismo cielo». Geneon Universal Entertainment lanzó una caja recopilatoria en DVD de tres discos de la adaptación el 23 de diciembre de 2009.
Música
La canción “Venus Say” del grupo musical pop femenino Buzy (banda) se usó como tema de apertura del anime, y se lanzó como un maxi single con otras dos canciones el 3 de marzo de 2004. El single permaneció en las listas de música de Oricon durante siete semanas con una posición máxima en el puesto 29. El grupo pop masculino Begin adaptó el sencillo de 1963 de Kyu Sakamoto ” Miagete Goran Yoru no Hoshi o ” (見上げてごらん夜の星を; lit. “Mira las estrellas por la noche”) como tema de cierre. Una banda sonora completa que contiene los dos temas principales y 33 pistas instrumentales adicionales del compositor Kazunori Miyake fue lanzada el 26 de mayo de 2004. La canción ” Hitomi no Saki ni ” (瞳の先に; lit. ‘ Adelante de los ojos ‘ ) de la banda de rock alternativo Orange Range fue utilizada como tema de cierre para la serie de acción real. Fue lanzada como maxi single con otras dos canciones el 8 de julio de 2009, y permaneció en las listas de música de Oricon durante seis semanas con una posición máxima en el 5.º lugar. Una banda sonora completa para la serie que contiene 21 pistas instrumentales fue lanzada por Harbor Records el 5 de agosto de 2009.
Recepción
En una entrevista con el Yomiuri Shimbun , el astronauta japonés Koichi Wakata nombró a Twin Spica , debido a su historia nostálgica, como una de las cinco series de manga que resaltan el sueño de llegar al espacio. Al evaluar la serie para su licencia en inglés, el director de marketing de Vertical , Ed Chavez, un fanático de la ciencia ficción, encontró su historia “técnicamente sólida” y la señaló como “posiblemente una de las series más sentidas que he leído en años”. Esperaba que la serie se ubicara entre los 10 primeros puestos de la lista de los libros gráficos más vendidos de The New York Times para manga y creía que convertiría a Vertical en un “nombre conocido, no solo entre las mejores tiendas de cómics y librerías independientes, sino también entre los fanáticos del anime y los lectores ocasionales de novelas gráficas “. Si bien la serie se publicó originalmente en una revista seinen , Chavez esperaba que también atrajera a los fanáticos del manga shōjo . Creía que la palabra seinen “significa adulto y no hace referencia al género”. Esperaba que Twin Spica resultara un éxito financiero y permitiera a Vertical financiar futuras licencias de obras clásicas de Osamu Tezuka y los Forty-Niners . El primer volumen en inglés fue catalogado por Publishers Weekly como una de las novelas gráficas más esperadas de 2010.
Jennifer Berman de THEM Anime Reviews calificó la adaptación al anime de Twin Spica con cinco de cinco estrellas, pero les dijo a los lectores: “Réstele una estrella si no les gusta el anime con un ritmo algo lento”. Berman elogió su diseño artístico y señaló que los diseños de personajes le recordaban a las obras de Studio Ghibli . Encontró a los personajes “agradables” y vio a Marika Ukita como el personaje más intrigante. A pesar de sus elogios, Berman señaló una debilidad en la adaptación al anime. Observó que el final era “bastante abierto, y aunque no fue un mal final, probablemente deberían haber pensado en algo mejor”. Al igual que el manga, la serie de anime fue vista como neutral en cuanto al género. El vicepresidente de Sony Pictures Entertainment, Todd Miller, declaró que Twin Spica fue uno de los títulos emitidos en Animax que atrajo a ambos géneros. El primer episodio de la serie dramática se emitió con una calificación de audiencia nacional del 3,4 por ciento. Los críticos del Yomiuri Shimbun calificaron la adaptación de acción real con un promedio de dos de tres estrellas y la clasificaron en tercer lugar en general entre 11 series emitidas en el tercer trimestre de 2009.
Twin Spica
ふたつのスピカ
(Futatsu no Supica) Creador Kou Yaginuma Género Ciencia ficción, sobrenatural, drama. Manga Creado por Kou Yaginuma Editorial Media Factory Publicado en Comic Flapper Primera publicación 5 de septiembre de 2001 Última publicación 5 de agosto de 2009 Volúmenes 16 Anime Director Tomomi Mochizuki Estudio Group TAC Cadena televisiva NHK Primera emisión 1 de noviembre de 2003 Última emisión 27 de marzo de 2004
Episodios 20
Lupin III contra Detective Conan ( japonés :ルパン三世VS名探偵コナン, Hepburn
: Rupan Sansei Vāsasu Meitantei Konan ) es un especial de televisión japonés animado cruzadoentre los personajes de Lupin III y Detective Conan . Se transmitió por Nippon Television y Yomuri TV el 27 de marzo de 2009. Discotek Media lanzó la película para televisión en DVD en Norteamérica el 27 de octubre de 2015.
Recepción
El especial ocupó el primer lugar en la clasificación de televisión de anime japonesa del 23 al 29 de marzo de 2009. El lanzamiento en DVD vendió más de 7000 en su primera semana. La edición Blu-ray fue el tercer anime más vendido entre el 27 de julio y el 2 de agosto de 2009, y se mantuvo entre los veinte primeros hasta el 29 de noviembre de 2009.
El experto en Lupin, Reed Nelson, al escribir un artículo titulado Lupin the Third: The Complete Guide to Films, TV Specials and OVAs para Anime News Network , opinó que Lupin the 3rd vs. Detective Conan no era un elemento de la franquicia Lupin que valiera la pena ver, describiendo el especial de la siguiente manera: “Tiene más partes de Case Closed que de Lupin the Third , hay mucho diálogo y poca acción. Y olvídate del ‘versus’… aquí no sucede”.
Adaptación de manga y secuela cinematográfica
Una adaptación al manga del especial se publicó en la revista Shōnen Sunday S del 25 de agosto al 25 de octubre de 2013.
Una secuela cinematográfica del especial de televisión titulado Lupin the 3rd vs. Detective Conan: The Movie se estrenó en los cines japoneses el 7 de diciembre de 2013.
Datos de interés
El doblaje de ambas franquicias (con la serie de Lupin III: Parte 1, y episodios de la serie de Detective Conan) fue realizado en un punto en un mismo estudio en Los Ángeles, en el estudio Point.360, con sus repartos respectivos. Irónicamente varias producciones serían dobladas en México (entre otros en ambos casos, como en esta película) y en otros países tales como Chile en el caso de Detective Conan, y Argentina así como Cuba en el caso de Lupin III.
Ricardo Tejedo y Laura Ayala son los únicos actores de las películas y especiales de Lupin III doblados en Sonomex que repiten sus papeles como Arsenio Lupin III y Fujiko Mine respectivamente.
En cuanto al reparto de Detective Conan, es el mismo de la película El caso del francotirador dimensional, en donde se mantiene en su mayoría al elenco que dobló las dos primeras películas: El rascacielos del tiempo y La decimocuarta víctima, con excepción de Conan Edogawa, papel dado a Elsa Covián, así quedando más acorde al estado infantil de Shinichi Kudo quien sigue siendo doblado por Víctor Ugarte; Ayumi Yoshida, por razones desconocidas, no es retomada por Claudia Motta y es reemplazada por Melissa Gutiérrez; y el Inspector Shiratori y Genta Kojima, quienes debido al fallecimiento de Jesús Barrero, pasan a ser doblados por Arturo Cataño.
El nombre de Lupin es pronunciado como Lupán, que es la pronunciación fonética japonesa de Lupin, de origen europeo debido a que el nombre del personaje se basa en el protagonista Arsène Lupin de las novelas de detectives del escritor francés Maurice Leblanc. Cabe destacar también que dicha pronunciación japonesa fue utilizada originalmente en el doblaje de la serie de televisión de Lupin III: Parte 1, mientras que en el doblaje de las películas y especiales de televisión se utilizó la pronunciación Lupin a excepción del especial Los documentos de Hemingway, donde Lupin fue llamado Cliff
El doblaje contiene varios modismos mexicanos.
Sobre la adaptación
El APTX-4869 es mencionado por Fujiko como “la droga” y Haibara le dice “la toxina”, siendo que originalmente se hablaba de la sustancia como tal.
Hay una escena en la que Ayumi estaría celosa de la presentadora de tv y vería a Conan igual de pervertido que sus otros compañeros varones, pero en el doblaje se alteran las lineas para hacer ver a Ayumi preocupada por Daisuke Jigen (el hombre malo), haciendo así que no parezca que Conan es un pervertido ante los ojos de Ayumi y los demás niños.
En una escena en el aeropuerto se hace una importante referencia a la trama principal mientras Haibara y Fuijiko mantienen una conversación en motocicleta, Fujiko se queda asombrada de ver como Ai es tan buena manejando ese tipo de moto a lo que esta misma contesta que es debido a que cuando formaba parte de la organización ella conducía una Harley Davidson, mismo modelo que estaría conduciendo en ese momento, sin embargo en el doblaje se cambia el contexto y le quita importancia a la escena, haciendo entender que Fujiko quiere que Ai conduzca más rápido a lo que esta solo responde “vamos en una motocicleta, no en un avión, no me molestes”, perdiendo el sentido de por qué Haibara conduce una moto tan repentinamente.
Originalmente los personajes Lupin y Conan hacen la presentación el uno hacia el otro, sin embargo erróneamente en el doblaje Elsa Covián (Conan) presenta a Lupin y al momento de presentar la historia de Shinichi Kudo este lo hace Víctor Ugarte (Shinichi) y Elsa Covián como si se tratara de la presentación típica de las películas de la franquicia de Detective Conan, más al ser una línea que únicamente le tocaba decir a Ricardo Tejedo (Lupin), pareciera que Shinichi Kudo se presenta así mismo en tercera persona.
ルパン三世VS名探偵コナン
(Rupan Sansei Vāsasu Meitantei Konan) Creado por Golpe de mono / Gosho Aoyama Película de anime para televisión Dirigido por Hajime Kamegaki Producido por Michihiko Suwa (YTV) / Tetsu Kojima (TMS) / Toshio Nakatani (NTV) Escrito por Atsushi Maekawa Música de Katsuo Ohno Estudio Entretenimiento TMS Con licencia de N / A : Discotek Media / Red original NNS ( NTV , ytv ) Liberado 27 de marzo de 2009 Tiempo 104 minutos
Parasite Dolls (パラサイトドールズ, Parasaito Dōruzu ) es una serie de animación original en vídeo de tres partes de 2003producida por AIC e Imagica Entertainment, y escrita por Chiaki J. Konaka y Kazuto Nakazawa . La serie se desarrolla en el universo de Bubblegum Crisis y tiene lugar después de los eventos de la serie OVA original (ignorando Bubblegum Crash ), de 2034 a 2040. Está ambientada en la ciudad de Megatokyo y se centra en una división de la policía AD conocida como Branch. Su tarea es detener las actividades terroristas, así como a los Boomers (androides) que se han vuelto peligrosos para la sociedad.
Trama
Parasite Dolls se desarrolla en el universo original de Bubblegum Crisis , poco después de los eventos de la serie OVA original. Se centra en una división de la policía de AD llamada Branch, cuya misión es detener las actividades terroristas y destruir a los Boomers que representan una amenaza para la sociedad.
Personajes
Albahaca “Buzz” Nikvest
El teniente Basil “Buzz” Nikvest es miembro del grupo especial Branch de la policía de AD. Fue transferido a Branch en 2029 por dispararle por error a un niño al que confundió con un boomer. Debido a su error, se muestra reacio a portar un arma de mano, a pesar de ser un tirador excepcional. Quedó viudo cuando su esposa fue asesinada por un boomer renegado.
Reiko Michaelson
La sargento Reiko Michaelson es la experta en armas pesadas y vehículos de Branch. Pilota un helicóptero y suele estar en primera línea luchando contra los Boomers.
Kouji Takahashi
Kouji Takahashi es el inspector a cargo de las operaciones de la sucursal. Fue asesinado por Kenji Sorime durante su intento de golpe de estado.
Rod Kimball
El sargento Rod Kimball es un Boomer que sirve junto a Buzz en Branch. Aunque no puede ostentar un rango oficial, es tratado como un sargento. También fue capaz de identificar los sentimientos románticos de Reiko por Buzz. Murió tras sacrificarse para salvar a Reiko de un misil.
Elza “Angel” Lynch
Aunque técnicamente es miembro de Branch, la teniente Elza “Angel” Lynch pasa la mayor parte del tiempo infiltrada, investigando a la Corporación Genom. Tiene el cabello plateado y tez morena. Fue asesinada por Sorime durante su intento de golpe de estado.
Bill Myers
Bill Myers, un hacker informático y de electrónica, trabaja como experto en Boomers en la sucursal. La única persona con la que parece llevarse bien es Buzz. Fue asesinado por Sorime durante su intento de golpe de estado
Recepción
La recepción crítica de Parasite Dolls ha sido generalmente positiva. Nicole MacLean, de THEM Anime Reviews, le otorgó a la serie una calificación de 3 de 5 estrellas. Consideró que la entrega es “una buena serie que no ofrece muchas sorpresas, pero que resulta satisfactoria, aunque a veces un poco explícita. Si uno la ve sin expectativas de grandeza y preparado para la violencia, probablemente la disfrutará”. Browne la recomendó para los fans del cyberpunk, y también que sería apta para adolescentes maduros y adultos debido a su violencia explícita y contenido sexual implícito.
Chris Beveridge, del Fandom Post, consideró que el audio y el vídeo de la colección no presentaban problemas importantes, pero no le gustó la portada. Le gustó que la serie mostrara el lado oscuro del universo de Bubblegum Crisis , sin la estética pop ni el chicle de las series y OVAs anteriores. Escribió: «Este es un drama policíaco ambientado en el futuro que narra tres historias fascinantes y permite que la tercera explore a fondo el mundo que conocemos. Este es el tipo de serie que quiero ver, no esa otra serie de AD Police. Esto sí que es bueno».
Género Cyberpunk / Thriller erótico
Animación de vídeo original Dirigido por Yoshinaga Naoyuki / Nakazawa Kazuto Estudio AIC Con licencia de AUS : Visual de sirena / N / A : AEsir Holdings (anteriormente ADV Films ) / Reino Unido : ADV Films UK (caducado) Liberado 22 de mayo de 2003 – 24 de julio de 2003 Tiempo de ejecución 30 minutos cada uno Episodios 3
El manga original de Captain Harlock (Uchū Kaizoku Captain Harlock) fue creado por Leiji Matsumoto y se publicó en la revista Play Comic de Akita Shoten. Su serialización original comenzó el 13 de enero de 1977 y terminó el 14 de junio de 1979. Luego fue recopilado en 5 volúmenes.
Mucho después, la obra recibió una edición en inglés por parte de Seven Seas Entertainment bajo el nombre Captain Harlock: The Classic Collection. Esa edición salió en 3 tomos de lujo: el volumen 1 el 12 de junio de 2018, el volumen 2 el 2 de octubre de 2018, y el volumen 3 el 26 de febrero de 2019.
Además, en agosto de 2014, Matsumoto lanzó una reinterpretación del personaje titulada Captain Harlock: Dimensional Voyage, dibujada por Kōichi Shimahoshi, como parte de la conmemoración por el 60 aniversario del debut profesional de Matsumoto.
Fechas claves:
1977: inicio del manga original.
1979: cierre de la publicación original.
2018–2019: edición clásica en inglés en 3 tomos.
2014: nueva versión Dimensional Voyage.
Curiosidades
Una curiosidad muy buena para comentar es que Harlock forma parte de un universo más amplio de Matsumoto, conectado con obras como Galaxy Express 999, Queen Emeraldas y otras historias espaciales. Esa sensación de universo compartido es parte de lo que volvió tan legendario a su obra.
Otra curiosidad interesante es que en Francia el personaje se volvió tan popular que pasó a conocerse como Albator. El nombre cambió para evitar confusiones con Captain Haddock de Tintín, y con el tiempo Harlock se convirtió en una figura de culto para generaciones de fans francófonos.
También es llamativo que la popularidad y el impacto cultural de Matsumoto en Francia fueron tan fuertes que recibió la Orden de las Artes y las Letras del gobierno francés en 2012. Esa condecoración no fue solo por Harlock, pero sí habla del peso cultural que tuvieron sus obras en Europa.
Y una curiosidad más pequeña, pero bonita: el personaje Mi-kun, el gato que aparece ligado al doctor del barco en la franquicia, está basado en el propio gato de Matsumoto.
Recepción del público
En términos de legado, Captain Harlock es considerado uno de los personajes más reconocibles de la ciencia ficción japonesa, y Seven Seas lo presenta como uno de los personajes más reverenciados y reconocibles del género.
Sobre recepción de lectores actuales, las ediciones recopilatorias en Goodreads muestran una valoración bastante sólida y estable: la serie Captain Harlock: The Classic Collection registra un promedio cercano a 3.85/5 con 473 valoraciones en conjunto; el volumen 1 marca 3.82/5 con 257 valoraciones y 28 reseñas.
Eso sugiere algo interesante: no es una obra masiva en lectura contemporánea como otros clásicos más reeditados, pero sí mantiene una base de lectores fieles que la valoran por su tono melancólico, su dimensión moral y su importancia histórica. Esta última idea es una inferencia razonable a partir de las valoraciones y del tratamiento editorial actual.
Captain Harlock: El Pirata Espacial no es solo un manga de aventuras en el espacio. Es una obra que habla de la dignidad, la rebeldía y la fuerza de sostener los propios ideales cuando el mundo parece haberlos olvidado. En sus páginas no encontramos a un héroe convencional, sino a un hombre que decide resistir, incluso cuando la humanidad se ha rendido ante la comodidad, la indiferencia y la decadencia.
Este Club de Lectura es una invitación a descubrir una historia con alma, profundidad y una mirada profundamente humana. Leer a Harlock es encontrarse con preguntas que siguen vigentes: ¿qué significa ser libre?, ¿qué valor tiene la honra en tiempos de resignación?, ¿vale la pena luchar por principios cuando todo parece perdido?
Sumérgete en el universo de Leiji Matsumoto y acompáñanos a explorar una obra que no solo entretiene, sino que deja huella. Captain Harlock es una lectura para quienes todavía creen que la resistencia, la conciencia y la dignidad también pueden convertirse en una forma de esperanza.
Vampire Hunter D: Bloodlust (吸血鬼ハンターD ブラッドラスト, Banpaia Hantā Dī Buraddorasuto ) , conocida simplemente en Japón como Vampire Hunter D , es una película de anime de fantasía oscura de aventuras vampíricas del año 2000 escrita para la pantalla y dirigida por Yoshiaki Kawajiri . Está basada en la novela Vampire Hunter D: Demon Deathchase de 1985 de Hideyuki Kikuchi .
La película comenzó a producirse en 1997 y se terminó con la intención de estrenarse en cines estadounidenses. Se proyectó en doce salas de cine de Estados Unidos y recibió críticas generalmente positivas.
Producción
La idea de una nueva película de Vampire Hunter D surgió tras la demanda de los fans de una secuela de Vampire Hunter D (1985). Hideyuki Kikuchi también estaba a favor, ya que se había quejado a menudo de la “barata” estética de la película original. Los planes para una nueva película comenzaron en 1997 por el director Yoshiaki Kawajiri y la productora Madhouse . Casi al mismo tiempo, el productor Mataichirō Yamamoto quería adquirir los derechos de Wicked City de Madhouse junto con la película original de Vampire Hunter D. Durante la conversación sobre ambas producciones, Yamamoto se enteró de la nueva película de Vampire Hunter D y quiso involucrarse no solo en la distribución en vídeo, sino también en la producción, con el objetivo de que la película pudiera estrenarse en cines en Estados Unidos.
La historia de Vampire Hunter D: Bloodlust se basa en la tercera novela de la serie D – Demon Deathchase de Kikuchi . El diseño del personaje principal es obra del artista Yoshitaka Amano . El estilo artístico de Amano fue adaptado para el resto de los personajes de la película por el director de animación Yutaka Minowa. La animación de la película se creó en los estudios Madhouse en Tokio, mientras que el trabajo de posproducción se realizó en California . La banda sonora en inglés de la película se grabó en 1999 antes de que se terminara el diálogo en japonés. El título de la película, Vampire Hunter D: Bloodlust, fue una decisión de último momento para distinguirla de la primera película.
Teatral
Para promocionar la película, se terminó un tráiler de dos minutos y medio en 1998 y se mostró en convenciones de fans del anime en Estados Unidos . Una copia en proceso se mostró en 2000 en el Festival de Cine Fantasia en julio en Montreal y en el Festival de Cine de Anime de Nueva York en octubre de 2000.
La versión final de la película solo se estrenó en cines en inglés. En su estreno en cines en Japón, se subtituló en japonés. Se estrenó el 23 de septiembre de 2001 en Estados Unidos, donde se proyectó en seis salas antes de expandirse a doce. Recaudó 25 521 dólares en esta exhibición y 151 086 dólares en total, convirtiéndose en la película japonesa más taquillera de la historia en un idioma distinto al japonés.
Vídeo casero
Urban Vision lanzó la película en DVD y VHS el 12 de febrero de 2002, y se ubicó en el puesto # 7 en la lista Billboard Top DVD Sales para la semana del 9 de marzo de 2002. Luego, el 3 de febrero de 2015, Discotek Media anunció su licencia para lanzar la película en Blu-ray el 8 de septiembre de 2015 y en DVD el 22 de septiembre de 2015; sin embargo, debido a restricciones de licencia, todos los lanzamientos, incluidos los tres lanzamientos de video doméstico en los EE. UU., tienen solo el audio original en inglés.
En Japón, la película fue lanzada en DVD el 19 de diciembre de 2001 por Avex Entertainment con audio en inglés y japonés.
Recepción
La película recibió críticas generalmente favorables de los críticos estadounidenses. El agregador de reseñas Rotten Tomatoes informó que el 72% de los críticos le dieron una reseña positiva basada en 32 reseñas, con una calificación promedio de 6.4/10. El consenso de los críticos del sitio dice: ” Los encantos góticos de Vampire Hunter D pueden pasar desapercibidos para aquellos que no estén familiarizados con la serie de anime que la originó, pero la acción trepidante y el estilo de pesadilla satisfarán la sed de sangre de los aficionados al terror “. Recibió una calificación de 62 en el sitio web Metacritic basada en 15 reseñas de críticos, lo que indica “críticas generalmente favorables”. El Chicago Reader dio una reseña favorable de la película, refiriéndose a ella como una “aventura surrealista magníficamente animada”. El New York Daily News se refirió a la película como “Hermosa, ingeniosa y provocativa” y que debería “atraer tanto a los fanáticos como a los no fanáticos”. El San Francisco Chronicle elogió al director Yoshiaki Kawajiri, afirmando que “tiene un don para las imágenes impactantes”, pero también señaló que “su historia logra ser simultáneamente superficial y caótica”.
Nombre japonés Kanji 吸血鬼ハンターD ブラッドラスト Dirigido por Yoshiaki Kawajiri Guion de Yoshiaki Kawajiri Adaptación al inglés por Ellen Moore / Jack Fletcher Residencia en Vampire Hunter D: Demon Deathchase / de Hideyuki Kikuchi Producido por Mataichiro Yamamoto / Masao Maruyama / Takayuki Nagasawa Protagonizada por Pamela Segall / Juan DiMaggio / Dwight Schultz / Andy Philpot Cinematografía Hitoshi Yamaguchi Editado por Harutoshi Ogata / Satoshi Terauchi / Kashiko Kimura / Yukiko Ito Música de Marco D’Ambrosio
Empresas productoras Madhouse / Filmlink International / BMG Funhouse / Movic / Goodhill Vision / Softcapital Distribuido por Nippon Herald Films (Japón) Urban Visión (Estados Unidos) Fechas de lanzamiento Julio de 2000 ( Fantasia Fest ) 21 de abril de 2001 (Japón) 23 de septiembre de 2001 (Estados Unidos) Tiempo de ejecución 102 minutos Países Japón / Hong Kong / Estados Unidos Idioma Inglés
Hokuto no Ken (北斗の拳lit. Puño de la Estrella del Norte?), también conocido como Fist of the North Star, es un manga japonés escrito por Buronson e ilustrado por Tetsuo Hara. Es una historia pos apocalíptica de artes marciales. Una nueva adaptación televisiva de la serie de anime producida por TMS Entertainment se estrenará en abril de 2026.
Argumento
Después de la Tercera Guerra Mundial, el planeta se volvió un lugar desolado y hostil, poca gente ha sobrevivido a esta catástrofe y el agua se convirtió en el recurso más preciado en todo el mundo, así como la fuerza es la habilidad más necesaria, porque solo los más fuertes dominan el mundo. Esto cambiará cuando un hombre, el cual es conocido por algunos como «el salvador de finales del siglo», aparezca y ponga en práctica el Hokuto Shinken, el cual es un arte marcial con efectos devastadores en los adversarios. Con ello ayudará a sí mismo a comprender y cumplir su destino en este nuevo mundo, mientras ayuda a los indefensos supervivientes a conseguir una vida más digna y plena.
Producción
Tetsuo Hara era fanático del actor y artista marcial chino Bruce Lee, así como del manga de acción y del actor de cine de acción japonés Yūsaku Matsuda cuando era adolescente en la década de 1970. Como no tenía una grabadora de videocasete en ese momento, a menudo dibujaba versiones manga de Lee y Matsuda de memoria. Más tarde, a Hara se le ocurrió la idea de Fist of the North Star después de ser contactado por su editor Nobuhiko Horie, quien le preguntó: “Quieres escribir un manga sobre artes marciales chinas, ¿verdad?” Según Hara, Horie le sugirió que dibujara un manga sobre “un artista marcial que destruye a sus oponentes golpeando sus puntos de presión” basado en la aspiración de Hara de dibujar un manga sobre artes marciales y su conocimiento de los puntos de presión. En ese momento, Hara estaba teniendo problemas para ingresar al mercado, ya que su primera serie, The Iron Don Quijote (un manga sobre carreras de motocross), fue cancelada diez semanas después de su debut. Para el nuevo manga, Hara combinó la apariencia y los rasgos de carácter de Bruce Lee y Yūsaku Matsuda para crear al protagonista, Kenshiro. También se inspiró en las series Ultraman y Tiger Mask para crear interesantes diseños de enemigos.
Una versión prototipo de Fist of the North Star se publicó como una historia única en la edición de abril de 1983 de Fresh Jump, a la que siguió Fist of the North Star II, una segunda historia única publicada en la edición de junio de 1983. Ambas historias se recopilaron originalmente en el segundo volumen tankōbon de The Iron Don Quijote, la serie anterior de Hara (aunque las ediciones ampliadas de 1995 trasladan la primera parte del piloto Fist of the North Star al primer volumen, dejando el segundo volumen con solo el segundo piloto).
Los dos one-shots fueron bien recibidos en las encuestas de los lectores de Fresh Jump y se encargó a Tetsuo Hara que convirtiera Fist of the North Star en una serie semanal. Buronson fue asignado para trabajar con él como escritor de la versión serializada. La historia se renovó, con el escenario actual de la década de 1980 en la versión original reemplazada por un mundo futuro pos apocalíptico, y el protagonista Kenshiro, originalmente un adolescente incriminado por un crimen que no cometió en la historia prototipo de Hara, se convirtió en un mayor y héroe más estoico con un pasado trágico. Para el nuevo escenario, Hara se inspiró en la película postapocalíptica Mad Max 2 (1981), la película cyberpunk Blade Runner (1982), el manga cyberpunk japonés postapocalíptico Akira (1982) de Katsuhiro Otomo y las ilustraciones de los artistas Syd Mead y Frank Frazetta.
Buronson citó a Bruce Lee y Mad Max como sus dos mayores influencias en Fist of the North Star. Afirmó que Kenshiro y las artes marciales se inspiraron en el artista marcial Bruce Lee y sus películas de kung fu de acción de Hong Kong de la década de 1970, mientras que el escenario postapocalíptico se inspiró en la serie de películas Mad Max (debut en 1979). Fist of the North Star también fue influenciado por la serie de manga de Go Nagai, Violence Jack (debut en 1973), que de manera similar tenía un entorno desértico pos apocalíptico con bandas de motociclistas, violencia anárquica, edificios en ruinas, civiles inocentes, jefes tribales y pequeños pueblos abandonados; se ha argumentado que Mad Max también puede haber sido influenciado por Violencia Jack. Originalmente, se contrató a Hara y Buronson para hacer Fist of the North Star durante tres años, pero debido a su popularidad y la demanda de la editorial, se extendió a cinco años.
El Puño de la Estrella del Norte: la película
Dado el éxito de la serie de televisión, en 1986 fue estrenada una película de 110 minutos. La cual narra de una forma diferente el comienzo del manga, aproximadamente la mitad de la primera serie. Algunos detalles fueron omitidos o cambiados para darle una forma coherente como película.
北斗の拳 (Hokuto no Ken) Movie Creador Tetsuo Hara y Yoshiyuki Okamura Género Artes marciales, sobrenatural, fantasía, ciencia ficción Director Toyoo Ashida Estudio Toei Animation Licenciado por Manga Films Fecha de estreno 8 de marzo de 1986 Duración 110 minutos
