Afro Samurai: Resurrection (アフロサムライ レザレクション, Afuro Samurai Rezarekushon ) , (estilizado como ΛFΓO SΛMUΓΛI RESUΓΓECTIOΠ ) es una película de televisión animada japonesaen inglés de 2009,secuela de la Serie de anime Afro Samurai , protagonizada por Samuel L. Jackson y Lucy Liu . Se emitió en Spike TV el 25 de enero de 2009.
Trama
Sin ningún propósito tras vengarse de Justice, Afro Samurai, portador de la diadema número 1, pasa sus días esculpiendo figuras históricas en madera y lleva años sin batirse en duelo. Jinno, su hermano adoptivo, ahora un cíborg sin emociones, y su hermana, Lady Sio, lo emboscan y lo golpean brutalmente, robándole la diadema y la mandíbula de su difunto padre, Rokutaro . Sio le dice a Afro que resucitarán a Rokutaro y lo usarán para vengarse, desafiándolo a encontrar la diadema número 2 si tiene la voluntad de luchar.
Tras reforjar su espada, Afro acude a una casa de apuestas, donde el último superviviente del Clan de los Siete Vacíos, el Hermano 3, lo reta a una partida de dados por la identidad del Número 2. Afro descubre que el Hermano 3 hace trampa y lo obliga a revelar que el Número 2 pertenecía al ronin Shichigoro. Sin saberlo, Afro salva al hijo adoptivo de Shichigoro, Kotaro, y posteriormente lo mata, dejando a Kotaro con sed de venganza. Afro se apodera de la diadema del Número 2 y procede a destruir a tres guerreros cíborg, que resultan ser los hermanos adoptivos de Sio. Sio utiliza ciencia prohibida para resucitar a Rokutaro, convirtiéndolo en un guerrero sin alma.
Con Afro herido en su pelea anterior, Rokutaro hiere mortalmente a su hijo, estrangulándolo hasta que pierde el conocimiento. La visión de Afro agoniza hace que Jinno recuerde el vínculo que una vez compartieron como hermanos, y ataca a Rokutaro, quien mutila su cuerpo. Sio intenta salvar a su hermano, pero Rokutaro la atraviesa con el cuerpo de Jinno. Después de que mueren, una chispa del cuerpo de Jinno viaja a través de la sangre derramada de Sio y revive a Afro. Él acepta que Rokutaro no es su verdadero padre y lo mata. Afro recupera la diadema Número 1 y le da la Número 2 a Kotaro, diciéndole que estará listo para cuando quiera vengar a Shichigoro. Mientras Afro viaja al Monte Shumi y busca un retador como Número 1, su compañero imaginario Ninja Ninja reaparece ante él, hablando sobre el ciclo interminable de venganza y derramamiento de sangre.
Diferencia entre versiones
El final difiere entre la versión en DVD y la versión televisiva de la película. En la serie, Afro recupera la diadema y se topa con un hombre enmascarado mientras la imagen de Justicia aparece por un instante. En la versión del director en DVD, Afro recupera la diadema número 1. Tras los créditos, Justicia reaparece.
Comunicados
La película se emitió en Spike TV el 25 de enero de 2009. Se lanzó en DVD el 3 de febrero de 2009, y en PlayStation Store en mayo de 2009. La película se estrenó en el Festival de Cine Asiático de San Diego el 16 de octubre de 2009. Se emitió en la transmisión de YouTube de Funimation , del 31 de julio al 5 de agosto de 2011. Para el lanzamiento en el Reino Unido en Netflix, la película fue uno de los títulos iniciales para el lanzamiento de enero de 2012.
Recepción
Zac Bertschy de Anime News Network afirmó sobre Afro Samurai: Resurrection que “es una película magnífica”, con “una animación increíble, secuencias de acción espectaculares [ sic ] y una banda sonora impactante de Ghostface”. Zac señaló que la trama es solo “un adorno” y que, si trata de algo, es de “ser genial”. Zac criticó que la película sea solo una excusa para enlazar escenas de lucha y que, a medida que avanza, se hace más evidente lo “débil que es el guion”.
Hyper elogia el anime por su arte, diciendo: “Las poses estilizadas y las imágenes nítidas y dinámicas han sido durante mucho tiempo un elemento distintivo de esta serie, y se mantienen [en el anime]”. Para el premio Emmy en horario estelar al mejor programa de animación , la película perdió ante la serie estadounidense Foster’s Home for Imaginary Friends. Aunque el director de arte de la película, Shigemi Ikeda, ganó un premio Emmy en horario estelar por “Logro individual sobresaliente en animación”.
Afro Samurai de Takashi Okazaki Guion de Yasuyuki Mutō / Josh Fialkov / Eric Calderón Historia de Takashi Okazaki / Fuminori Kizaki Dirigido por Fuminori Kizaki Protagonizada por Samuel L. Jackson / Lucy Liu Música de RZA Países de origen Japón / Estados Unidos Idioma original Inglés Productores ejecutivos Shinichiro Ishikawa / Leo Chu / Eric García / Arthur Smith / Samuel L. Jackson Productores Hiroshi Kumada / Chris Carlisle / Eric Calderón Editor Hirose Kiyoshi Tiempo de ejecución 100 minutos Compañía productora Gonzo Presupuesto 5 millones de dólares Lanzamiento original Red Televisión Fuji (Japón) / Spike TV (Estados Unidos) Liberado 25 de enero de 2009
MD Geist ( japonés :装鬼兵MDガイスト, Hepburn : Sōkihei MD Gaisuto ; literalmente “Armoured Demon Soldier MD Geist”) es una serie de anime y cómics sobre unmundo post-apocalíptico .
Geist (el personaje principal) es conocido coloquialmente como el Soldado Más Peligroso , modificado genéticamente para superar a otros soldados durante una larga guerra en un planeta llamado Jerra. Fue puesto en animación suspendida en una cápsula de estasis que orbitaba el planeta como resultado de su método de combate extremadamente abrumador, hasta que la cápsula se estrelló varios años después, despertándolo y devolviéndolo a la guerra en el planeta.
Sinopsis
M.D. Geist
La humanidad ha expandido su civilización a múltiples sistemas estelares y ha colonizado numerosos planetas. En Jerra, un planeta conocido como el Ejército Negsrom, se encuentra en guerra con el Ejército Regular de Jerra. Geist, comandante de las fuerzas especiales de Jerra, fue modificado genéticamente mediante un nuevo proceso científico denominado «teoría del bioclon». Su ferocidad en combate fue tal que se ordenó su colocación en animación suspendida a bordo de un satélite de estasis y su lanzamiento a la órbita de Jerra.
Tras varios años, el satélite se estrella en Jerra y Geist despierta. En una ciudad desolada, Geist descubre a un grupo de bandidos, cuyo líder asesina a un soldado rezagado que lleva un traje de combate. Geist se enfrenta al líder bandido por el traje del soldado fallecido. En una lucha a muerte por el traje, Geist acaba con el líder. Paia, una bandida que fue amante del antiguo líder, se siente atraída por la fuerza de Geist, pero, aparte de su conocimiento de las actividades de ambos ejércitos, Geist no muestra ningún interés en ella. Geist, como nuevo líder de los bandidos, divisa un acorazado terrestre del Ejército Regular, el Noah Guards, bajo ataque de las fuerzas de Negsrom y encuentra una oportunidad para salvarlo a cambio de un precio. Geist, junto con Paia, forma una alianza inestable con la tripulación del Noah Guards, liderada por el coronel Crutes, antes de participar en una misión para impedir la activación del dispositivo apocalíptico del Ejército Regular, la “Fuerza de la Muerte”. La cuenta regresiva de la Fuerza de la Muerte comenzó poco después del asesinato de un alto cargo del Ejército Regular. Su objetivo es aniquilar toda forma de vida en Jerra sin distinción.
Geist se equipa con el traje de combate que ha adquirido, el cual ha personalizado y modificado para reflejar su habilidad de lucha, y participa en un asalto al Palacio Cerebral, donde se encuentra la computadora responsable de la Fuerza de la Muerte. Todos, excepto Geist y Crutes, mueren durante la invasión. Al llegar a su destino, Geist se enfrenta a un robot de seguridad avanzado activado por Crutes, quien revela que también pretende matarlo. Mientras Geist lucha contra el robot, Crutes logra desactivar la Fuerza de la Muerte. Sin embargo, descubre que el robot no ha logrado matar a Geist y, a su vez, muere. Cuando Paia llega a la sala de control, se asusta al enterarse de que Geist ha continuado activando la Fuerza de la Muerte.
Notas de producción
Durante la preproducción, Sōkihei MD Geist no fue concebida para ser lanzada en video. En la etapa inicial del borrador, el título provisional era “Death Force” y la historia involucraba a un soldado inestable, llamado Patrick Murphy, quien era encarcelado en una nave espacial a la deriva en el espacio y luego rescatado por aliados con trajes motorizados. Entonces comienza una misión para detener la computadora a bordo de la nave, que ha ejecutado un programa para matar a los supervivientes restantes.
Koichi Ohata desarrolló el proyecto para tener libertad creativa como diseñador mecánico. La inspiración de Ohata para diseñar los trajes blindados surgió de una conversación con personal de Nippon Sunrise Inc. sobre la funcionalidad de un robot gigante y un traje blindado en relación con un personaje humano, antes de la producción. El proyecto se aprobó como vídeo cuando el concepto del traje blindado de Ohata llamó la atención del presidente de la productora. Ohata estaba muy influenciado por películas internacionales como Mad Max , Terminator y La masacre de Texas , y sentía que la nueva tecnología que ofrecía el vídeo podría producir algo similar en la animación japonesa.
Riku Sanjō, entonces nuevo como guionista , desarrolló la historia a través de múltiples reuniones de consulta con Ohata, en las que se hizo hincapié en los motivos visuales y la dirección de escena. Si bien el guion inicial se escribió para una duración de 45 minutos, Hayato Ikeda animó a Sanjo a escribir lo más posible para que él y Ohata pudieran expresar sus ideas por completo. Se escribieron hasta 200 páginas de manuscrito durante la etapa de planificación, y se acordó entre Ohata, Ikeda y el director de unidad Hiroshi Negishi centrarse en las escenas de acción, por lo que se eliminaron numerosos puntos de la trama. Un título de trabajo posterior durante la producción fue “Sokihei Billion Buster”, con algunas diferencias en la historia, como el nombre de la pandilla de motociclistas siendo “Metal Cetus”. Otro borrador de la historia se centró en las condiciones intensamente exigentes del traje de poder combinadas con la naturaleza incontrolable del MDS. Ikeda confesó ser nuevo en mecha , así como en OVA como formato, y actuó como mediador en la producción general, con la mayoría de las decisiones creativas a cargo de Ohata. Los créditos de Ikeda como director de anime de TV lo hicieron más atractivo para el marketing. La dirección de Ohata, como resultado de su inexperiencia a los 23 años, resultó difícil para los animadores. Según el director de animación Kenichi Onuki, los diseños de personajes y los diseños mecánicos contenían una gran cantidad de líneas y fueron una fuente de disputa para los animadores. Ohata asumió tareas clave de animación y guion gráfico , Onuki también participó en el proceso de limpieza de líneas. Ohata fue responsable de los diseños mecánicos principales, pero otros miembros del personal, como Yasuhiro Moriki, participaron en el proceso de finalización. Las escenas de lucha finales se concibieron para tener lugar en un entorno muy iluminado con fondos detallados, pero debido a limitaciones, hubo que tomar decisiones más sencillas. El director de arte Yoshinori Takao recordó haber tenido dificultades para decidir la iluminación, con la complejidad añadida del movimiento de los personajes, y por lo tanto trabajó para definir claramente su relación situacional. Ohata admitió que el fondo estaba demasiado oscuro y que el diseño previsto habría sido demasiado exigente para su equipo. Otras secuencias del guion gráfico, como una pelea entre Geist y el Coronel Crutes, finalmente se eliminaron.
Liberar
MD Geist fue lanzado originalmente en Japón por Nippon Columbia y reeditado bajo el sello Denon . En 1988, Gaga Communications produjo un tráiler de la OVA bajo el título Thunder Warrior junto con una serie de otros títulos de anime que la compañía esperaba vender al mercado norteamericano . MD Geist fue lanzado en Norteamérica por Central Park Media en 1992; dos años antes, la compañía usó Geist como logotipo para su sello de anime principal US Manga Corps. La curiosidad de los fanáticos por el logotipo de US Manga Corps impulsó las ventas nacionales de la OVA y llevó a Central Park Media a colaborar con el cocreador Koichi Ohata en la producción de una secuela. En 1996, Central Park Media lanzó MD Geist – Director’s Cut , que presentaba aproximadamente cinco minutos de metraje adicional, incluyendo una nueva introducción y epílogo que allanaron el camino para la secuela. Meses después, CPM lanzó MD Geist II: Death Force . Además, la compañía encargó a Ohata y al artista estadounidense Tim Eldred que ilustraran la adaptación en cómic.
En Estados Unidos , el canal Sci Fi Channel estrenó MD Geist I y II durante su bloque Ani-Monday a medianoche EST el 29 de septiembre y el 6 de octubre de 2008, respectivamente. Tras el cierre de Central Park Media, MD Geist fue relicenciado por ADV Films y se reeditó en DVD en julio de 2009. Actualmente está disponible para descarga digital en iTunes a través de Manga Entertainment , junto con Now and Then, Here and There .
Adaptaciones
Coincidiendo con el lanzamiento de MD Geist (Director’s Cut) y MD Geist II: Death Force , CPM Comics publicó una adaptación en cómic escrita y dibujada por Tim Eldred, con Ohata a cargo de la portada, para la adaptación de tres números de la OVA. Este cómic se basó en la traducción al inglés de CPM de la OVA original de 1986, que presentaba varios errores de atribución de diálogos en la publicación de CPM. La nomenclatura sigue la traducción de CPM, donde el personaje Paia se conoce como “Vaiya”, Negsrom aparece como “Nexrum” y “Negstrom”, y el Coronel Crutes como “Kurtz”.
Recepción
Darius Washington, de la revista Otaku USA, definió la versión original de MD Geist como “un vídeo de acción entretenido con valores de producción aceptables, elementos únicos y un giro divertido y psicótico”. El propietario de Central Park Media , John O’Donnell, lo llamó en broma “el mejor anime malo jamás hecho”.
装鬼兵MDガイスト
(Sōkihei MD Geist) Género Aventura , Mecha / Animación de vídeo original El soldado más peligroso Dirigido por Hayato Ikeda Escrito por Sanjo Riku Música de Yoichi Takahashi Estudio Production Wave Zero-G Room (Director’s Cut scenes) Con licencia de N / A : US Manga Corps (1992–2009) ADV Films (2009) Reino Unido : Películas Kiseki Liberado 21 de mayo de 1986 – 1 de marzo de 1996 ( Versión del director ) Tiempo de ejecución 40 minutos / 50 minutos ( Versión del director )
Starchaser: The Legend of Orin es una película estadounidense de ópera espacial animadade 1985 dirigida y producida por Steven Hahn y escrita por Jeffrey Scott. Fue estrenada originalmente en3D por Atlantic Releasing . Starchaser: The Legend of Orin fue una de las primeras películas animadas en combinar animación tradicional y por computadora, así como una de las primeras en estrenarse en 3D.
Trama
En el planeta Trinia, los esclavos humanos viven bajo tierra desde hace milenios extrayendo cristales para su dios Zygon y sus robots . El joven minero Orin encuentra una espada enjoyada incrustada en las rocas. Hopps, abuelo de Elan, la novia de Orin, la reconoce y muere salvando a Orin y manteniendo la espada en secreto. Orin finalmente toma la espada, que levita y se entierra en el suelo de la caverna. La hoja proyecta la imagen de un anciano, diciendo que sobre las cavernas hay un “magnífico universo “. Luego, la hoja desaparece, dejando solo la empuñadura.
Orin y Elan deciden explorar este universo y encontrar la espada. Perseguidos por robots, emergen en un complejo industrial, donde Zygon mata a Elan. Orin escapa, cava un túnel hasta la superficie de Trinia, donde una misteriosa “Starfly” se une a él, y es capturado por androides, híbridos orgánico-robóticos en descomposición que pretenden matarlo y usar sus partes corporales para reemplazar las suyas. La empuñadura de la espada entonces produce una hoja invisible, matando a dos androides y ayudando a Orin a escapar. Posteriormente, Orin se topa con el contrabandista humano Dagg Dibrimi, quien se niega a creer que haya esclavos en las minas. Dagg roba cristales de un carguero flotante antes de encontrarse con Zygon y sus robots. Dagg captura a la fembot Silica, la usa como escudo contra los disparos láser y escapa con Orin. Posteriormente, reprogramada por Dagg, Silica se une a él.
Dagg vuela su nave espacial al planeta Bordogon, abandona a Orin y entrega a Silica a un subastador de esclavos. Orin vaga por Bordogon, investigando la ubicación de la espada. Una adivina menciona un lugar llamado Novaluna. Más tarde, Orin ve a Silica en venta y ofrece un alto precio por ella. Al descubrir que Orin desconoce la moneda local, el subastador le quita la libertad a Orin además de la de Silica; pero Dagg, sintiéndose culpable, los libera. Posteriormente, Dagg y Orin visitan a dos mercaderes, a quienes Dagg vende los cristales. Como Zygon ha puesto precio a la cabeza de Orin, los mercaderes también se ofrecen a comprarlo, pero Dagg se niega. En respuesta, los mercaderes colocan una bomba en el pago de Dagg, pero Orin es advertido por Starfly, y Dagg lanza la bomba al campamento de sus enemigos. Después, Dagg acepta llevar a Orin a Novaluna, pero los robots de Zygon los derriban. Dagg es capturado; Orin es arrojado por la borda del barco, pero Aviana, la hija del gobernador de Bordogon, lo rescata.
El ordenador de Aviana revela que la empuñadura ha sido utilizada históricamente por guardianes legendarios conocidos como los Kha-Khan para vencer las amenazas a la humanidad. Entre estas amenazas se encontraba el tirano Nexus, tras cuya derrota la empuñadura desapareció hasta que Orin la encontró. Aviana lleva a Orin a Trinia, donde aparece Zygon, y en la batalla subsiguiente Orin desenmascara a Zygon como un robot. Zygon revela que es Nexus, buscando de nuevo controlar a la humanidad con sus robots. Zygon se apodera de la empuñadura, mientras que Orin y Aviana son encarcelados en el bloque de celdas donde también está cautivo Dagg. Aviana es finalmente llevada a bordo de la nave insignia de Zygon como rehén. La Starfly le trae la empuñadura a Orin, quien la usa para liberarse a sí mismo y a Dagg. Luego toman el control de la nave insignia de Zygon y destruyen la flota enemiga con la ayuda de la Starfly. Tras restaurar la nave espacial de Dagg, Silica se reúne con ellos.
El grupo de Orin penetra en la base de Zygon, pero es atacado por más robots. Mientras Dagg y Silica se quedan atrás para luchar contra sus perseguidores, Orin entra en su caverna original y comienza a denunciar a Zygon, quien lo ataca y lo domina. Tres Starflies aparecen y se fusionan en una, declarando que Orin no necesita la empuñadura, ya que “nunca hubo una espada”; el poder para crear una fuerza cortante provenía del propio Orin. Orin usa esta fuerza para matar a Zygon, y su pueblo se rebela y conquista su libertad .
Arriba, Silica ataca por error los cristales acumulados, que explotan, desencadenando una reacción en cadena que amenaza con derrumbar las minas. Con la ayuda de Orin, su gente escapa a la superficie de Trinia, donde él usa su nuevo poder para curar la ceguera de su hermano Calli. Varias Libélulas Estelares aparecen y se revelan como los espíritus del anterior Kha-Khan, incluido el hombre de la proyección de la empuñadura, y le ofrecen a Orin un lugar entre ellos. Orin se niega a unirse a ellos por el momento para vivir con sus amigos y familiares, y el Kha-Khan se marcha.
Steven Hahn, un veterano animador de animación para televisión, decidió durante el receso producir un largometraje para darle a su estudio de animación surcoreano algo en lo que trabajar. Jeffrey Scott había trabajado como guionista en varios de los proyectos televisivos de Hahn, por lo que Hahn lo contactó para colaborar en una película con Scott escribiendo Escape to the Stars , que serviría como base para Starchaser .
La producción de Starchaser comenzó en 1982 con la intención de estrenarla en 1983, pero los problemas con el proceso 3D provocaron que la película se retrasara dos años y que su presupuesto se disparara de los 2 millones de dólares inicialmente previstos a 6 millones. El director Steven Hahn dijo sobre la producción:
Como no había habido una película de animación de esta magnitud antes, tuvimos que empezar desde cero. El aspecto 3D duplicó la cantidad de rodaje necesario. A menudo se producían errores, algunos de los cuales requerían repeticiones que normalmente no habrían sido necesarias en una película de animación tradicional.
Se utilizó un trazador digital para transferir el CGI al papel, algo que nunca se había hecho antes en animación. Starchaser: The Legend of Orin también se identifica como el primer proyecto animado de larga duración del mundo realizado en formato 3D , aunque una película anterior, Abra Cadabra (1983), también se produjo en 3D.
Liberar
La película fue estrenada en Estados Unidos y Canadá por Atlantic Releasing el 22 de noviembre de 1985, recaudando 1,6 millones de dólares en su primer fin de semana en 1020 pantallas, lo que la convirtió en la número 6 en la taquilla estadounidense. Recaudó 3,3 millones de dólares en total en Estados Unidos y Canadá. La película no tuvo éxito en Corea del Sur, donde se realizó la producción de animación.
Starchaser: The Legend of Orin se lanzó en VHS y Laserdisc el 25 de marzo de 1986 por Paramount Home Video y también por KVC Home Video. El DVD se lanzó el 21 de junio de 2005 por MGM Home Entertainment .
Recepción
Vincent Canby describió la película en The New York Times como “un plagio tan descarado de Star Wars de George Lucas que uno podría pensar que habrían llamado a abogados”.
Gene Siskel y Roger Ebert calificaron la película con un “pulgar hacia abajo”, ya que ambos la consideraron poco inspirada y también opinaron que era una copia de Star Wars .
Alex Stewart reseñó Starchaser: The Legend of Orin para White Dwarf #79 y afirmó que “si te encuentras atrapado con una casa llena de mocosos en un fin de semana lluvioso, clamando por un poco de caos inofensivo, entonces Starchaser es para ti. Los mantendrá tranquilos y probablemente tú también lo encontrarás divertido”.
Pleito
Varios meses antes de su estreno, se presentó una demanda por la película entre John Lemmons Films, Inc. y Atlantic Releasing Corp.
Adaptaciones
En marzo de 2012, Rilean Pictures adquirió los derechos para desarrollar la película animada en 3D de 1985, Starchaser: The Legend of Orin, en una película de acción real, producida por los socios de Rilean Pictures, Jonathan Saba y Juan Iglesias.
Adolescencia de Utena es una película japonesa de animaciónromántica y fantasía de 1999. Es una continuación de la serie de anime de 1997 Revolutionary Girl Utena , creada por el colectivo artístico Be-Papas . La película está dirigida por Kunihiko Ikuhara , escrita por Yōji Enokido basándose en una historia de Ikuhara y producida por el estudio de animaciónJCStaff . Una versión doblada al inglésde la película, producida por Central Park Media , se estrenó en 2001 como Revolutionary Girl Utena: The Movie .
La trama sigue a Utena Tenjou , una estudiante de secundaria con aires de chico que se ve envuelta en una serie de duelos de espadas para ganar la mano de Anthy Himemiya , una misteriosa estudiante conocida como la “Novia Rosa”. La película destaca por su amplio uso de metáforas y simbolismos ; su enfoque en temas de género, sexualidad y la transición de la adolescencia a la edad adulta; y por su temática más madura en comparación con la serie de anime.
Contexto
Adolescence of Utena es la última de las tres entregas principales de la franquicia multimedia Revolutionary Girl Utena , después del manga de 1996 y la serie de anime de 1997. Aunque existen diferencias significativas en el desarrollo de la trama entre el manga, la serie de televisión y la película, las tres cuentan la misma historia básica, utilizando la misma trayectoria narrativa general y los mismos personajes. La serie es altamente intertextual , y Adolescence of Utena en particular se basa en gran medida en elementos de la trama y la caracterización establecidos en la serie de anime.
Trama
Utena Tenjou, una nueva estudiante de la Academia Ohtori, recorre la escuela con su compañera Wakaba Shinohara. Observa un combate de esgrima entre las estudiantes Juri Arisugawa y Miki Kaoru, y poco después se encuentra con su exnovio Touga Kiryuu. Tras la partida de Touga, descubre un anillo de sello con una rosa grabada , idéntico al que él llevaba, dentro de una rosa blanca. Utena se adentra en un jardín de rosas y conoce a Anthy Himemiya, la hermana del ausente director de la escuela, Akio Ohtori. Kyouichi Saionji, otro estudiante con un anillo de rosa, la llama la “Novia Rosa” y, al ver el anillo de Utena, la reta a un duelo de espadas. Utena sale victoriosa usando una espada que extrae del pecho de Anthy.
Esa noche, Anthy visita el dormitorio de Utena e intenta tener relaciones sexuales con ella, pero es rechazada. Cuando Utena le pregunta a Anthy sobre el duelo y los anillos, Anthy responde que los anillos identifican a sus portadores como duelistas, que está prometida a quien gane los duelos y que quien posea la Novia Rosa tiene el “poder de revolucionar el mundo”. En otro lugar, Shiori Takatsuki, amiga de la infancia de Juri, le cuenta a Touga que, de niña, su “príncipe” murió intentando salvar a una niña que se ahogaba. Reciben una llamada de Akio, quien les dice que Anthy es una bruja que convirtió al señor de las moscas en príncipe, pero que cuando su magia se desvaneció, el príncipe recuperó su verdadera forma; los duelos se organizan para intentar reactivar su magia. Juri, manipulada por Shiori para batirse en duelo con Utena, es derrotada tras presenciar cómo Utena se transforma aparentemente en el príncipe de Anthy.
El club de radiodifusión de la escuela descubre un video que sugiere que Anthy fue drogada y violada previamente por Akio. El cadáver de Akio es encontrado enterrado en el jardín de Anthy poco después, lo que conmociona a la escuela al revelarse que lleva mucho tiempo muerto. Un segundo video muestra a Anthy lúcida durante la violación, lo que provoca que un Akio aterrorizado la apuñale y caiga accidentalmente por una ventana, muriendo en el acto. Utena busca a Anthy y encuentra a Touga; de repente recuerda que Touga es el “príncipe” al que se refería Shiori, y que murió salvando a Juri de ahogarse cuando eran niños. Utena le agradece a Touga por ser su “príncipe”, y él desaparece. Utena encuentra a Anthy y le dice que deberían ir “al mundo exterior”, momento en el que Utena es engullida por un lavadero de autos y se transforma en un automóvil. Anthy entra en el automóvil y lo conduce lejos de la academia, aunque una flota de tanques y Shiori, también en forma de automóvil, intentan detenerla. Anthy recibe ayuda para escapar de Juri, Miki, Saoinji y Wakaba, quienes, inspirados por Utena y Anthy, también se han dirigido al “mundo exterior”. Una aparición de Akio intenta detener a Anthy, pero ella lo reprende con una explosión de rosas. Utena y Anthy emergen montadas en los restos del coche y se besan mientras se adentran en un páramo gris, con un cielo azul sobre las nubes.
Producción
La película Adolescence of Utena fue producida por JCStaff , en asociación con la editorial Shogakukan y la productora GANSIS. El comité de producción, Shojo Kakumei Utena Seisaku Iinkai ( literalmente , “Comité de Producción de la Revolucionaria Chica Utena”), estuvo integrado por Sega Enterprises , MOVIC y King Records . La distribución de la película estuvo a cargo de Toei Company .
Desarrollo
Adolescence of Utena fue desarrollada por Be-Papas , el colectivo artístico fundado por Ikuhara que produjo la serie de anime Utena . Ikuhara expresó su deseo de crear una película que intensificara los temas y el material del anime original, buscando “hacer en la película lo que no pude lograr en la serie de televisión”, y declaró en tono de broma que deseaba que Adolescence of Utena fuera “más traviesa que la serie de televisión”.
A diferencia de la estructura de elenco coral de la serie de anime, Adolescence of Utena se centra principalmente en los personajes Utena y Anthy, con gran parte del elenco secundario relegado a papeles secundarios y cameos. La versión de Utena en la película se representa como más masculina, apareciendo inicialmente con cabello corto y ropa de niño, mientras que Anthy es más decidida y abiertamente sexual; el subtexto romántico de la relación de Utena y Anthy se representa además de forma más explícita. Chiho Saito, miembro de Be-Papas, ha declarado que “los personajes que no fueron tratados con amabilidad en la serie de televisión recibieron atención, así que creo que [la película] fue comprensiva en ese sentido”. Saito abogó por un papel destacado para Touga en la película, cuya historia de fondo se explora con mayor detalle en relación con la serie de anime de televisión; Ikuhara ha declarado que la escena final de Touga en Adolescence of Utena es la favorita de Saito en la serie. Por el contrario, Nanami Kiryuu solo hace una aparición cameo en la película como una vaca, en una escena insertada por Ikuhara para hacer referencia a un episodio de la serie de anime y para servir como alivio cómico.
Animación
Adolescence of Utena se estrenó en película de 35 mm , y se creó utilizando una combinación de animación tradicional y digital . La secuencia de títulos de apertura se creó modificando gráficos digitales a través de la edición de composición no lineal utilizando una supercomputadora , un proceso relativamente nuevo para la animación en ese momento. La escena de apertura que muestra la arquitectura de la Academia Ohtori y la escena de baile con Utena y Anthy fueron animadas completamente digitalmente utilizando 3-D Works. Ikuhara había expresado dudas sobre el uso de la animación digital, afirmando que los gráficos por computadora en el anime “tienden a ser duros y fríos”, pero expresó satisfacción con la fusión perfecta de la escena de baile digital con el resto de la animación tradicional de la película. Cuando Adolescence of Utena se remasterizó en 2011, los elementos digitales de la escena de baile se hicieron más evidentes al renderizarse como video de alta definición , lo que llevó a Ikuhara y al colorista Hiroshi Kaneda a retransferir exhaustivamente la película.
Cada escena tenía múltiples diseños y direcciones artísticas; por ejemplo, Ikuhara ha declarado que la escena en la que Touga habla por primera vez con Utena se representó inicialmente completamente en monocromo , pero finalmente se agregaron colores para hacer la escena más interesante visualmente. Otros diseños se adaptaron de elementos utilizados previamente en la serie de televisión, como el dormitorio de Utena y la secuencia del pasillo del Seminario Mikage, esta última incluida en base a la popularidad de Mikage entre los fanáticos de la serie. Se contrató a animadores que se especializaban en anime mecha para trabajar en la secuencia final de persecución de autos, y Ikuhara señaló que varios de los animadores expresaron confusión inicial sobre por qué los estaban contratando para trabajar en una película de Utena . La película no se realizó con un guion gráfico centralizado , sino que se dividió entre cinco guionistas gráficos que supervisaron cada uno un segmento de la película. Los segmentos se denotaban con letras; Takuya Igarashi , quien trabajó como artista de guiones gráficos en la serie de anime y supervisó los guiones gráficos de la “parte A” de la película, comentó que los guiones gráficos, sin embargo, mantuvieron la cohesión gracias a la dirección de Ikuhara.
Banda sonora
Shinkichi Mitsumune y JA Seazer , quienes compusieron respectivamente la música y las canciones de la serie de anime Revolutionary Girl Utena , regresaron para componer la banda sonora de Adolescence of Utena . Mitsumune compuso la banda sonora de la película y arregló sus canciones originales, mientras que Seazer produjo la música y la letra de las dos canciones de duelo de la película, “Duelist ~ Resurrection! Never-ending History of the ‘Middle Ages'”. (デュエリスト~甦れ!無窮の歴史「中世」よ, Yomigaere! Mukyuu no Rekishi “Chuusei” yo ) y “Naked Rose ~ Carnage ~ Constellations αΨζ Galaxy” (シュラ―肉体星座αψζ星雲― , Shura ~ Nikutai Seiza Alpha Psi Zeta Seiun~ ) . También aparece en la película una versión reorganizada de “Absolute Destiny Apocalypse” (絶対運命黙示録, Zettai Unmei Mokushiroku ) , previamente escrita y compuesta por Seazer para la serie de anime.
Además de las canciones producidas por Mitsumune y Seazer, en la película también aparecen dos canciones producidas por Toshiro Yabuki e interpretadas por Masami Okui : ” At Times, Love Is… [ ja ] ” (時に愛は, Toki ni Ai wa ) y ” Rondo-Revolution ” (輪舞-revolution ) “, la última de las cuales sirvió como tema principal de la serie de anime y está reorganizada por Mitsumune para la película El tema de los créditos finales de la película es ” Quiero ser tu prometido [ ja ] ” (フィアンセになりたい) , escrito e interpretado por el actor de voz de Akio.
Liberar
Adolescence of Utena se estrenó en cines en Japón el 14 de agosto de 1999. En Norteamérica, la película se estrenó en la Anime Expo en Anaheim, California , que se celebró del 30 de junio al 3 de julio de 2000. La película se proyectó varias veces durante la convención, con Ikuhara y Saito presentes en algunas proyecciones. La película también se proyectó en el 26.º Festival Internacional de Cine Lésbico y Gay de San Francisco (con Ikuhara presente), el Future Film Festival en Bolonia , el National Film Theater en Londres y el Museo de Arte Moderno en la ciudad de Nueva York .
Medios domésticos
En Japón, Adolescence of Utena fue lanzado en DVD por King Records el 3 de marzo de 2000. La película fue lanzada en Blu-ray por King Records el 15 de noviembre de 2017, como parte de un set de caja de la serie completa para conmemorar el 20 aniversario de la serie de anime. En Norteamérica, los derechos de licencia de Adolescence of Utena fueron adquiridos por Central Park Media el 31 de enero de 2001, que produjo Revolutionary Girl Utena: The Movie , una versión doblada al inglés de la película. El elenco de voces en inglés de la versión doblada de la serie de anime para televisión retoma sus papeles para la película. La localización al inglés de la película fue supervisada por Ikuhara, quien viajó a los Estados Unidos para supervisar la traducción de la película; Takayuki Karahashi, quien tradujo la película, fue seleccionado personalmente por Ikuhara.
Revolutionary Girl Utena: The Movie se estrenó en Norteamérica en DVD y VHS el 23 de octubre de 2001. El lanzamiento en DVD incluye tanto la película original japonesa como el doblaje en inglés, mientras que el lanzamiento en VHS incluye solo el doblaje en inglés. Funimation adquirió los derechos de transmisión de la película de Central Park Media para su canal Funimation el 10 de abril de 2007, que emitió por primera vez Revolutionary Girl Utena: The Movie el 5 de mayo de 2007. Tras la disolución por bancarrota de Central Park Media en 2009, Right Stuf Inc. adquirió los derechos de licencia para Norteamérica de la película el 3 de julio de 2010. La película fue relanzada como Adolescence of Utena por Nozomi Entertainment, una división de Right Stuf, en DVD el 6 de diciembre de 2011, y en Blu-ray el 5 de diciembre de 2017. En Australia, Adolescence of Utena fue licenciada por Hanabee, que lanzó la película en DVD el 20 de noviembre de 2013. La película está incluida con el volumen final del lanzamiento de tres volúmenes de Hanabee de la Serie de televisión de anime Revolutionary Girl Utena .
Otros medios
La banda sonora original de Mitsumune y Seazer para la película se lanzó el 14 de agosto de 1999 en Japón y el 8 de junio de 2004 en Norteamérica. La versión japonesa fue publicada por King Records, mientras que la versión norteamericana fue publicada por Geneon , una división de Pioneer . La edición japonesa incluye notas de Mitsumune y Seazer, mientras que la edición norteamericana contiene notas adicionales de Ikuhara y Saito. Se incluyó una versión remasterizada de la banda sonora como parte del CD-BOX completo de Revolutionary Girl Utena , lanzado por King Records en Japón el 27 de agosto de 2008. Libro de arte An Adolescent of Utena, Revolutionary Girl Utena Adolescent Apocalypse: Newtype Illustrated Collection (劇場版少女革命ウテナアドゥレセンス黙示録) , fue publicado por Kadokawa Shoten el 14 de marzo de 2000.
Recepción
Recepción crítica
Adolescence of Utena fue recibida positivamente por la crítica. En el ranking de Anime News Network de las 100 mejores películas de anime de todos los tiempos, Adolescence of Utena ocupó el octavo lugar, y el escritor Mike Toole la calificó como “una de las películas de anime más interesantes de los 90 y una de las películas animadas más bonitas jamás hechas”. Vulture incluyó la escena de la transformación del coche en su lista de “Las 100 secuencias que dieron forma a la animación”, argumentando que ” Adolescence of Utena hace por el anime de chicas mágicas lo que Neon Genesis Evangelion hizo por el anime de mechas: arrasar con las reglas anteriores para crear un nuevo lenguaje audaz propio”.
En su reseña para Dazed , la escritora Evelyn Wang elogia la coherencia de los elementos discordantes de la película, clasificándola junto con películas de alto concepto como Elle y Face/Off que son “desastres que logran silenciosamente la perfección”. Wang ofrece elogios específicos para el simbolismo visual de la película, diciendo que “la película no es solo estéticamente agradable. También es estéticamente precisa”. Escribiendo para The Post Calvin de la Universidad Calvin , Jacqueline Ristola llama a la película una “obra maestra del anime” y “una declaración unificada sobre la liberación y la revolución personal […] la película exorciza la lógica narrativa para la pura literalización de la metáfora, y la lleva al extremo”. THEM Anime le dio a la película tres de cinco estrellas, calificándola como “posiblemente la película visualmente más hermosa que he visto”, pero criticó la escena de transformación del automóvil del clímax. Animefringe elogió los efectos visuales y la banda sonora de Adolescence of Utena , calificando la película de “pura belleza”.
La adaptación al manga de Adolescence of Utena fue igualmente bien recibida por la crítica. Rebecca Silverman, de Anime News Network, afirmó que la adaptación está “mucho mejor hecha en general” en comparación con el manga Revolutionary Girl Utena , y elogió su material temático. Otaku USA señaló que la adaptación al manga está “mucho más cerca del tono del anime”, pero “no llega al extraordinario clímax” de Utena transformándose en un coche. Manga Bookshelf elogió la “cualidad etérea” del arte del manga y señaló que, si bien el título sería mejor apreciado por lectores familiarizados con Utena , no obstante “tiene cierta importancia y efectividad como obra independiente por derecho propio”.
Premios
En 2000, Adolescence of Utena ganó el premio a “Mejor película, estreno japonés” en los Premios SPJA, otorgados anualmente por la Sociedad para la Promoción de la Animación Japonesa en la Anime Expo .
Temas y análisis
Adolescence of Utena ha sido señalada como una película temática y simbólicamente densa, a menudo en un grado altamente surrealista y abstracto , con Animerica Extra llamando a la película “una extraña colección de imágenes que podrían verse como alegóricas, evidencia de una fantástica vida interior, o simplemente símbolos de la lucha de un individuo por encontrar su lugar en la sociedad”. Ikuhara ha expresado reticencia a atribuir un significado explícito a los temas y símbolos de la película, afirmando que preferiría “que el espectador decida” lo que la película representa. Sin embargo, ha hablado en términos generales sobre la intención artística general de la película, particularmente en torno a su representación de la transición de Utena de la adolescencia a la adultez y su “partida del mundo de dependencia de la niña al mundo de un adulto”. La película ha sido comparada por los críticos con The End of Evangelion , otra película de anime que se centra de manera similar en temas de juventud, identidad y apocalipsis.
Quería transmitir la idea de lo que significa convertirse en adulto. En otras palabras, en el mundo de los adultos no existen personas de corazón puro. Entonces, ¿qué harías al darte cuenta de esto? Si te percatas de que el mundo de los adultos es un lugar turbio donde nadie con un corazón puro puede vivir, ¿lo evitarías y te quedarías como un niño, viviendo en un mundo de sueños infantiles y hermosos? ¿O entrarías al mundo adulto de todos modos, aun sabiendo que no es un mundo puro?
— Kunihiko Ikuhara , director y cocreador de la serie, pista de comentarios del director de Adolescence of Utena , 2001
Escena de transformación del coche
La escena culminante de Adolescencia de Utena , en la que Utena se transforma en un coche deportivo rosa que Anthy usa para escapar de la Academia Ohtori, ha sido objeto de considerable debate entre fans y críticos. Ikuhara ha declarado que encontró resistencia por parte del equipo de la película al implementar la escena, pero que deseaba crear un clímax que hiciera la película memorable y que fuera único en comparación con otras películas de acción y drama. Más allá de esto, Ikuhara se ha negado a ofrecer una explicación más sustancial de por qué Utena se transforma específicamente en un coche, afirmando que hacerlo “limitaría el significado de la historia y la haría menos interesante”. Sin embargo, ha descrito la escena en el contexto de la subversión de los roles de la relación entre Utena y Anthy en la película:
“Está la historia de La Bella Durmiente , donde la princesa, que ha estado dormida durante mucho tiempo, es despertada por el príncipe. Pero el personaje de Utena ha sido el príncipe desde el principio de esta historia. Así que la idea de que Utena se convierta en un coche sugiere que la están sumiendo en el sueño. Pensé que sería interesante invertir los roles que desempeñan Utena y Anthy en sus respectivas relaciones. En otras palabras, Utena es quien se convierte en la princesa. Es ella quien se ve obligada a dormir. Y solo Anthy puede liberar a Utena de este sueño. Así es como termina todo. Pensé que sería muy interesante invertir sus roles.”
Los coches aparecen como un motivo recurrente en varias obras de Revolutionary Girl Utena , sobre todo el coche deportivo de Akio en el tercer arco argumental de la serie de televisión. Ikuhara declaró que se inspiró en el auge de los superdeportivos de la década de 1970 y en cómo los coches deportivos son “algo que satisface deseos infantiles en el mundo adulto […] mi idea de un coche es algo que está muy cerca de un juguete para adultos”. Susan J. Napier ha argumentado que el Utena-Car destruyendo a Akio es representativo de la crítica más amplia de la serie a los cuentos de hadas y las trampas ilusorias del manga shōjo , ya que Utena “se convierte literalmente en un vehículo para el cambio” que rechaza las ilusiones oníricas de la Academia Ohtori y lleva a Anthy y a sus compañeras de clase a un mundo iluminado. Vulture describió la escena como “una imagen de liberación para un grupo minoritario que todavía está sujeto a ideales conservadores”, diciendo que también era “resonante en el ámbito de la imaginería transgénero, donde la definición de uno mismo puede permitirte ser quien o lo que quieras”.
Género y sexualidad
Si bien cualquier dimensión romántica o sexual en la relación entre Utena y Anthy se relega al subtexto tanto en el manga como en el anime, Adolescence of Utena muestra su relación de forma mucho más explícita: se besan varias veces y Anthy le hace proposiciones sexuales a Utena al principio de la película. Según Ikuhara, el equipo de la película estaba dividido sobre si representar abiertamente o simplemente insinuar un beso entre Utena y Anthy, pero que el beso se incluyó por decisión suya. Posteriormente, la película se ha vuelto popular entre los fans del yuri (manga y anime lésbico) y a menudo se clasifica como cine LGBT .
En su artículo para Intersections: Gender, History and Culture in the Asian Context , Sabdha Charlton sostiene que la categorización de Adolescence of Utena como una película lésbica «refleja un deseo específicamente occidental de interpolar el texto en nociones preexistentes de lesbianismo y deseo entre personas del mismo sexo». Argumenta que la película, en cambio, busca «un rechazo de los discursos dominantes de género y sexualidad […] Utena invierte en la noción romántica de la revolución como capaz de cambiar fundamentalmente el mundo borrando las categorías de género y sexualidad, incluso mientras invierte en estas mismas categorías». Napier adopta una posición similar, argumentando que la escena final de la película representa «la necesidad de integración de dos lados del yo», siendo la unión de la masculina Utena y la femenina Anthy «un reconocimiento de la necesidad de una psique integrada, independientemente del género o la orientación sexual».
Ohtori como prisión
El concepto de la Academia Ohtori como una prisión metafórica o jaula dorada , establecido en el manga y el anime televisivo, se amplifica en Adolescence of Utena . La versión cinematográfica de la Academia Ohtori tiene una apariencia surrealista y está inspirada en una combinación de arquitectura constructivista , deconstructivista y Art Nouveau . El artista de storyboard Takuya Igarashi describe la apariencia de la versión cinematográfica de Ohtori como “aún menos arraigada en la realidad” en comparación con la serie de anime, señalando que “nunca se puede ver nada del mundo exterior. Esto deja la fuerte impresión de que es una jaula para pájaros o una cárcel.
Escribiendo para el British Film Institute , Philip Brophy describe Ohtori en la película como “no solo una esfera social hermética, sino una muñeca rusa de reinos interiores y disfrazados de conflicto sexual y multiplicidad de género; su diseño arquitectónico es una visualización alucinante de la manía dimensional de la escuela”. Charlton señala que Ohtori se representa como “angular, distorsionado y a menudo mostrado en planos generales que enfatizan el espacio y la distancia”. El plano de establecimiento de la película de Utena, en el que aparece con un fondo de pizarras que se mueven de forma antinatural, fue insertado por Ikuhara para “establecer el tono adecuado y transmitir al público que este es un mundo extraño”.
Estado canónico
Adolescence of Utena ha sido interpretada alternativamente como una adaptación independiente de Revolutionary Girl Utena que existe en su propia continuidad, y como una secuela que es contigua a los eventos de la serie de anime. Charlton concibe la película como una narrativa de universo alternativo , reconociendo que la película es “difícil de entender sin conocimiento previo de las tramas y caracterizaciones de la serie. Esto significa que las comparaciones entre las dos son inevitables”. Por el contrario, el crítico Vrai Kaiser argumenta que la naturaleza contigua de estos elementos de la trama y los personajes, en particular la personalidad asertiva que Anthy ha desarrollado al final de la serie de anime, es evidencia del estatus de secuela de la película, señalando que la película “comienza casi en el punto exacto donde termina la serie, lo que anima a un espectador perspicaz a relacionar las dos […] Las reacciones de Anthy a lo largo de la película tienen mucho más sentido si se ven desde la perspectiva de que es la misma Anthy de la serie de televisión”.
Kanji 少女革命ウテナ アドゥレセンス黙示録 Significado literal La revolucionaria Utena: Apocalipsis adolescente Dirigido por Kunihiko Ikuhara Escrito por Yoji Enokido Producido por Yuji Matsukura / Atsushi Moriyama Protagonizada por Tomoko Kawakami / Yuriko Fuchizaki / Takehito Koyasu / Takeshi Kusao / Aya Hisakawa / Kumiko Nishihara / Mitsuhiro Oikawa Cinematografía Toyomitsu Nakajo Editado por Shigeru Nishiyama Música de Shinkichi Mitsumune / JA Seazer Compañía productora Personal de JCS Distribuido por Compañía Toei Fecha de lanzamiento 14 de agosto de 1999 Tiempo de ejecución 87 minutos País Japón Idioma japonés
Lupin III: Adiós a Nostradamus ( japonés :ルパン三世 くたばれ!ノストラダムス, Hepburn : Rupan Sansei Kutabare! Nosutoradamusu ; iluminado. “Lupin III: Die! Nostradamus”) es una película japonesa animada de ciencia ficción, acción y aventurasde 1995. Es el quinto largometraje de animación basado en la serie de mangaLupin III de 1967-69 de Monkey Punch y la primera vez que Kanichi Kurita proporciona la voz de Lupin, tras la muerte de Yasuo Yamada ; Aparece un homenaje a él después de los créditos en el lanzamiento japonés original.
En la película, Lupin III y su banda ponen sus ojos en el libro de Nostradamus, lo que a su vez atrae el interés de un candidato a la presidencia de Estados Unidos, así como de un culto que venera a su autor.
Funimation Entertainment lanzó la película en DVD en Norteamérica ; se publicó individualmente y posteriormente se incluyó en la caja recopilatoria “Final Haul”. Por razones desconocidas, Funimation eliminó el homenaje a Yasuo Yamada de su lanzamiento. Discotek Media la lanzó en Blu-ray .
Sinopsis
Ambientada en enero de 1999, un simple robo de diamantes lleva a Lupin a las intrigas de una extraña secta apocalíptica basada en las profecías de Nostradamus. El plan de la secta consiste en secuestrar a Julia, la hija de Douglas, un acaudalado estadounidense que aspira a la presidencia en el año 2000. En juego está el libro perdido de Nostradamus, que Douglas guarda en una bóveda de alta tecnología en lo alto de su rascacielos. ¿Podrá Lupin rescatar a Julia, encontrar la manera de entrar en la bóveda y descubrir la conexión entre la secta y el secuestro? ¿Y qué pasará con su diamante?
Dirigido por Shunya Ito [ a ] / Takeshi Shirato Guion de Hiroshi Kashiwabara / Shunya Ito Residencia en Lupin III de Monkey Punch Producido por Tadahito Matsumoto / Kyo Ito / Toshio Nakatani / Kazuaki Ito Protagonizada por Kanichi Kurita / Kiyoshi Kobayashi / Makio Inoue / Goro Naya / Eiko Masuyama Cinematografía Hajime Hasegawa Editado por Takeshi Seyama Música de Yuji Ohno
Empresas productoras Película de Tokio Shinsha Película de animación de telecomunicaciones Distribuido porToho Fecha de lanzamiento 22 de abril de 1995 Tiempo de ejecución 98 minutos País Japón Idioma japonés
Escaflowne ( en japonés :エスカフローネ, Hepburn : Esukafurōne ) es unapelícula japonesa de aventuras y fantasía oscura animada de 2000 producida por Sunrise y animada por el estudio Bones . Dirigida por Kazuki Akane , la película es una nueva versión de la serie de anime de 26 episodios The Vision of Escaflowne . La película fue licenciada parasu lanzamiento en la Región 1 por Bandai Entertainment , que le dio un estreno en cines en enero de 2002.
También se ha publicado en Japón una banda sonora y dos CD de audio drama relacionados con la serie por Victor Entertainment . Asimismo , Ryota Yamaguchi escribió una novelización que fue publicada en 2000 por Kadaokawa Sneaker Bunko .
Trama
Hitomi Kanzaki está en crisis. Su vida ha perdido sentido y la atormentan sueños extraños. Está deprimida y lo único que desea es desaparecer. Tras una ruptura con su única amiga, es misteriosamente invocada a otro mundo, Gaea, donde se encuentra dentro de Escaflowne, un arma apocalíptica destinada a cobrar vida con la aparición de una “diosa alada” profetizada. El mundo de Gaea se enfrenta a su propia crisis: la implacable conquista del Clan del Dragón Negro, cuyos rebeldes se convencen de que Hitomi es la diosa profetizada que revivirá a Escaflowne. Nunca segura de su identidad en Gaea, Hitomi encuentra su destino al acercarse al líder rebelde, Lord Van, y ayudar a provocar la caída de su vengativo hermano, Lord Folken, el amo del Clan del Dragón Negro.
Producción
Escaflowne difiere enormemente de la serie original The Vision of Escaflowne . Con rediseños de personajes a cargo de Nobuteru Yūki , la película se centra en la relación entre Van y Hitomi y sus problemas personales. Los personajes también presentan personalidades diferentes: Hitomi pasa de ser una chica alegre y enamorada a una estudiante deprimida y suicida que sufre de sentimientos de soledad y alienación autoinducidos. Van también se muestra más solitario y emocionalmente reservado, además de ser mucho más agresivo y dispuesto a eliminar a cualquier enemigo que perciba, en comparación con su contraparte más pacifista de la serie. Si bien la serie The Vision of Escaflowne fue producida por Sunrise, la animación de la película estuvo a cargo principalmente del estudio Bones, una compañía fundada por varios exempleados de Sunrise. Fue la primera producción cinematográfica de Bones. El cofundador del estudio, Hiroshi Ōsaka, y el diseñador de personajes, Nobuteru Yūki, compartieron las funciones de director de animación, con Ōsaka al frente de la producción en Bones. Algunas de las secuencias de acción de la película fueron asignadas a los animadores del estudio como muestras de talento, destacando la de Yutaka Nakamura (quien animó casi un minuto y medio de la pelea de espadas inicial sin ayuda). La banda sonora, al igual que en la serie Vision of Escaflowne , fue compuesta principalmente por Yoko Kanno en colaboración con Hajime Mizoguchi .
Si bien la trama de la película comparte algunos elementos con la serie de televisión original, los personajes difieren en diversos grados de sus contrapartes televisivas, muchos de ellos completamente rediseñados y con poca semejanza a los originales. El mundo de Gaea tiene un diseño más asiático que la serie de televisión, fuertemente influenciada por la estética europea.
Liberar
Escaflowne se estrenó en Japón el 24 de junio de 2000; mientras que su primera presentación europea tuvo lugar el 19 de enero de 2001, durante el Future Film Festival de Bolonia. El estreno en cines de Norteamérica fue el 25 de enero de 2002, en ciudades selectas como Los Ángeles, Nueva York, San Francisco, Dallas, Chicago y Vancouver. El estreno televisivo en Norteamérica fue el 10 de septiembre de 2005, en el bloque de programación Adult Swim , tras su emisión en [adult swim] bajo demanda.
Medios domésticos
Bandai Visual lanzó la película en DVD en una edición limitada de dos discos el 25 de abril de 2001. Empaquetado en una caja de arte de edición limitada, el lanzamiento incluyó un folleto de 36 páginas sobre la historia de la película, así como entrevistas en el disco con el personal y el elenco y los tráileres de cine y comerciales de televisión. La película fue lanzada en disco Blu-ray el 28 de enero de 2008. Anteriormente con licencia de Bandai Entertainment , Escaflowne fue lanzado por primera vez en DVD de Región 1el 23 de julio de 2002, en ediciones “Estándar” y “Ultimate”. La Edición Ultimate incluyó empaque premium, la banda sonora en CD, un video musical exclusivo de Maaya Sakamoto , entrevistas de los eventos de estreno en cines y entrevistas con el personal y el elenco. El 13 de septiembre de 2005, la película fue relanzada como parte de la línea “Anime Legends” de Bandai, incluyendo muchos de los extras de la Ultimate Edition, incluyendo la banda sonora en CD y entrevistas. La película tuvo otro relanzamiento el 6 de febrero de 2007, bajo el sello “Anime Movie Classics” de Bandai. A diferencia del lanzamiento de “Anime Legends”, esta versión usa la misma carátula y CD que el lanzamiento estándar original en DVD. Bandai Entertainment también incluyó el lanzamiento de Ultimate Edition de la película en su set de DVD “Perfect Collection” de 2004 de la serie de anime original Vision of Escaflowne . Bandai lanzó una versión Blu-ray de la película el 20 de octubre de 2009. En Otakon 2013, Funimation Entertainment había anunciado que habían rescatado tanto The Vision of Escaflowne como la película. Tanto la película como La visión de Escaflowne fueron reestrenadas en 2016 con un nuevo doblaje al inglés.
Banda sonora
La banda sonora de Escaflowne se lanzó el 5 de julio de 2000 y contiene veintiséis pistas, incluyendo los temas de apertura y cierre completos de la película. Yoko Kanno y Hajime Mizoguchi compusieron y produjeron los temas musicales y la música de fondo de la película. Entre los intérpretes vocales se encuentran Maaya Sakamoto , Shanti Snyder , Midori , Children of Adom (voces) y el Coro de Varsovia.
En Norteamérica, la banda sonora se lanzó con la edición definitiva en DVD de la Región 1 el 23 de julio de 2002, y con la reedición de “Anime Legends” el 13 de septiembre de 2005. Sin embargo, el CD no se ha lanzado individualmente.
CDs de dramas
Victor Entertainment lanzó dos CD de drama: Escaflowne Prologue 1: Earth y Escaflowne Prologue 2: Gaea, ambos lanzados el 21 de octubre de 2000 y originalmente transmitidos como parte del programa de radio Bunka Hoso. Ambos CD de drama están agotados en Japón.
Dirigido por Kazuki Akane Escrito por Ryota Yamaguchi / Kazuki Akane Producido por Masahiko Minami / Minoru Takanashi / Masuo Ueda / Toyoyuki Yokohama Protagonizada por Maaya Sakamoto / Tomokazu Seki / Jōji Nakata / Mayumi Iizuka / Minami Takayama / Kōji Tsujitani / Shin-ichiro Miki / Ikue Ootani / Kappei Yamaguchi Cinematografía Kazunori Okeda Música de Yoko Kanno / Hajime Mizoguchi / Inon Zur
Empresas productoras Bones (animación) / Sunrise (producción) Distribuido por Proyecto Omega [ ja ] Fecha de lanzamiento 24 de junio de 2000 Tiempo de ejecución 98 minutos País Japón Idioma japonés Taquillas $94.060 (estreno limitado en cines de EE. UU.)
RoboCop: The Series – (en español: RoboCop, La Serie) es una serie de televisión canadiense, que duraba en media 42 minutos lanzada en el año 1994. Fue creado por Michael Miner y Edward Neumeier.
El guion de la serie fue basado en las ideas de la película RoboCop, que también tuvo conexión entre el lanzamiento de RoboCop 2. Pero para transformar una de las mayores franquicias de la época en una serie, Fox y CTV (emisoras productoras de la serie) tuvieron algunos problemas en derechos de autor, con la M.G.M, así tuvieron que cambiar nombres de algunos personajes.
TRAMA
Cuenta la historia que ocurre en Delta City (una ciudad ficticia). Donde un científico, nombrado de Cray Malladro, decide junto con una comunidad científica, crear un Neurocerebro. Al crear el instrumento decide inventar una especie de cyborg. Así nació RoboCop.
RoboCop: The Series
Serie de televisión Género Serie de acción Creado por Michael Miner / Edward Neumeier Protagonistas Richard Eden / Blu Mankuma / David Gardner País de origen Canadá / Estados Unidos Idioma(s) original Inglés N.º de temporadas 1 N.º de episodios 21 + episodio piloto Productor(es) Jay Firestone / J. Miles Dale Duración 44 minutos Lanzamiento Medio de difusión / CTV Television Network / Redifusión / FOX Primera emisión 14 de marzo de 1994 Última emisión 21 de noviembre de 1994
Twin Spica ( en japonés :ふたつのスピカ, Hepburn : Futatsu no Supika ) es unaserie de manga japonesa escrita e ilustrada por Kou Yaginuma . Esta serie de ciencia ficción realista y costumbristanarra la historia de un grupo de estudiantes de secundaria japoneses que se entrenan para convertirse en astronautas a principios del siglo XXI, después de que el primer lanzamiento espacial tripulado del país termine en un desastre con numerosas víctimas civiles. Se serializó en la revista de manga seinen Comic Flapper desde septiembre de 2001 hasta agosto de 2009 y posteriormente fue publicada en 16volúmenes tankōbon por Media Factory desde enero de 2002 hasta octubre de 2009.
La serie toma su nombre de Spica , un sistema estelar binario y la estrella más brillante de la constelación de Virgo . En el manga, Yaginuma incluye numerosas referencias a eventos históricos relacionados con el desarrollo de los vuelos espaciales tripulados, así como a obras literarias como la novela de Kenji Miyazawa , Noche en el Ferrocarril Galáctico . La editorial estadounidense Vertical anunció la adquisición de la licencia del manga para su traducción al inglés en el Festival de Anime de Nueva York en septiembre de 2009, y el primer volumen traducido se publicó en mayo de 2010. El director de marketing de Vertical, Ed Chavez, describió la serie como “técnicamente sólida” y “conmovedora” durante su evaluación inicial.
El manga fue adaptado a una serie de anime por el estudio de animación Group TAC . Se estrenó el 1 de noviembre de 2003 en el canal satelital japonés NHK BS2 . Se emitieron veinte episodios hasta el 27 de marzo de 2004, fecha en que la serie concluyó prematuramente antes de que se completara el manga. La cadena de televisión satelital Animax emitió el anime en varios idiomas regionales, incluyendo inglés. NHK, en colaboración con la Agencia Japonesa de Exploración Aeroespacial , produjo una adaptación con actores reales que se emitió entre el 18 de junio y el 30 de julio de 2009.
Historia
El autor y creador Kou Yaginuma comenzó a escribir la historia de fondo de Twin Spica en 2000 con su obra debut “2015: Fuegos artificiales” ( 2015年の打ち上げ花火, “2015 Nen no Uchiage Hanabi” ) . En ella y en escritos posteriores, Yaginuma construyó una historia futura del desarrollo del programa de vuelos espaciales de Japón. Presenta a los lectores un futuro posterior al lanzamiento de la primera misión espacial tripulada de Japón, el León (獅子号, Shishigō ) , en 2010. La misión termina en desastre cuando el combustible líquido del cohete propulsor se incendia 72 segundos después del despegue. Los controladores de la misión no pueden activar la secuencia de aborto de la nave, y el cohete se estrella en la ciudad de Yuigahama , causando numerosas víctimas entre los residentes.
La explosión del Lion se convierte en uno de los mayores accidentes en la historia de los vuelos espaciales y retrasa el programa espacial japonés más de una década. En los años posteriores al accidente, la opinión pública acusa a los involucrados en el programa Lion de negligencia . También comienzan a circular rumores sobre la subcontratación en el extranjero de la producción del cohete, a pesar de las afirmaciones del gobierno de que fue desarrollado en el país. Para promover la recuperación de la tragedia, el Ministerio de Educación, Cultura, Deportes, Ciencia y Tecnología establece la Escuela Espacial Nacional de Tokio en 2014 como una escuela secundaria vocacional dedicada a capacitar a una nueva generación de estudiantes en ciencias espaciales . El programa espacial japonés finalmente se reactiva diez años después con la admisión de estudiantes al programa de entrenamiento de astronautas de la academia. Ese mismo año, el último módulo operativo de la Estación Espacial Internacional es retirado y destruido por reentrada atmosférica tras la finalización de la misión de larga duración de la estación. Los proyectos de desarrollo subsiguientes deben ser completados por cada país con programas espaciales activos. De los estudiantes de la primera promoción del programa de entrenamiento de astronautas, uno es seleccionado para unirse a la segunda misión tripulada de Japón en 2027. Es la misión final para completar un satélite de energía solar espacial .
La obra de Yaginuma, antes de su serialización, presenta a los lectores a Asumi Kamogawa y a su mentor, el fantasma de un astronauta León al que ella llama Sr. León . Su amistad se desarrolla en varios relatos cortos en los que, a lo largo de su infancia, él alimenta el interés de Asumi por el espacio. A medida que su interés y sus sueños crecen, Asumi suele ser objeto de burlas por parte de sus compañeros, especialmente porque se sumerge en libros sobre el espacio y rara vez participa en las actividades de clase. Cuando decide solicitar el ingreso a la Academia Espacial de Tokio, sus profesores la instan a reconsiderarlo porque es de estatura inferior a la media. Su amistad con el Sr. León continúa creciendo después de que Asumi ingresa con éxito en la academia, y a menudo lo consulta durante períodos de inseguridad.
Shinnosuke Fuchuya, compañero de clase de Asumi en la escuela primaria y secundaria, también ingresa a la academia para su sorpresa. Él la defendió de las burlas de otros compañeros durante su infancia, a pesar de que ocasionalmente también la molestaba, y se ha sugerido que la ve como un interés romántico . Los dos finalmente se hacen amigos de otros tres estudiantes en el programa de entrenamiento de astronautas. Shu Suzuki , quien es nombrado representante estudiantil para el programa de astronautas, tiene una personalidad relajada. Usa un rostro distintivo al afeitarse las cejas como símbolo de desafío contra su padre. Kei Oumi se hace amiga de Asumi durante el examen de ingreso a la academia y es retratada con una personalidad extrovertida y un profundo sentido de lealtad hacia sus amigos. Marika Ukita inicialmente responde fríamente a los gestos de amistad, pero se muda al dormitorio de Asumi después de una discusión con su padre. Los cinco estudiantes luego prometen completar juntos el programa de astronautas a medida que su amistad se fortalece. Después de tres años en el programa de astronautas, Asumi es elegida entre los once estudiantes restantes para participar en la segunda misión espacial tripulada de Japón, convirtiéndose, a la edad de dieciocho años, en la persona más joven en ir al espacio .
Durante su estancia en la academia, los aspirantes a astronautas deben superar numerosas pruebas físicas y mentales. Los lectores descubren, a partir de una historia previa a la serialización, que la madre de Asumi muere tras el desastre del Lion, pero esto no lo saben los amigos de Asumi hasta que Kei descubre el obituario en un artículo de periódico. Se revela que Marika es la copia genética de una Marika Ukita fallecida, a pesar de la prohibición vigente de la clonación humana . Fuchuya sufre de daltonismo rojo-verde después de que sus ojos se expusieran a la explosión de un fuego artificial a corta distancia en un accidente infantil. Sin que el grupo lo sepa, Shu sufre de hemoptisis hereditaria(expectoración de sangre) y muere a causa de esta afección poco después de ser seleccionado como estudiante de intercambio para el programa espacial estadounidense. Esta tragedia revela los sentimientos de Kei por él, que ella mantiene ocultos durante gran parte de la serie.
Artículo principal: Lista de personajes de Twin Spica
Asumi Kamogawa y Mr. Lion en la precuela “2015:Fireworks”
La obra de Yaginuma, antes de su serialización, presenta a los lectores a Asumi Kamogawa y a su mentor, el fantasma de un astronauta León al que ella llama Sr. León . Su amistad se desarrolla en varios relatos cortos en los que, a lo largo de su infancia, él alimenta el interés de Asumi por el espacio. A medida que su interés y sus sueños crecen, Asumi suele ser objeto de burlas por parte de sus compañeros, especialmente porque se sumerge en libros sobre el espacio y rara vez participa en las actividades de clase. Cuando decide solicitar el ingreso a la Academia Espacial de Tokio, sus profesores la instan a reconsiderarlo porque es de estatura inferior a la media. Su amistad con el Sr. León continúa creciendo después de que Asumi ingresa con éxito en la academia, y a menudo lo consulta durante períodos de inseguridad.
Shinnosuke Fuchuya, compañero de clase de Asumi en la escuela primaria y secundaria, también ingresa a la academia para su sorpresa. Él la defendió de las burlas de otros compañeros durante su infancia, a pesar de que ocasionalmente también la molestaba, y se ha sugerido que la ve como un interés romántico . Los dos finalmente se hacen amigos de otros tres estudiantes en el programa de entrenamiento de astronautas. Shu Suzuki , quien es nombrado representante estudiantil para el programa de astronautas, tiene una personalidad relajada. Usa un rostro distintivo al afeitarse las cejas como símbolo de desafío contra su padre. Kei Oumi se hace amiga de Asumi durante el examen de ingreso a la academia y es retratada con una personalidad extrovertida y un profundo sentido de lealtad hacia sus amigos. Marika Ukita inicialmente responde fríamente a los gestos de amistad, pero se muda al dormitorio de Asumi después de una discusión con su padre. Los cinco estudiantes luego prometen completar juntos el programa de astronautas a medida que su amistad se fortalece. Después de tres años en el programa de astronautas, Asumi es elegida entre los once estudiantes restantes para participar en la segunda misión espacial tripulada de Japón, convirtiéndose, a la edad de dieciocho años, en la persona más joven en ir al espacio .
Durante su estancia en la academia, los aspirantes a astronautas deben superar numerosas pruebas físicas y mentales. Los lectores descubren, a partir de una historia previa a la serialización, que la madre de Asumi muere tras el desastre del Lion, pero esto no lo saben los amigos de Asumi hasta que Kei descubre el obituario en un artículo de periódico. Se revela que Marika es la copia genética de una Marika Ukita fallecida, a pesar de la prohibición vigente de la clonación humana . Fuchuya sufre de daltonismo rojo-verde después de que sus ojos se expusieran a la explosión de un fuego artificial a corta distancia en un accidente infantil. Sin que el grupo lo sepa, Shu sufre de hemoptisis hereditaria(expectoración de sangre) y muere a causa de esta afección poco después de ser seleccionado como estudiante de intercambio para el programa espacial estadounidense. Esta tragedia revela los sentimientos de Kei por él, que ella mantiene ocultos durante gran parte de la serie.
Producción
Escribiendo
La constelación de Virgo tal como aparece en el manga.
La serie recibe su nombre de Spica , un sistema estelar binario en la constelación de Virgo y una de las estrellas más brillantes del cielo nocturno. Aparece como una sola estrella debido a la distancia relativamente baja entre los centros de las dos estrellas componentes, estimada en un promedio de 11 millones de millas (17,7 millones de km). Las observaciones astronómicas también sugieren que podría haber estrellas adicionales en el sistema Spica. En la historia, Asumi menciona que la distancia de Spica a la Tierra es de 350 años luz . Esta cifra también es citada por la Agencia Japonesa de Exploración Aeroespacial ; sin embargo, otras fuentes indican una distancia de aproximadamente 260 años luz.
La inspiración inicial de Kou Yaginuma para la historia provino de una declaración que leyó en una ocasión, la cual describía la armónica Hohner Little Lady como uno de los primeros instrumentos musicales llevados al espacio. Sin embargo, como aspirante a dibujante de manga , Yaginuma no contaba con los recursos para investigar ni con conocimientos sobre vuelos espaciales. También dudó en escribir la serie porque sus propias experiencias de vida no reflejaban los sueños de sus personajes. A pesar de estos desafíos, Yaginuma encontró consuelo en la determinación de sus personajes, especialmente en la de Asumi Kamogawa.
Aunque Twin Spica comenzó a publicarse por entregas en el número de octubre de 2001 de la revista Comic Flapper de Media Factory , su protagonista, Asumi, ya había aparecido en la obra debut de Yaginuma, “2015: Fuegos artificiales”. Este relato corto, publicado en el número de julio de 2000 de Comic Flapper , también presentó a los lectores al padre de Asumi, a su maestra de primaria, Yuko Suzunari, y al fantasma astronauta, el Sr. León. Cuatro historias cortas adicionales anteriores a la serie también presentan a Asumi como personaje central: “Asumi” (アスミ) , “Campanella’s Forest” (カムパネルラの森, “Kamupanerura no Mori” ) , “Our Stars, Leaf Stars” (ふたりの星 はっぱ星, “Futari no Hoshi, Happa Hoshi” ) , y “El cerezo de Asumi” (アスミの桜, “Asumi no Sakura” ) . Estas historias de la vida finalmente sirvieron como precuelas de Twin Spica .
Twin Spica y sus historias precuela hacen varias referencias a figuras y eventos históricos en la exploración espacial. A lo largo del manga y el anime, el Sr. León lleva consigo una armónica, uno de los primeros instrumentos musicales que se tocaron en el espacio. Un conjunto de armónica y campanas fue llevado a bordo del vuelo espacial Gemini 6A en diciembre de 1965 por los astronautas estadounidenses Wally Schirra y Thomas Patten Stafford . Durante la misión, los dos hombres usaron estos instrumentos para tocar ” Jingle Bells “. Asumi es apodado “Seagull” por Shu Suzuki en el anime. El mismo nombre fue usado como el indicativo de llamada de la cosmonauta soviética Valentina Tereshkova , la primera mujer en el espacio, durante su misión de 1963 a bordo del Vostok 6 . Antes de la muerte de Shu en la adaptación de acción real, revela a sus amigos que la nave espacial New Horizons , destinada a Plutón, transporta las cenizas incineradas del descubridor del planeta enano, Clyde Tombaugh . Más tarde, Asumi lleva las cenizas de Shu durante su primer viaje al espacio.
También hay varias referencias a obras literarias y musicales del mundo real. Los títulos de dos cuentos cortos en el manga, “Campanella’s Forest” y “Giovanni’s Ticket” (ジヨバンニの切符, “Jiyobanni no Kippu” ) , hacen referencia a los dos personajes principales de la novela de Kenji Miyazawa , Night on the Galactic Railroad . Aparece en el penúltimo episodio del anime y también es un libro favorito de la Marika Ukita original. Tanto en el manga como en la adaptación de acción real, Kei le pide a Shu que toque la pieza de piano ” Der Flohwalzer “, conocida en Japón como “Neko Funjatta” (猫踏んじゃった; lit. ‘ Pisé al gato ‘ ) , si se convierte en el primero de su grupo en ir al espacio.
Medios de comunicación
Manga
Portada de la revista Comic Flapper de septiembre de 2009, que contiene el capítulo final de Twin Spica . Nótese que el Sr. León aparece en esta portada, mientras que en la adaptación al anime desaparece en un punto anterior de la historia.
Twin Spica comenzó a serializarse en el número de octubre de 2001 de la revista de manga seinen (dirigida a hombres jóvenes adultos) Comic Flapper . Continuó hasta la publicación del capítulo 89 el 5 de agosto de 2009. La serie también se publicó en formato tankōbon en 16 volúmenes, con el volumen final publicado el 23 de octubre de 2009. Los relatos cortos precuela de Yaginuma publicados antes de la serialización están intercalados a lo largo de estas compilaciones. Dos se incluyeron en el primer volumen; dos se incluyeron en el segundo volumen; y uno se incluyó en el tercer volumen. Yaginuma también escribió tres relatos precuela adicionales durante la serialización y se publicaron en los volúmenes cuarto, sexto y noveno, respectivamente. El 23 de marzo de 2006, Media Factory publicó el libro de ilustraciones Twin Spica de 80 páginas (ふたつのスピカイラストブック, Futatsu no Supika Irasutobukku ; ISBN978-4-8401-1380-9) con ilustraciones a color del manga. También incluía un calendario de 24 meses y una entrevista con Kou Yaginuma.
La serie está licenciada por Tong Li Publishing para su publicación en idioma chino en Taiwán bajo el título Dream of Spica ( chino :麥穗星之夢; pinyin : Màisuìxīng zhī mèng ). Fue traducida por Li Lin-hui (chino:李臨麾; pinyin: Lǐ Línhuī ), y el primer volumen se publicó en mayo de 2005. Tras una negociación contractual de tres semanas, la editorial estadounidense Vertical anunció en el Festival de Anime de Nueva York de 2009 que había adquirido la licencia para publicar la serie en inglés. El director de marketing Ed Chavez explicó que la motivación para adquirir Twin Spica surgió del deseo de la empresa de licenciar obras de editoriales japonesas que aún no han establecido asociaciones comprometidas con las principales editoriales estadounidenses. Propuso continuar una asociación previa con Media Factory , de la cual Vertical obtuvo la licencia de la adaptación al manga de The Guin Saga. de Vertical, Random House, anunció una fecha de lanzamiento para el 4 de mayo de 2010 para el primer volumen traducido, contrariamente al anuncio inicial de que se lanzaría en agosto de 2010. Chávez confirmó más tarde a través de Twitter que Vertical condensaría sus lanzamientos norteamericanos en 12 volúmenes.
Anime
Artículo principal: Lista de episodios del anime Twin Spica
El estudio de animación japonés Group TAC produjo la adaptación al anime de Twin Spica , que fue transmitida por NHK . La serie de 20 episodios se estrenó el 1 de noviembre de 2003 y se emitió hasta su conclusión el 27 de marzo de 2004. Tomomi Mochizuki dirigió la serie de anime y Rika Nakase escribió su guion. Masako Goto diseñó los personajes para la animación. Cuando la serie llegó a su conclusión, solo se habían publicado 30 capítulos del manga. El capítulo 25, que concluye la historia de Asumi y sus compañeros de clase sometiéndose a una prueba de sus habilidades de supervivencia , fue el último capítulo que se adaptó para el anime. En consecuencia, la serie concluye prematuramente con el compañero fantasma de Asumi, Lion-san, partiendo cuando ya no tiene nada que enseñarle a ella y a sus amigos. El manga, sin embargo, continúa con Lion-san apareciendo en capítulos posteriores hasta su eventual partida en el capítulo 88. La serie de anime también se emitió en otras partes de Asia en Animax . Fue lanzada en formatos VHS y DVD por King Records en cinco volúmenes de compilación cada uno. Una colección especial de DVD que contiene los cinco episodios de flashback (episodios 1, 5, 9, 12 y 16) fue lanzada el 26 de mayo de 2004, y un set de caja de DVD de cinco discos fue lanzado el 22 de julio de 2004. Una novelización en dos partes del anime y un libro guía oficial para la adaptación fueron publicados en abril de 2004. El doblaje en inglés del anime Twin Spica se estrenó en Animax Asia el 24 de enero de 2005.
Drama
Artículo principal: Lista de episodios del drama Twin Spica
NHK anunció una adaptación televisiva de siete episodios de acción real el 30 de marzo de 2009, producida en cooperación con la Agencia Japonesa de Exploración Aeroespacial , la agencia aeroespacial nacional del país. La actriz de dieciséis años Nanami Sakuraba fue elegida para el papel de Asumi Kamogawa, y el rodaje de la serie comenzó el 2 de abril. El drama estaba programado para emitirse el 11 de junio, pero finalmente se pospuso una semana hasta el 18 de junio. Su emisión coincidió con la celebración del Año Internacional de la Astronomía . El guion de la serie fue escrito por Shūko Arai y Daigo Matsui . Mientras escribía el guion, Arai se sintió alentado por los personajes que deben superar diversas luchas para lograr sus sueños. También especificó las esperanzas y los sueños como temas centrales de la historia. Entre los cambios realizados en esta adaptación está la eliminación de Lion-san como personaje central. Yaginuma no impuso restricciones a Arai y Matsui, ya que creía que ellos conocían mejor a la audiencia televisiva. «Sin embargo», dijo, «creo que la pequeña Asumi que conozco y la Asumi interpretada por la Sra. Nanami están mirando al mismo cielo». Geneon Universal Entertainment lanzó una caja recopilatoria en DVD de tres discos de la adaptación el 23 de diciembre de 2009.
Música
La canción “Venus Say” del grupo musical pop femenino Buzy (banda) se usó como tema de apertura del anime, y se lanzó como un maxi single con otras dos canciones el 3 de marzo de 2004. El single permaneció en las listas de música de Oricon durante siete semanas con una posición máxima en el puesto 29. El grupo pop masculino Begin adaptó el sencillo de 1963 de Kyu Sakamoto ” Miagete Goran Yoru no Hoshi o ” (見上げてごらん夜の星を; lit. “Mira las estrellas por la noche”) como tema de cierre. Una banda sonora completa que contiene los dos temas principales y 33 pistas instrumentales adicionales del compositor Kazunori Miyake fue lanzada el 26 de mayo de 2004. La canción ” Hitomi no Saki ni ” (瞳の先に; lit. ‘ Adelante de los ojos ‘ ) de la banda de rock alternativo Orange Range fue utilizada como tema de cierre para la serie de acción real. Fue lanzada como maxi single con otras dos canciones el 8 de julio de 2009, y permaneció en las listas de música de Oricon durante seis semanas con una posición máxima en el 5.º lugar. Una banda sonora completa para la serie que contiene 21 pistas instrumentales fue lanzada por Harbor Records el 5 de agosto de 2009.
Recepción
En una entrevista con el Yomiuri Shimbun , el astronauta japonés Koichi Wakata nombró a Twin Spica , debido a su historia nostálgica, como una de las cinco series de manga que resaltan el sueño de llegar al espacio. Al evaluar la serie para su licencia en inglés, el director de marketing de Vertical , Ed Chavez, un fanático de la ciencia ficción, encontró su historia “técnicamente sólida” y la señaló como “posiblemente una de las series más sentidas que he leído en años”. Esperaba que la serie se ubicara entre los 10 primeros puestos de la lista de los libros gráficos más vendidos de The New York Times para manga y creía que convertiría a Vertical en un “nombre conocido, no solo entre las mejores tiendas de cómics y librerías independientes, sino también entre los fanáticos del anime y los lectores ocasionales de novelas gráficas “. Si bien la serie se publicó originalmente en una revista seinen , Chavez esperaba que también atrajera a los fanáticos del manga shōjo . Creía que la palabra seinen “significa adulto y no hace referencia al género”. Esperaba que Twin Spica resultara un éxito financiero y permitiera a Vertical financiar futuras licencias de obras clásicas de Osamu Tezuka y los Forty-Niners . El primer volumen en inglés fue catalogado por Publishers Weekly como una de las novelas gráficas más esperadas de 2010.
Jennifer Berman de THEM Anime Reviews calificó la adaptación al anime de Twin Spica con cinco de cinco estrellas, pero les dijo a los lectores: “Réstele una estrella si no les gusta el anime con un ritmo algo lento”. Berman elogió su diseño artístico y señaló que los diseños de personajes le recordaban a las obras de Studio Ghibli . Encontró a los personajes “agradables” y vio a Marika Ukita como el personaje más intrigante. A pesar de sus elogios, Berman señaló una debilidad en la adaptación al anime. Observó que el final era “bastante abierto, y aunque no fue un mal final, probablemente deberían haber pensado en algo mejor”. Al igual que el manga, la serie de anime fue vista como neutral en cuanto al género. El vicepresidente de Sony Pictures Entertainment, Todd Miller, declaró que Twin Spica fue uno de los títulos emitidos en Animax que atrajo a ambos géneros. El primer episodio de la serie dramática se emitió con una calificación de audiencia nacional del 3,4 por ciento. Los críticos del Yomiuri Shimbun calificaron la adaptación de acción real con un promedio de dos de tres estrellas y la clasificaron en tercer lugar en general entre 11 series emitidas en el tercer trimestre de 2009.
Twin Spica
ふたつのスピカ
(Futatsu no Supica) Creador Kou Yaginuma Género Ciencia ficción, sobrenatural, drama. Manga Creado por Kou Yaginuma Editorial Media Factory Publicado en Comic Flapper Primera publicación 5 de septiembre de 2001 Última publicación 5 de agosto de 2009 Volúmenes 16 Anime Director Tomomi Mochizuki Estudio Group TAC Cadena televisiva NHK Primera emisión 1 de noviembre de 2003 Última emisión 27 de marzo de 2004
Episodios 20
Lupin III contra Detective Conan ( japonés :ルパン三世VS名探偵コナン, Hepburn
: Rupan Sansei Vāsasu Meitantei Konan ) es un especial de televisión japonés animado cruzadoentre los personajes de Lupin III y Detective Conan . Se transmitió por Nippon Television y Yomuri TV el 27 de marzo de 2009. Discotek Media lanzó la película para televisión en DVD en Norteamérica el 27 de octubre de 2015.
Recepción
El especial ocupó el primer lugar en la clasificación de televisión de anime japonesa del 23 al 29 de marzo de 2009. El lanzamiento en DVD vendió más de 7000 en su primera semana. La edición Blu-ray fue el tercer anime más vendido entre el 27 de julio y el 2 de agosto de 2009, y se mantuvo entre los veinte primeros hasta el 29 de noviembre de 2009.
El experto en Lupin, Reed Nelson, al escribir un artículo titulado Lupin the Third: The Complete Guide to Films, TV Specials and OVAs para Anime News Network , opinó que Lupin the 3rd vs. Detective Conan no era un elemento de la franquicia Lupin que valiera la pena ver, describiendo el especial de la siguiente manera: “Tiene más partes de Case Closed que de Lupin the Third , hay mucho diálogo y poca acción. Y olvídate del ‘versus’… aquí no sucede”.
Adaptación de manga y secuela cinematográfica
Una adaptación al manga del especial se publicó en la revista Shōnen Sunday S del 25 de agosto al 25 de octubre de 2013.
Una secuela cinematográfica del especial de televisión titulado Lupin the 3rd vs. Detective Conan: The Movie se estrenó en los cines japoneses el 7 de diciembre de 2013.
Datos de interés
El doblaje de ambas franquicias (con la serie de Lupin III: Parte 1, y episodios de la serie de Detective Conan) fue realizado en un punto en un mismo estudio en Los Ángeles, en el estudio Point.360, con sus repartos respectivos. Irónicamente varias producciones serían dobladas en México (entre otros en ambos casos, como en esta película) y en otros países tales como Chile en el caso de Detective Conan, y Argentina así como Cuba en el caso de Lupin III.
Ricardo Tejedo y Laura Ayala son los únicos actores de las películas y especiales de Lupin III doblados en Sonomex que repiten sus papeles como Arsenio Lupin III y Fujiko Mine respectivamente.
En cuanto al reparto de Detective Conan, es el mismo de la película El caso del francotirador dimensional, en donde se mantiene en su mayoría al elenco que dobló las dos primeras películas: El rascacielos del tiempo y La decimocuarta víctima, con excepción de Conan Edogawa, papel dado a Elsa Covián, así quedando más acorde al estado infantil de Shinichi Kudo quien sigue siendo doblado por Víctor Ugarte; Ayumi Yoshida, por razones desconocidas, no es retomada por Claudia Motta y es reemplazada por Melissa Gutiérrez; y el Inspector Shiratori y Genta Kojima, quienes debido al fallecimiento de Jesús Barrero, pasan a ser doblados por Arturo Cataño.
El nombre de Lupin es pronunciado como Lupán, que es la pronunciación fonética japonesa de Lupin, de origen europeo debido a que el nombre del personaje se basa en el protagonista Arsène Lupin de las novelas de detectives del escritor francés Maurice Leblanc. Cabe destacar también que dicha pronunciación japonesa fue utilizada originalmente en el doblaje de la serie de televisión de Lupin III: Parte 1, mientras que en el doblaje de las películas y especiales de televisión se utilizó la pronunciación Lupin a excepción del especial Los documentos de Hemingway, donde Lupin fue llamado Cliff
El doblaje contiene varios modismos mexicanos.
Sobre la adaptación
El APTX-4869 es mencionado por Fujiko como “la droga” y Haibara le dice “la toxina”, siendo que originalmente se hablaba de la sustancia como tal.
Hay una escena en la que Ayumi estaría celosa de la presentadora de tv y vería a Conan igual de pervertido que sus otros compañeros varones, pero en el doblaje se alteran las lineas para hacer ver a Ayumi preocupada por Daisuke Jigen (el hombre malo), haciendo así que no parezca que Conan es un pervertido ante los ojos de Ayumi y los demás niños.
En una escena en el aeropuerto se hace una importante referencia a la trama principal mientras Haibara y Fuijiko mantienen una conversación en motocicleta, Fujiko se queda asombrada de ver como Ai es tan buena manejando ese tipo de moto a lo que esta misma contesta que es debido a que cuando formaba parte de la organización ella conducía una Harley Davidson, mismo modelo que estaría conduciendo en ese momento, sin embargo en el doblaje se cambia el contexto y le quita importancia a la escena, haciendo entender que Fujiko quiere que Ai conduzca más rápido a lo que esta solo responde “vamos en una motocicleta, no en un avión, no me molestes”, perdiendo el sentido de por qué Haibara conduce una moto tan repentinamente.
Originalmente los personajes Lupin y Conan hacen la presentación el uno hacia el otro, sin embargo erróneamente en el doblaje Elsa Covián (Conan) presenta a Lupin y al momento de presentar la historia de Shinichi Kudo este lo hace Víctor Ugarte (Shinichi) y Elsa Covián como si se tratara de la presentación típica de las películas de la franquicia de Detective Conan, más al ser una línea que únicamente le tocaba decir a Ricardo Tejedo (Lupin), pareciera que Shinichi Kudo se presenta así mismo en tercera persona.
ルパン三世VS名探偵コナン
(Rupan Sansei Vāsasu Meitantei Konan) Creado por Golpe de mono / Gosho Aoyama Película de anime para televisión Dirigido por Hajime Kamegaki Producido por Michihiko Suwa (YTV) / Tetsu Kojima (TMS) / Toshio Nakatani (NTV) Escrito por Atsushi Maekawa Música de Katsuo Ohno Estudio Entretenimiento TMS Con licencia de N / A : Discotek Media / Red original NNS ( NTV , ytv ) Liberado 27 de marzo de 2009 Tiempo 104 minutos
Parasite Dolls (パラサイトドールズ, Parasaito Dōruzu ) es una serie de animación original en vídeo de tres partes de 2003producida por AIC e Imagica Entertainment, y escrita por Chiaki J. Konaka y Kazuto Nakazawa . La serie se desarrolla en el universo de Bubblegum Crisis y tiene lugar después de los eventos de la serie OVA original (ignorando Bubblegum Crash ), de 2034 a 2040. Está ambientada en la ciudad de Megatokyo y se centra en una división de la policía AD conocida como Branch. Su tarea es detener las actividades terroristas, así como a los Boomers (androides) que se han vuelto peligrosos para la sociedad.
Trama
Parasite Dolls se desarrolla en el universo original de Bubblegum Crisis , poco después de los eventos de la serie OVA original. Se centra en una división de la policía de AD llamada Branch, cuya misión es detener las actividades terroristas y destruir a los Boomers que representan una amenaza para la sociedad.
Personajes
Albahaca “Buzz” Nikvest
El teniente Basil “Buzz” Nikvest es miembro del grupo especial Branch de la policía de AD. Fue transferido a Branch en 2029 por dispararle por error a un niño al que confundió con un boomer. Debido a su error, se muestra reacio a portar un arma de mano, a pesar de ser un tirador excepcional. Quedó viudo cuando su esposa fue asesinada por un boomer renegado.
Reiko Michaelson
La sargento Reiko Michaelson es la experta en armas pesadas y vehículos de Branch. Pilota un helicóptero y suele estar en primera línea luchando contra los Boomers.
Kouji Takahashi
Kouji Takahashi es el inspector a cargo de las operaciones de la sucursal. Fue asesinado por Kenji Sorime durante su intento de golpe de estado.
Rod Kimball
El sargento Rod Kimball es un Boomer que sirve junto a Buzz en Branch. Aunque no puede ostentar un rango oficial, es tratado como un sargento. También fue capaz de identificar los sentimientos románticos de Reiko por Buzz. Murió tras sacrificarse para salvar a Reiko de un misil.
Elza “Angel” Lynch
Aunque técnicamente es miembro de Branch, la teniente Elza “Angel” Lynch pasa la mayor parte del tiempo infiltrada, investigando a la Corporación Genom. Tiene el cabello plateado y tez morena. Fue asesinada por Sorime durante su intento de golpe de estado.
Bill Myers
Bill Myers, un hacker informático y de electrónica, trabaja como experto en Boomers en la sucursal. La única persona con la que parece llevarse bien es Buzz. Fue asesinado por Sorime durante su intento de golpe de estado
Recepción
La recepción crítica de Parasite Dolls ha sido generalmente positiva. Nicole MacLean, de THEM Anime Reviews, le otorgó a la serie una calificación de 3 de 5 estrellas. Consideró que la entrega es “una buena serie que no ofrece muchas sorpresas, pero que resulta satisfactoria, aunque a veces un poco explícita. Si uno la ve sin expectativas de grandeza y preparado para la violencia, probablemente la disfrutará”. Browne la recomendó para los fans del cyberpunk, y también que sería apta para adolescentes maduros y adultos debido a su violencia explícita y contenido sexual implícito.
Chris Beveridge, del Fandom Post, consideró que el audio y el vídeo de la colección no presentaban problemas importantes, pero no le gustó la portada. Le gustó que la serie mostrara el lado oscuro del universo de Bubblegum Crisis , sin la estética pop ni el chicle de las series y OVAs anteriores. Escribió: «Este es un drama policíaco ambientado en el futuro que narra tres historias fascinantes y permite que la tercera explore a fondo el mundo que conocemos. Este es el tipo de serie que quiero ver, no esa otra serie de AD Police. Esto sí que es bueno».
Género Cyberpunk / Thriller erótico
Animación de vídeo original Dirigido por Yoshinaga Naoyuki / Nakazawa Kazuto Estudio AIC Con licencia de AUS : Visual de sirena / N / A : AEsir Holdings (anteriormente ADV Films ) / Reino Unido : ADV Films UK (caducado) Liberado 22 de mayo de 2003 – 24 de julio de 2003 Tiempo de ejecución 30 minutos cada uno Episodios 3
