Angel’s Egg ( en japonés :天使のたまご, Hepburn : Tenshi no Tamago ) es unapelícula OVA japonesa de ciencia ficción y fantasía postapocalíptica experimental animada, escrita y dirigida por Mamoru Oshii . Estrenada por Tokuma Shoten el 15 de diciembre de 1985, la película fue una colaboración entre el artista Yoshitaka Amano y Oshii. La película está protagonizada por dos personajes sin nombre: una joven que protege un huevo y que entabla amistad con un niño que sueña con un pájaro. Fue el primer proyecto original de Oshii y presenta temas que se encuentran en otras de sus obras.
En un giro radical respecto a la obra anterior de Oshii, Angel’s Egg presenta pocos diálogos hablados y una historia profundamente alegórica, repleta de imágenes ambiguas y alusiones bíblicas recurrentes. La película tuvo dificultades financieras en su estreno, ya que muchos espectadores se mostraron confundidos sobre su supuesto significado, pero desde entonces ha sido aclamada como un clásico de culto .
Una remasterización en 4K que conmemoraba el 40 aniversario de la película se proyectó en el Festival de Cine de Cannes de 2025.
Trama
La película se desarrolla en una tierra primigenia, llena de árboles, tecnología extraña, un ojo mecánico gigante, diversas ruinas de edificios y dos personajes sin nombre. Una de ellas es una joven que busca comida en una ciudad desolada mientras protege un gran huevo, del que cree que nacerá un ángel. El otro es un joven que desembarca de un tanque portando un arma grande con forma de cruz.
La niña se encuentra con el niño y huye inicialmente, tras lo cual el niño desaparece. Más tarde, la niña deja su huevo mientras descansa. El joven la alcanza y roba el huevo brevemente, devolviéndoselo después de decirle que lo guarde cerca de ella. Finalmente, ella le permite seguirla, lo que da lugar a un breve vínculo entre ellos. El niño desea romper el huevo para ver qué hay dentro. Relata la historia del Arca de Noé , pero en su versión, la paloma que fue liberada del Arca nunca regresó, y finalmente la gente en el arca se olvidó de la paloma, así como del mundo del que provenían. Reflexiona sobre el mundo y la existencia, y teoriza que el ave nunca existió. La niña le dice al niño que el ave sí existió y lo lleva a un fósil de un ave gigante.
Más tarde, el niño rompe el huevo de la niña mientras duerme. Esto la impulsa a perseguirlo y finalmente caer en un cuerpo de agua, donde su último aliento se transforma en la superficie del agua en una gran cantidad de huevos. El niño, de pie en una orilla cubierta de plumas de pájaro, observa a la niña, ahora una estatua de piedra, sentada en un trono entre las otras estatuas de piedra de personas en el ojo mecánico. Después, se revela que el mundo que se muestra en la película está sobre una forma oblonga, que se asemeja al casco de un barco volcado.
Producción
Angel’s Egg reutiliza ideas que Oshii desarrolló para una película cancelada de Lupin the Third . Ambos conceptos presentan el tema del cuestionamiento de la existencia (la existencia de Lupin en la película cancelada y el pájaro del arca de Noé en Angel’s Egg), e involucran el fósil de un ángel El propio Oshii dijo que Angel’s Egg fue otro intento de la idea y el crítico de anime Ryota Fujitsu [ ja ] ha dicho que Angel’s Egg (y la primera película de Patlabor) no habrían existido si Oshii hubiera hecho la película de Lupin. Oshii también ha declarado que todo el concepto del fósil de ángel utilizado en Angel’s Egg fue tomado directamente de Lupin, y compara la relación entre el niño y la niña con la de El zoo de cristal de Tennessee Williams.
Muchos de los temas y elementos de Angel’s Egg provenían originalmente de la película cancelada de Lupin III de Oshii. Sin embargo, solo el fósil del ángel permanece sin cambios respecto a su apariencia planeada.
La película es una colaboración entre Amano y Oshii. Oshii originalmente pretendía hacer una película de comedia, comenzando con la chica bajando de un arca voladora frente a una tienda de conveniencia japonesa, pero cambió de opinión y decidió hacerla una película de fantasía pura después de ver el arte de Amano. Oshii dijo que quería eliminar la narrativa lo más posible y mantener la película simple, usando la animación como una expresión para desarrollar una historia, y llenarla de expresiones simbólicas y metáforas “como los arquetipos de Jung y el inconsciente colectivo”. La documentación para el proyecto fue escrita en una noche por Toshio Suzuki (productor), pero Oshii no estaba satisfecho con ella y no la usó. Sin embargo, el título de la película, Angel’s Egg (天使のたまご, Tenshi no Tamago ) , era de Suzuki, donde el título original de Oshii era Aquatic City (水棲都市, Suisei Toshi ) .
Oshii comenzó a escribir el guion con el tema principal de un sueño visto por una niña, continuando desde Urusei Yatsura 2: Beautiful Dreamer , pero pensando que un guion por sí solo no sería suficiente para que el proyecto fuera aprobado, invitó a Amano a hacer storyboards para la propuesta. También mostró los storyboards a los animadores para obtener ideas de ellos. No había un guion definitivo, sino más bien una colección de ideas anotadas como ” anunciación “, “arca”, “puesta de sol”, “un niño sosteniendo una cruz montado en un tanque”, que se convirtieron inmediatamente en storyboards y luego se ensamblaron, lo que, según Oshii, tenía la intención de hacer una película sin un drama claro, hecha de expresiones visuales, como una de Andrei Tarkovsky .
Amano había sido inicialmente designado para trabajar en la película de Lupin de Oshii, que fue cancelada, lo que, según el crítico de anime Ryota Fujitsu, deja claro que Angel’s Egg fue heredado de Lupin. Si bien Amano fue invitado originalmente a trabajar en el diseño de personajes, a Oshii le gustó tanto su arte que terminó asumiendo el rol de director de arte, diseñando también storyboards y otros elementos como carteles. El fósil del ángel fue reutilizado posteriormente junto con otros elementos de la película cancelada de Lupin de Oshii en 009 RE:CYBORG , que Oshii inicialmente iba a dirigir y para la que participó en el guion, y que finalmente fue dirigida por Kenji Kamiyama , un alumno de Oshii. Kamiyama describe esta versión del fósil del ángel como una indicación de un dios, pero no de ninguna religión en particular. El fósil del ángel también se utilizó en el décimo episodio de Lupin the 3rd Part 6 , cuyo guion escribió Oshii “Darwin’s Bird” En este episodio, Fujiko Mine es contratada por el arcángel Miguel para robar el fósil del ángel, que en realidad es el del ángel caído Lucifer, en nombre de su amo.
Nezu trabajó con Oshii una vez más en Patlabor 2: The Movie y Mako Hyōdō interpretó un papel secundario en The Sky Crawlers .
Temas e interpretaciones
La película tiene elementos que no son típicos de las producciones de anime de esa época. Utiliza una paleta de colores limitada, lo que la hace casi monocromática . La película tiene muy pocos diálogos. La película es inusual porque contiene solo 400 planos cuando la animación típica tiene el triple.
Temas e interpretaciones
Angel’s Egg aborda temas comunes en las películas de Oshii, incluyendo referencias a la Biblia cristiana , el simbolismo de los sueños y la intersección entre sueños y realidad. Algunos de estos motivos aparecen en otras de sus obras, como Beautiful Dreamer (1984) . La Sociedad Japonesa de Nueva York afirma que la película es “una fantasía alegórica enriquecida por simbolismo y alusiones bíblicas”.
Aunque algunas publicaciones han indicado que la película se basa en la supuesta pérdida de fe del director Oshii en el cristianismo, el propio Oshii ha declarado lo contrario al afirmar que no era cristiano, pero que le parecían interesantes las citas de la Biblia y que tenía un amigo cristiano. La idea errónea de que Oshii era un hombre de fe tiene su origen en una entrevista que probablemente fue mal traducida, en la que se informa que Oshii dijo: “Planeé ingresar a un seminario en un momento dado, pero no lo hice”. A lo que el entrevistador continuó preguntando: “¿Es usted cristiano o simplemente le gusta la Biblia por su filosofía?”. A lo que Oshii respondió: “Por su filosofía”. En la misma entrevista de Animerica, Oshii también dijo: “No soy cristiano, pero he estado leyendo la Biblia desde mis días de estudiante”.
En una entrevista de 1996 con la revista Animerica , Oshii afirmó que la película evocaba elementos que le intrigaban, como «Ruinas; me gustan las ruinas; me gustan los museos; me gustan los peces; me gustan los pájaros; me gusta el agua… y me gustan las chicas». También declaró que las ruinas se le aparecían en sueños.
Oshii dijo en una entrevista de 1985 con Animage que el contenido del huevo representa sueños y esperanzas, algo que puede o no existir, y que si bien la niña creía en lo que había dentro, al romper el huevo, el niño demostró que aquello en lo que ella creía no existía. Respecto al pájaro del que habla el niño, aunque la niña le muestra un fósil de ángel para convencerlo de que el pájaro existe, Oshii afirmó que el ángel no es el pájaro. Oshii también dijo que el final era uno de salvación para la niña, pero no quería que se mostrara de forma directa, y lo hizo difícil de entender.
Lanzamiento
Angel’s Egg fue lanzada en formato directo a video el 15 de diciembre de 1985 por Tokuma Shoten . Además, tuvo un estreno limitado en cines ese mismo año. Aunque Angel’s Egg fue muy aclamada por la crítica y la gente de la industria de la animación en Japón en su lanzamiento, también provocó que Oshii fuera etiquetado como un director que hacía películas difíciles de entender, lo que resultó en que fuera contratado con mucha menos frecuencia durante años hasta que se involucró con Patlabor . Hablando en un festival de cine de animación en 1997 a través de un traductor, Oshii explicó que la película no tuvo éxito financiero en su lanzamiento y fue un obstáculo para que volviera a conseguir trabajo durante años.
El OVA de 71 minutos se usaría más tarde como base para la película independiente de acción real de 1987, In the Aftermath , dirigida por Carl Colpaert . La película de Colpaert intercala ocasionalmente escenas de Angel’s Egg de Oshii con diálogos doblados, que no aparecen en la película de Oshii.
La película se lanzó en disco Blu-ray en 2013 en Japón. Angel’s Egg se proyectó en Japan Society el 14 de octubre de 2022 y posteriormente el 10 de septiembre de 2023 con la presencia de Amano. El 29 de mayo de 2024, GKIDS anunció que había adquirido los derechos de distribución en Norteamérica de la película, y el licenciatario planeaba realizar una restauración en 4K de la película, supervisada por Oshii, así como proyectarla en cines de todo el país. Esta remasterización se presentaría finalmente en el Festival de Cine de Cannes de 2025 , en la sección Cinéma de la Plage . La película también tuvo un estreno limitado en cines de Norteamérica el 19 de noviembre de 2025, tanto subtitulada como con un nuevo doblaje al inglés.
Recepción
recepción japonesa
La película recibió una acogida mayoritariamente positiva por parte de la crítica y los profesionales de la industria durante y después de su estreno.
Yoshikazu Yasuhiko afirmó que la razón por la que la película se siente como algo nuevo es porque no es simplemente un montaje de escenas inconexas, sino un mundo completo represetado en 80 minutos. También comparó el arte de la película con el modernismo de Belladonna of Sadness , siendo bello pero también peligroso.
Haruhiko Mikimoto expresó su aprecio por la dirección artística, en particular por el uso de personajes a color sobre fondos monocromáticos, el uso de siluetas en los fondos y la presencia de objetos apenas visibles en la oscuridad. También afirmó que Angel’s Egg resaltaba la mejor cualidad de una OVA, que es permitir al creador plasmar su visión, y que la calidad de la película la hacía digna de proyectarse en una sala de cine.
Shoji Kokami elogió mucho la película, diciendo que es un “poema bidimensional de imágenes que toman forma” que “debería ser valorado como una cumbre del medio de la animación”.
El crítico y productor de anime Noriaki Ikeda [ ja ] también elogió mucho la película, diciendo que la ambientación apocalíptica, los aspectos religiosos y la falta de vida en ella atraen y desconciertan a los fanáticos de la ciencia ficción. También contrastó la película con Urusei Yatsura 2: Beautiful Dreamer y Dallos , diciendo que mientras que estas trataban de dar significado a un mundo ficticio, crea un mundo anormal para dar significado a los personajes.
La película ha obtenido más reconocimiento de la crítica por parte de críticos y profesionales de la industria en años posteriores, con personas como Shoji Kawamori , Ryu Mitsuse , Hideo Osabe , Takashi Murakami , y los directores Shunji Iwai y Akiyoshi Imazeki [ ja ] colmándola de elogios.
Hayao Miyazaki fue más crítico con la película y relata que Toru Horikoshi , quien era productor de Nippon TV en ese momento, se quedó dormido viéndola, y que si bien Michihiko Suwa de Yomiuri TV la aprobó para su transmisión televisiva, dijo que no la entendía. El propio Miyazaki dijo sobre la película que “aprecia el esfuerzo, pero no es algo que otros entenderían” y de Oshii “emprende un viaje sin retorno sin pensar en cómo regresar”.
Oshii cuenta que su madre dijo al ver la película que nadie volvería a ver sus películas.
Recepción occidental
Los críticos occidentales encontraron la película confusa, citando su alegoría, simbolismo y final como razones. Brian Ruh afirmó que era “una de las películas más bellas y líricas del medio animado”. Algunos críticos occidentales dicen que la película es difícil de entender, con imágenes y narrativa que son a la vez crípticas, enrevesadas y alegóricas. Jason Thompson escribiendo en la revista en línea J-pop de Viz Media comparó el estilo de la película con Night on the Galactic Railroad mientras señalaba que el significado de la película puede ser esquivo, afirmando ” Angel’s Egg se evoca un estado de ánimo y un mundo que es poderoso a pesar de —quizás debido a— no ser conscientemente comprendido”. Kara Dennison de Otaku USA dijo “La colaboración de Mamoru Oshii de 1985 con Yoshitaka Amano es uno de los animes más bellos entregados al cine”.
La escritora de Anime News Network, Lynzee Loveridge, comparó el tono y el estilo de la película con Belladonna of Sadness de Eiichi Yamamoto y Fantastic Planet de René Laloux , y dijo: “Hay pocas cosas parecidas en el medio de la animación, y los fanáticos de las obras reflexivas y experimentales solo pueden esperar que una mayor difusión legítima pueda llevar a una mayor disponibilidad”.
Helen McCarthy la llamó “una obra maestra temprana del cine simbólico”, afirmando que “su belleza surrealista y su ritmo pausado crearon una atmósfera zen, diferente a cualquier otro anime”. En su libro Horror and Science Fiction Film IV , Donald C Willis describió la película como “una película de ciencia ficción y fantasía inquietante, poética y melancólica, y —al menos para los espectadores que no hablan japonés— muy críptica”. Willis también incluyó la película en su lista de las películas más memorables de 1987 a 1997. En un artículo de Senses of Cinema sobre Oshii, Richard Suchenski afirmó que la película era la “destilación más pura de la mitología visual de Oshii y su estilo formal”. La reseña señaló que ” Patlabor 2 es más sofisticada, Ghost in the Shell es más importante y Avalon es más compleja míticamente, pero Angel’s Egg , de baja tecnología y dibujada a mano, sigue siendo la película más personal de Oshii”.
GUNNM, también conocido por los nombres Hyper Future Vision GUNNM y Battle Angel Alita (en español Alita, ángel de combate), es un manga creado por Yukito Kishiro entre 1991 y 1995 y publicado en la revista Business Jump. En 1993 se realizó la adaptación al anime. A pesar de haberse planteado la adaptación de toda la serie, solo se produjeron dos OVAs (uno por cada uno de los primeros tomos), ya que no se vendieron bien en Japón. En parte fue por la crisis económica asiática y en parte porque los fanes fueron decepcionados por una adaptación que simplificaba excesivamente la intrincada trama del manga.
La serie manga se tituló originalmente Hyper Future Vision GUNNM (kanji: 銃夢, pronunciados “gan-mu”, que significan “arma” y “sueño”). Cuando VIZ Media importó el manga a Norteamérica, realizó diversas modificaciones, tales como invertir el sentido de lectura y diversos cambios en la rotulación. El traductor Fred Burke llevó a cabo otras modificaciones más drásticas, principalmente en la adaptación de nombres: desde ese momento Gally será conocida como Alita, Salem será llamada Tiphares (el nombre original es un juego de palabras que surge en conjunto con Jeru, su ciudad hermana: Jeru-Salem/Jerusalén) y finalmente, en todo occidente, el título oficial será Battle Angel Alita.
Cuando la empresa tejana ADV Films adquirió los derechos de distribución de los OVAs decidieron titularlo Battle Angel a fin de que los fanes pudiesen relacionarlo con el manga. Al tratarse de la versión original subtitulada, no hubo más remedio que prescindir de todos los nombres adaptados como Gally. En España fue distribuida en VHS por Manga Films, mientras que en Cataluña fue emitida en El 33 en catalán. Tanto el doblaje en castellano como en catalán lo tradujeron a través del doblaje inglés y no el original japonés. Se sabe que en Hispanoamérica se distribuyó por Quality Films en formato VHS con doblaje hecho en México, en una edición muy rara y difícil de encontrar.
Una serie de problemas nerviosos forzaron a Yukito Kishiro a finalizar prematuramente la serie en el noveno volumen. Pocos años más tarde tuvo la oportunidad de retomar las partes de la historia que omitió por medio de la secuela GUNNM: Last Order, enlazando directamente desde una parte del noveno volumen de Hyper Future Vision GUNNM (Volumen 9, capítulo 4, a partir de la página n°16), rescatando parte de este como punto de partida de GUNNM: Last Order y desechando el resto del noveno volumen. Last Order se encuentra finalizada en Japón con un total de 19 tomos.
A Last Order le siguió GUNNM: Mars Chronicle que empezó su publicación en 2014 y terminó en 2025 con 11 tomos y el anuncio de una nueva serie GUNNM: Panzer Kunst Chronicle, que comenzó su publicación en primavera de 2026.
El manga original en japonés ha sido traducido a: inglés, español, francés, tailandés, chino, alemán, e italiano.
Argumento
La historia habla sobre Gally (Alita en la versión occidental), un cyborg amnésico que es encontrada por el Doctor Daisuke Ido entre la chatarra arrojada desde Salem, la utópica ciudad flotante (renombrada en occidente como Tiphares). Ido reconstruye a Gally y la adopta como su hija pero a medida que pasa el tiempo, queda claro que Gally oculta habilidades de combate tan grandes como misteriosas. Ante esto y como una forma de descubrir su propio pasado, se pondrá a prueba frente a situaciones que estimulen y hagan florecer estas habilidades, de forma que pueda obtener respuestas sobre su origen. Con este objetivo se enfrentará a diversos enemigos cumpliendo roles tales como cazador guerrero, corredora de Motorball, agente de seguridad y muchos otros que pondrán en riesgo su vida. Más adelante, su historia la llevará a enfrentar retos aún mayores y peligrosas criaturas fuera del planeta.
Personajes
Gally/Alita
También conocida como El Ángel de la Muerte o Yoko. Sus restos son encontrados por el cirujano de robots Daisuke Ido en la montaña de escombros arrojados por Salem (Tiphares en la versión occidental), la ciudad flotante. En un inicio, Gally desconoce completamente su pasado; pero al descubrir sus habilidades de combate, decide convertirse en cazador guerrero para recordar su pasado a través del Panzer Kunst, su estilo de combate. A lo largo del manga se puede observar la evolución de Gally en un ser humano, acompañada por el perfeccionamiento de su Chi (el cual le permite sincronizar sus movimientos con los de su oponente para tomar ventaja).
Daisuke Ido
Un notable científico proveniente de Salem. Vive en el Patio de los Desperdicios ayudando a la gente como cirujano de robots, además de trabajar en las noches como cazador guerrero. Encuentra los restos de Gally entre los desechos de Salem, construyéndole un cuerpo decide conservarla como hija, nombrándola Gally.
Desty Nova
El más formidable enemigo de Gally y creador de sus principales oponentes. El enfermo pero brillante científico especializado en nanotecnología, abandonó Salem para experimentar con el karma de cada individuo, y ayudar a conquistarlo. Bajo esta filosofía entregó un cuerpo de gusano a Makaku, potenció el cerebro de Jashugan, resucitó a Zapan y experimentó con su hijo Kaos.
Arcos argumentales
Hyper Future Vision
Comprende la obra original publicada por Yukito Kishiro entre 1990 y 1995, con un total de 9 volúmenes que abarcan desde el momento en que el Doctor Ido encuentra a Gally, pasando por su etapa como cazador guerrero, competidora del Motorball y agente Tuned, hasta el desenlace tras su aparente muerte tras el enfrentamiento contra Nova en el Granite Inn. Originalmente el último volumen incluía más capítulos donde se exponía un primer desenlace de la historia, pero posteriormente este final fue desechado por el autor para continuar la obra en Last Order.
Last Order
Segundo arco argumental del manga publicado entre los años 2000 y 2014, con un total de 19 volúmenes que fue creado por el autor tras desechar el primer desenlace para profundizar y extender la historia. Tras la aparente muerte de Gally al final de Hyper Future Vision, despierta en la ciudad de Salem tras ser reconstruida y perfeccionada por Desti Nova, emprendiendo un viaje fuera del planeta para conocer las civilizaciones del sistema solar y participar en el Zenit Of The Things (ZOTT), el máximo torneo de artes marciales interplanetario, cuyo premio permite al ganador el derecho a fundar una nación con total libertad para escoger las leyes y derechos de su constitución, declarando con ello un desafío hacia los gobernantes corruptos y el orden que imponen.
OVA
En 1993 se lanzó una OVA de dos episodios, que incorpora elementos del segundo volumen del manga con cambios y omisiones notables en los personajes y la historia. Según Kishiro, originalmente se planearon solo dos episodios ya que ese tiempo no se tomaba en serio la idea de una adaptación al anime, estando en ese momento demasiado ocupado con el manga como “para revisar su planificación con frialdad“. Hasta la fecha sigue siendo la única adaptación al anime de Battle Angel Alita.
Los OVA carecen de opening mientras que su ending es la canción Cyborg Mermaid, interpretada por Akima Kaori; con letra de Yanagawa Masumi, música de TSUKASA y arreglos de Daiwa Akira
Adaptación al cine
En febrero de 2019 vio la luz una película de ciencia ficción, basada en el manga “Battle Angel Alita”, titulada Alita: Battle Angel. Está dirigida por Robert Rodriguez, y con James Cameron como productor y guionista, además cuenta en el reparto con Rosa Salazar, Christoph Waltz, Jennifer Connelly, Mahershala Ali y Ed Skrein.
Nausicaä del Valle del Viento (風の谷のナウシカKaze no Tani no Naushika) es un manga creado por Hayao Miyazaki en 1982, que sirvió de base para una película del mismo título, dirigida por el citado director, en 1984.
Miyazaki escribió el manga Nausicaä a lo largo de 12 años, quedando parado a intervalos, mientras trabajaba en proyectos del Studio Ghibli. Fue publicada en la revista Animage de Tokuma Shoten, entre febrero de 1982, y marzo de 1994. Como era de esperar, la historia del manga es mucho más compleja que la del anime, puesto que este fue realizado cuando la historia estaba a medias y sólo abarca los dos primeros tomos y de una forma muy resumida. Hay diferencias significativas en la trama, aunque el tema principal, la relación del ser humano con la naturaleza sigue teniendo un papel prominente.
Se desarrolla mil años después de una guerra apocalíptica conocida como los Siete Días de Fuego, que destruyó la civilización industrial y dejó gran parte del planeta cubierta por el Mar de la Corrupción o Fukai: un bosque tóxico habitado por insectos gigantes.
La protagonista es Nausicaä, princesa del pequeño Valle del Viento. Ella posee una sensibilidad especial para comprender a los animales y, especialmente, a los gigantescos Ohmu. En lugar de considerar al bosque y a sus criaturas como simples enemigos, intenta descubrir su verdadera función y encontrar una manera de que la humanidad pueda convivir con la naturaleza.
La historia se complica cuando el Valle queda atrapado en una guerra entre grandes imperios, principalmente Torumekia y los pueblos Dorok. Ambos bandos pretenden controlar los últimos recursos naturales y recuperar armas biotecnológicas del mundo antiguo, entre ellas los temibles Dioses Guerreros. Nausicaä deberá atravesar campos de batalla, epidemias, conflictos religiosos y conspiraciones políticas mientras intenta evitar una nueva destrucción mundial.
Pero el centro del manga no es solamente la guerra. Miyazaki plantea preguntas profundas:
¿Es realmente venenosa la naturaleza o está intentando sanar el planeta?
¿Tiene la humanidad derecho a controlar artificialmente la vida?
¿Puede existir una paz verdadera sin comprender al enemigo?
¿Vale la pena salvar a una humanidad que continúa repitiendo sus errores?
Nausicaä no es una heroína que simplemente derrota villanos. Es una joven compasiva, científica, líder y pacifista que debe tomar decisiones muy difíciles entre la supervivencia humana y el equilibrio natural.
Manga
Nausicaä es la princesa del Valle del Viento, un pequeño estado en la periferia de un reino una vez conocido como Eftar, que fue engullido por la Zona Contaminada 300 años antes de los sucesos narrados. Los líderes de estos reinos de la periferia son vasallos del Emperador de Tormekia, y están obligados a enviarle refuerzos cuando él decide atacar al reino vecino de Durku. Los de Tormekia tienen un potente ejército tradicional, pero los de Durku han desarrollado una versión genéticamente modificada de un moho de la Zona Contaminada para vencer a sus invasores. Cuando lo introducen en la batalla, su multiplicación y mutación sobrepasan la capacidad de control de los Durku y termina en un “Daikaisho”, que no es más que una ola inmensa de insectos que invaden la tierra (en este caso para “comerse” al hongo mutante). Al hacerlo, la jungla se extiende aún más por la nación Durku, desplazando y matando a un gran número de civiles y convirtiendo la mayor parte de la tierra en estéril.
Sin embargo, el uso del hongo para fines bélicos molesta mucho a Nausicaä, cuyos frecuentes viajes al bosque le han enseñado que la finalidad real del mismo es purificar el planeta de la contaminación de los días antiguos. El Pueblo del Bosque confirma esta suposición de la protagonista y Selm le muestra una visión del terreno restaurado en el centro de la selva. Nausicaä viaja al corazón del territorio Durku para buscar a los responsables de manipular el moho, reclutando en el camino a un Dios Guerrero encontrado en las profundidades del reino de Pejite para abrirse paso entre las fuerzas de Tormekia y Durku.
A pesar de la pérdida de algunos de sus compañeros, al final llega a Shua, la Ciudad Santa de Durku, donde encuentra la verdad sobre la Zona Contaminada, el moho, lo que ha pasado en el mundo, y lo que está por venir aún.
Personajes y reinos
Valle del Viento
El Valle del Viento es un estado pequeño situado en la periferia de lo que alguna vez fue el reino de Eftal, que fue sobrepasado súbitamente por la Jungla tóxica 300 años antes de la historia. Como otras comunidades restantes de Eftal, es vasallo de Tormekia, que le permite mantenerse autónomo a cambio de ayuda en la guerra.
Nausicaä (ナウシカNaushika): es la princesa del Valle del Viento, y está vagamente basada en la princesa griega de la Odisea que ayudó a Odiseo (Nausícaa), como estaba mostrada en la traducción al japonés de un pequeño diccionario de mitología griega escrito por Bernard Evslin. Está también inspirado en la Princesa que amaba los insectos, una historia tradicional japonesa de la Era Heian. Aun siendo una hábil luchadora, Nausicaä es también una amante de la paz y la vida. Tiene una habilidad especial para comunicarse con los insectos gigantes, en especial con los Ohmu. Es notable por su empatía hacia humanos, animales y otros seres. Es una chica inteligente, que inspirada por su mentor Lord Yupa explora con frecuencia la Jungla tóxica y realiza experimentos encaminados a descubrir la verdadera función del bosque y la naturaleza del mundo contaminado donde vive. Tiene gran habilidad para pilotar su Möwe, lo cual facilita sus exploraciones de la selva.
Rey Jhil: padre de Nausicaä, la única de todos sus hijos que no ha perecido.
Maestro Yupa: explorador y uno de los mejores espadachines del mundo, ampliamente conocido en la Periferia, querido en el Valle y temido por sus enemigos por su gran habilidad para la lucha.
Mito (Axel), fiel amigo de Nausicaä.
Teppa, una niña del viento, elegida para reemplazar a Nausicaä como el jinete del viento de la aldea cuando ella se fue.
Gram/Matriarca, una mujer sabia del Valle.
Teto, la ardilla-zorro de Nausicaä.
Kai y Kui, los grandes pájaros que Lord Yupa usa como monturas. Son una pareja.
Pejite
Este reino, en que se desenterró el embrión del Dios Guerrero, fue luego arrasado por los Ohmu:
Asbel, príncipe de Pejite, chico que conoce a Nausicaä cuando esta lo salva de morir por los insectos, después de eso le demuestra que siente confianza y cierto cariño hacia ella. En el final se puede demostrar cierto interés amoroso.
Lastelle (Rastel), princesa de Pejite y hermana gemela de Asbel.
Tormekia
Tormekia es un reino fuerte con un ejército potente, principal antagonista en la historia del anime. Es un estado militarista dirigido por una familia Imperial y una aristocracia, cuya capital es Tolas (“Tras” en el manga).
Lady Kushana, princesa de Tormekia. En el manga comienza comportándose como en el anime (egoísta, antipática, seria…), pero cuando conoce mejor a Nausicaä, empieza a cambiar de personalidad, siendo más amable, comprensiva y preocupada por sus soldados y amigos.
Kurotowa o “Krotoa”: ocupa el cargo de oficial del estado mayor. En el manga es un espía del Rey Vu de Tormekia, con la misión prioritaria de asesinar a Kushana y recuperar la piedra que reactivará al dios guerrero, pero al ser descubierto y amenazado de muerte por Kushana, pasa a su bando y le sirve fielmente.
Rey Vu: es el rey de Tormekia, “la serpiente más venenosa de todas” según el Bufón (¿niño? ¿adulto?) que acompaña a Vu a todas partes. Es el padre de Kushana y sus tres hermanos, aunque se sospecha que Kushana tiene una madre distinta a la de los príncipes.
Los tres príncipes de Tormekia.
Senei: primer oficial del ejército de Kushana.
Durku
Dorok o “Durku” es un imperio teocrático dirigido por un Santo Emperador y un concilio de sacerdotes; está compuesto por un disperso conjunto de 51 principados tribales. La capital es Shuwa, donde está situada la Cripta. Los científicos que hay dentro de ella le han dado a Dorok mucha tecnología perdida, como la manipulación de la vida o la creación de los dioses de la guerra.
Charuka o “Triarca”. Monje guerrero y comandante del ejército de Durku. Aunque inicialmente es el enemigo de Nausicaä, luego se vuelven aliados.
Namulith o Namulis, el Emperador de Durku. El mayor de dos hermanos, es carismático y guerrero, pero carece de los poderes psíquicos de su hermano. Tiene en torno a cien años, y ha sobrevivido a base de trasplantar periódicamente su cerebro a cuerpos clonados. Namulith captura a Kushana, esperando poder casarse con ella para unir los dos reinos. Sin embargo, durante la boda, y de forma accidental es despertado el último de los dioses guerreros , un arma biomecánica con la que Durkhu pretendía terminar la guerra definitivamente. Este al intentar defenderse dispara una serie de rayos letales , alcanzando uno de ellos a Namulith . Herido de muerte , este acude a pedir ayuda a su prometida, Kushana, la cual sin miramiento alguno zarandea el maltrecho cuerpo de Namulith desmembrándolo . Finalmente, de Namulith solo queda su cabeza, que pese a estar amputada del cuerpo , sigue consciente y con capacidad de comunicarse , ya que en la práctica su cuerpo hacia años que no era humano (pese a que el tremendo dolor que experimentaba en esos momentos , si era humano , llegando a suplicar a Kushana que lo remate) . Finalmente su cabeza cae al vacío desde una de las naves nupciales. El Emperador muere sin miedo ni arrepentimiento.
Miralupa, hermano menor del Emperador. Regente junto a Namulith, sus conexiones con la teocracia gobernante de Durku, y sus poderes psíquicos le dan un importante papel en la historia. Aunque es el menor de los dos, parece mucho mayor que su hermano porque aún vive en su cuerpo original, que se mantiene activo mediante dolorosos tratamientos para alargar la vida. Esto se debe a que vio morir a su padre de manera horrible debido a un trasplante de cuerpo fallido, causándole miedo a usar estas técnicas en sí mismo. Tras un revés en la suerte de ambos hermanos, Miralupa es asesinado por Namulith. Su espíritu es redimido por Nausicaä, a la que él había intentado destruir muchas veces.
Anciano, también conocido como “Su Santidad”, de la tribu Mani.
Ketcha, una chica de la tribu Mani. Sabe hablar el idioma de Eftal y de Tormekia.
Chikuku, niño al que Nausicaä encuentra por casualidad en una antigua pagoda (templo sagrado), y que también tiene poderes psíquicos. Se hace llamar “Luwa Chikuku Kulubaluka”, el nombre del antiguo rey de “Dorok” (o “Durku”), que fue derrocado por el padre de Namulith y Miralupa.
Otros
Selm, un Hombre del Bosque.
Ceraine, hermana de Selm.
Ōma, un Dios Guerrero.
Amo del Jardín, Hidra de más de 1000 años de edad que cuida del jardín. Dicho jardín es una especie de cápsula del tiempo, donde la humanidad puso a salvo antiguos conocimientos que abarcan desde la ciencia hasta el arte, e incluso especies animales y vegetales. Para pasar desapercibido este jardín se encuentra camuflado , siendo a simple vista una serie de ruinas. Puede cambiar de forma externa a voluntad para engañar a sus fortuitos visitantes. Gracias a su capacidad de adoptar múltiples formas y a sus poderes telepáticos es capaz de introducirse en lo más profundo del alma de sus víctimas, tomando forma de seres queridos. Mediante estos engaños ofrece a sus visitantes la posibilidad de vivir el resto de su vida en ese paradisíaco jardín como sirvientes, respirando auténtico aire puro y con acceso a los muchos antiguos conocimientos desaparecidos en el mundo exterior hace cientos de años . Pese a tentar a Nausicaä, la voluntad de esta y la ayuda del hombre del bosque Selm le permite escapar de esta prisión. No corren tanta suerte 2 de los Hijos del Rey Vu, que deciden quedarse en el interior del jardín hasta el día de su muerte.
Se conoce otro caso en el que un ser humano consiguió escapar del jardín, el padre de Miralupa y Namulith, antiguo primer emperador de Durku que consiguió derrocar al tirano Kubabaulka.
Kest, asistente del Amo del Jardín. Un grande y bellísimo antílope.
Domadores de gusanos: una tribu de cazadores que vive en los márgenes de la Jungla tóxica. Se dedican a la doma de gusanos-babosa, que usan como sabuesos rastreadores, alquilándose a sí mismos como mercenarios. Los Domadores son rechazados por muchos otros, como si su forma de vida y su contacto con los insectos los convirtiera en “intocables”.
Hombres del Bosque: un pequeño grupo de nómadas que han abandonado el fuego, el metal y la cerámica. Viven por completo dentro de la Jungla tóxica, y están en paz con las criaturas que hay en ella. Son tenidos en gran estima por los Domadores de gusanos, y ambas culturas parecen tener raíces comunes (la madre y los abuelos de Selm eran domadores).
Amo de la Basílica , Entidad de naturaleza orgánica/mecánica creada por los científicos del mundo antiguo, y que gobierna en el Sancta Sanctorum de la basílica de Shua. Vive “encerrado” en la basílica, acompañado por sus elegidos, seres humanos que conocen técnicas de longevidad para poder servir al amo y poder aprender de él. Su función primordial era la de ejercer de guardián custodio de los embriones de los nuevos seres humanos, seres perfectos, empáticos y sabios de forma innata que emergerían de la basílica una vez purificada y limpiada la contaminada tierra y extinguido todo rastro de la humanidad anterior.
Sirvientes del amo Antaño seres humanos , los sirvientes del amo son una serie de criaturas de pequeño tamaño encargados de cuidar y sobre todo de traducir las instrucciones que les proporciona el amo de la basílica. Durante cada solsticio de invierno y de verano, el amo de la basílica da a conocer una palabra en antiguos y desconocidos lenguajes que dichos sirvientes intentan traducir. Estos conocimientos se traducen en importantes innovaciones científicas y tecnológicas que comparten con el concilio de Durkhu , con el cual disponen de una especie de colaboración. Pese a que históricamente, han trabajado para dicho imperio , una vez disuelto y destruido por el Rey de Tormekia , estos sirvientes juran colaboración con el nuevo rey , por lo que su inclinación es más bien neutral. Igual que Namaluiz, sus cuerpos han sido tratados con técnicas biológicas, por lo que en la práctica son casi inmortales, al ser más Hidras que humanos.
La Nada devoradora del alma, otro dios antiguo que atormenta a Nausicaä con la idea de que la raza humana se extinguirá al desaparecer la Zona Contaminada. Es una especie de Parca.
Criaturas
Ardillas-zorro: animales pequeños y felinos considerados imposibles de domesticar. Nausicaä, sin embargo, consigue que Teto se sienta a gusto con ella, y se convierte en fiel compañero a lo largo del viaje.
Hidras: son guerreros poderosos obtenidos mediante ingeniería genética (posiblemente con adiciones mecánicas) de antes de los Siete Días de Fuego. Aunque no son capaces de provocar tanta destrucción como los Dioses Guerreros, son mucho más numerosos y fáciles de mantener. Las Hidras son muy fuertes y prácticamente imposibles de matar. El Maestro Yupa conoce a estos seres y sabe que su punto débil es su ojo superior. Se les puede destruir destrozándoles su sistema nervioso central, localizado detrás de dicho ojo. Namulith poseía un cuerpo de Hidra, aunque, como dijo antes de morir, “tengo el mismo cuerpo que las Hidras, me lo trasplantaron los de la basílica, pero siento dolor como un humano, es injusto”.
A través del amo del Jardín conocemos que la primera persona que utilizó Hidras con fines militares fue el padre de Namaluiz y Miraulpa. Este las consiguió en el Jardín de las hidras y suponemos que con ellas consiguió derrocar al antiguo tirano que ostentaba el poder. Una vez conseguido este objetivo, encerró a las hidras en el llamado ” Sótano de las Hidras ” , sellándolo y creando un tabú que tan solo fue roto durante el golpe de Estado con el que Namaluiz arrebato el poder a Miralulpa.
Ohmu: gigantescos insectos que viven en la Zona Contaminada. Son los “guardianes” del bosque, encargados de su defensa.
Gusanos-babosa: babosas del tamaño de perros pequeños, adecuadas para rastrear olores. Los Domadores de gusanos adoptan su nombre de su vida común con estos animales. A pesar de parecer inofensivos, muchos las consideran impuras.
Gusanos tubulares: simples gusanos que tejen sus nidos en las ramas de los árboles de la Zona Contaminada. Los Hombres del Bosque se alimentan de sus huevos, pero con el extremo cuidado de no dañar las larvas.
Insectos de la especie de los Dragones: insectos voladores con forma alargada, con grandes mandíbulas y un espolón al final de su cuerpo. Son muy fieros a la hora de proteger la Zona Contaminada o atacar a las naves que les agreden.
Términos
Jungla tóxica
La Jungla tóxica (腐海fukai, lit. mar de la putrefacción o de los hongos) o Zona Contaminada es una gran extensión de selva con árboles de gran tamaño basados en la reproducción por esporas y muchos tipos de hongos y otras plantas similares. Las proporciones del bosque, a pesar de que sus árboles cuentan con sólo un milenio de antigüedad, permiten la existencia de una amplia variedad de insectos de tamaños descomunales, entre los que destacan los Ohmu, junto a otros con capacidad de volar, mezcla entre escarabajos y libélulas, de aspectos variopintos y exóticos. En la versión española algunos de ellos fueron denominados tábanos.
El interior de la selva esconde más de lo que a simple vista se esperaría. El subsuelo de la misma está libre de los árboles, quedando las raíces de los árboles escondidas de la vista en grandes cavidades donde el aire es puro y el agua es limpia.
En el manga, el Pueblo del Bosque muestra a Nausicaä que en su centro, el bosque ha dado paso a una tierra libre de él y de la polución que una vez la dejó inservible, y que esa es la verdadera finalidad del bosque, reparar el daño hecho en la antigüedad. Todo esto habría sido preparado por científicos antes de los Siete Días de Fuego.
Ohmu
Los Ohmu (Gorgonas en la vieja versión española que posteriormente fue corregida) son insectos gigantes con 14 ojos y el cuerpo segmentado, con 14 pares de patas bajo su cuerpo en forma de gusano. Al moverse, los segmentos de su cuerpo se repliegan levemente unos sobre otros como en algunos invertebrados. El color de sus ojos está relacionado con su estado emocional, siendo el rojo el color de la ira, el azul profundo el de la tranquilidad, el azul pálido el de la tristeza, y el gris el del sueño. Son las criaturas no humanas más inteligentes de la selva, lo cual no es poco.
Aunque normalmente están tranquilos, en caso de ser atacados pasan rápidamente al rojo. Además, si alguien intenta destruir el bosque en que viven, o si daña a uno de ellos (aún la más pequeña de las crías) pasan a estar rabiosos todos a la vez, lanzándose al ataque como una marea oscura de ojos encendidos. Pejite aprovecha esto para lanzar a los Ohmu contra sus enemigos, secuestrando una cría que mueve con una máquina voladora como cebo para atraer a los demás.
Los Ohmu mudan su caparazón desprendiéndose de su capa superior. Ésta puede ser usada por los humanos como fuente de materia prima por su gran resistencia. Las partes que cubren los ojos suelen usarse como ventanas debido a su forma abovedada y a su resistencia.
Möwe
El Möwe (メーヴェMēve, Mehwe o (incorrectamente traducido como) Montanubes) es un planeador monoplaza. Möwe es la palabra alemana para gaviota, y se refiere tanto a la forma como al color del aparato, así como de la cercanía del Valle del Viento al mar.
Carece de armas aunque el piloto puede soltar granadas cegadoras para desorientar a su perseguidores. Puede almacenar un rifle y una espada entre el fuselaje. No ofrece protección al piloto para los elementos.
Aunque se desconocen sus especificaciones, no alcanza gran velocidad, puesto que el piloto puede sujetarse sólo con sus manos sin caer. Posee la capacidad de despegue casi vertical, con un motor propio. Además de las asas superiores, tiene dos patines de aterrizaje a manera de asas en la parte de abajo, que permiten agarrarse colgando de él. Según se ve en el manga, las alas son plegables para facilitar su almacenaje.
El möwe tiene una envergadura aproximada de 5,8 metros (un modelo a escala 1/20 medía 29cm), y sólo pesa 12kg de acuerdo a las notas de diseño. En 2004, OpenSky Aircraft Project, una iniciativa de origen japonés, empezó sus estudios para construir un möwe con capacidad real para volar.
Dioses Guerreros
Son seres de origen biomecánico considerados responsables de los Siete Días de Fuego. Los esqueletos de metal y cerámica de estas criaturas son una visión común en el paisaje, y se cree que están extintos. Tienen la habilidad de volar doblando el espacio y pueden disparar rayos de energía altamente destructivos. Estas habilidades están sostenidas mediante energía atómica, y se sabe que el contacto con ellos causa envenenamiento por radiación. Los personajes del manga se refieren a esta radiación como Luz venenosa.
Diferencia con la película
La película de 1984 solamente utiliza aproximadamente la historia de los dos primeros tomos. El manga completo consta de siete volúmenes y desarrolla un mundo mucho más amplio, oscuro y complejo, con nuevas naciones, religiones, personajes, guerras y revelaciones sobre el origen del bosque tóxico y el destino de la humanidad.
En pocas palabras, Nausicaä es una epopeya ecológica sobre una princesa que intenta comprender y proteger un mundo que los seres humanos siguen empeñados en destruir. Es una de las obras más filosóficas y ambiciosas de Miyazaki.
Venus Wars nos lleva a una Venus colonizada por la humanidad, donde el avance tecnológico no fue suficiente para evitar los viejos errores de siempre. Dos potencias rivales, Aphrodia e Ishtar, convierten el planeta en un campo de batalla marcado por la ambición territorial, la propaganda y la militarización.
La película muestra que las guerras no aparecen de manera repentina. Antes se pierde la confianza en las instituciones, aumenta la desigualdad, se concentra el poder y se normaliza la idea de que la fuerza es la única solución.
Hiro Seno y los jóvenes protagonistas no provocan el conflicto, pero terminan pagando sus consecuencias. Representan a una generación que debía construir el futuro y que, en cambio, hereda las decisiones de dirigentes y ejércitos.
El mensaje de Venus Wars continúa vigente: una civilización no comienza a colapsar cuando caen sus edificios, sino cuando sus instituciones dejan de servir a la mayoría y convierten a la población en un recurso para las disputas del poder.
GKids adquiere el catálogo de Studio Ghibli en el Reino Unido e Irlanda y prepara el estreno de ‘Kiki, la aprendiz de bruja’ y otros lanzamientos en formato IMAX.
GKIDS adquirió los derechos de distribución de las 23 películas de Studio Ghibli en Reino Unido e Irlanda. El acuerdo incluye exhibición en cines, televisión, plataformas digitales y formatos domésticos. Además, varias películas clásicas llegarán a salas IMAX, comenzando con Kiki: Entregas a domicilio
Anime Expo confirma que el anime ya es una industria central en Estados Unidos
Variety describió Anime Expo 2026 como el cierre de un período de enorme crecimiento para el sector. El evento de Los Ángeles se agotó, reunió más de mil horas de actividades y se convirtió en una plataforma internacional para estrenos, acuerdos y anuncios de estudios japoneses y compañías occidentales.
Hong Kong amplía en un 20 % su mayor feria de anime, cómics y videojuegos
La edición 2026 de Ani-Com & Games Hong Kong anunció su mayor expansión hasta la fecha. El evento aumentó su capacidad en un 20 %, pasó de 160 expositores en 2025 a un récord de 201 expositores y se preparó para recibir hasta 38,000 personas simultáneamente. La feria reúne anime japonés, cómic local, videojuegos, juguetes de colección y demostraciones artísticas en vivo.
COWBOY BEBOP NO CUENTA UNA HISTORIA: IMPROVISA UNA SESIÓN DE JAZZ
Cowboy Bebop no cuenta su historia de manera tradicional: la desarrolla como una sesión de jazz. Cada episodio funciona como una nueva interpretación, donde los personajes se encuentran, se separan y enfrentan sus conflictos siguiendo un ritmo propio.
La música de Yoko Kanno y The Seatbelts no es un simple acompañamiento, sino una parte esencial de la narración. El jazz representa la improvisación y la libertad, mientras que el blues expresa la nostalgia, las pérdidas y el pasado que persigue a los protagonistas.
Spike, Jet, Faye, Ed y Ein pueden imaginarse como distintos instrumentos de una misma banda: cada uno posee su propio estilo, pero juntos crean una convivencia imperfecta que poco a poco se convierte en un hogar.
La serie mezcla ciencia ficción, cine negro, western, comedia y drama, demostrando que una historia también puede avanzar mediante silencios, cambios de ritmo y notas inesperadas. Cowboy Bebop nos recuerda que la vida es una improvisación, pero para continuar debemos aprender a escuchar a quienes están tocando a nuestro lado.
La Dama de Faris: antes de que los héroes se convirtieran en leyenda
Este mes, el Club de Lectura Manga de AnimeRock nos lleva al pasado de la isla de Lodoss con La Dama de Faris, una precuela de Record of Lodoss War ambientada décadas antes de las aventuras de Parn y Deedlit.
La historia sigue a Flaus, una sacerdotisa guerrera consagrada a Faris, dios de la justicia, durante la gran guerra contra el Rey Demonio. En su camino se encontrará con figuras como Fahn, Beld y el mago Wort, personajes destinados a convertirse en parte de los legendarios Seis Héroes de Lodoss.
Con una narrativa llena de magia, demonios, vampiros, guerras entre reinos y difíciles decisiones morales, este manga presenta una visión más seria, oscura y trágica del universo de Lodoss. Su mayor atractivo está en mostrar a los héroes antes de alcanzar la gloria, cuando todavía debían enfrentar sus dudas, sacrificios y consecuencias.
Escrita por Ryo Mizuno e ilustrada por Akihiro Yamada, La Dama de Faris es una lectura ideal para quienes disfrutan de la fantasía épica y desean conocer los acontecimientos que marcaron el destino de Lodoss.
ROBOT CARNIVAL: CUANDO EL PROGRESO OLVIDA PARA QUÉ FUE CREADO
Robot Carnival es una antología japonesa de 1987 que reúne nueve historias sobre la relación entre los seres humanos, las máquinas y el poder. Aunque sus episodios combinan comedia, romance, tragedia y fantasía, todos comparten una inquietante reflexión: la tecnología no hereda nuestra moral, sino nuestras prioridades.
El gigantesco Carnaval de Robots, creado originalmente como espectáculo, continúa atravesando el desierto y destruyendo pueblos mucho después de que su propósito desapareciera. Esta imagen representa a los sistemas que sobreviven a sus creadores y siguen funcionando porque nadie sabe cómo detenerlos.
La película también explora la creación de vida artificial, la competencia tecnológica, la dependencia emocional y las ciudades convertidas en enormes redes automatizadas.
Robot Carnival no habla simplemente de robots rebeldes, sino de máquinas que cumplen con absoluta eficiencia los deseos, ambiciones y errores humanos. Su mensaje sigue vigente: el verdadero peligro no es que la tecnología desobedezca, sino que continúe obedeciendo órdenes que nunca nos atrevimos a cuestionar.
Zero: Legend of Kenshiro ( ZERO ケンシロウ伝, Zero Kenshirō Den ) , la quinta y última entrega de la serie, es un largometraje estrenado en cines el 11 de octubre de 2008. De manera similar al funeral que se realizó para promocionar la segunda película de Raoh, se realizó un evento de boda en el Nippon Seinenkan Grand Hall el 13 de septiembre de 2008 (coincidiendo con el 25 aniversario del debut de Hokuto no Ken en Weekly Shōnen Jump ) para promocionar la película. Keiichi Nanba y Miina Tominaga (quienes prestaron sus voces a las versiones adultas de Bat y Rin en la serie de televisión Hokuto no Ken 2 de 1987 ) interpretaron personajes secundarios en esta película junto con Takeshi Aono (la voz original de Rihaku).
La película sirve como precuela del manga original, mostrando el intervalo de un año entre la derrota de Kenshiro a manos de Shin y su posterior batalla. A diferencia de las películas anteriores, esta tiene una trama completamente original en la que Kenshiro, al borde de la muerte tras su batalla con Shin y habiendo usado sus últimas energías para matar a una manada de lobos, es capturado por traficantes de esclavos. Tras recuperarse, Kenshiro podría haber escapado cuando quisiera, pero eligió quedarse y proteger a los demás esclavos. Esta experiencia profundiza en lo que refuerza la determinación de Kenshiro de luchar por los inocentes y hacer justicia a los malvados en el páramo postapocalíptico como el Salvador de Century’s End.
Robot Carnival (ロボット・カーニバルlit. El carnaval de los robots) es un OVA compuesto por varios cortos y lanzado en 1987 por A.P.P.P.
Consta de nueve cortos de diferentes directores, muchos de los cuales habían empezado como animadores y tenían poca o ninguna experiencia en la dirección. Cada cual tiene un estilo de animación distintivo y las historias varían entre la comedia y el drama. La música de todos los segmentos estuvo compuesta por Joe Hisaishi. Este OVA ha conseguido ser considerado una película de culto.
Segmentos
Apertura
Opening (オープニングApertura?) Tiene lugar en un desierto. Un chico ha encontrado un pequeño cartel con la palabra “Próximamente” que anuncia la llegada del Carnaval de los Robots. Parece asustado y agitado. Advierte a las personas de su pueblo con el deseo de emprender la huida cuando de repente una máquina enorme acompañada de una multitud de robots empieza a abrirse paso hacia la aldea. Antaño una magnífica caravana ambulante, hoy no es más que un ente destructivo, deteriorado y oxidado tras varias décadas vagando por el desierto.
Personal
Escenario / Director / Guion gráfico: Katsuhiro Otomo
Diseño de personaje / Animación clave: Atsuko Fukushima
Fondos: Nizō Yamamoto
Efectos de sonido: Kazutoshi Sato
Franken’s Gear
Franken’s Gear (フランケンの歯車La máquina de Franken) Un científico loco intenta dar vida a su robot con un relámpago, al más puro estilo de Frankenstein. Cuándo logra darle vida, el robot copia todo lo que el científico hace. Lleno de alegría, el científico empieza a bailar hasta que tropieza y cae. Tratando de imitarle, el robot también se pone a bailar, tropieza y cae sobre el científico, matándolo.
Personal
Director / Escenario / Diseño de personaje: Koji Morimoto.
Fondos: Yūji Ikehata
Efectos de sonido: Kazutoshi Sato
Deprive
En “Deprive”, una invasión de soldados alienígenas robóticos ataca una ciudad y secuestra a varias personas, incluyendo una joven chica. Su compañero, un androide, es severamente dañado mientras intenta protegerla, viéndose obligado a presenciar, impotente, cómo se la llevan mientras él sujeta su medallón.
Tiempo después, un muchacho con capacidades sobrehumanas intenta enfrentarse a un ejército de robots, cuando es capturado y torturado por el jefe alienígena, pero entonces se revela que él es el androide que cuidaba a la niña, que se ha sometido a una mejora para convertirse en un androide de combate con aspecto humano. Tras derrotar al jefe de los alienígenas, el androide rescata la chica y emprende la huida. Entonces la chica finalmente se despierta, y lo reconoce gracias al medallón que aún conserva.
Personal
Director / Escenario / Diseño de personaje: Hidetoshi Ōmori
Fondos: Kenji Matsumoto
Efectos de sonido: Junichi Sasaki
Presence
Presencia (プレゼンス?), uno de único dos segmentos que presentan diálogo inteligible, es la historia de un hombre quién tiene una obsesión con una chica robot que ha construido en secreto en un intento de compensar la carencia de cualquier relación cercana con su mujer y familia.
Cuando el robot desarrolla una personalidad propia, más allá lo que el hombre la había programado, este sufre un acceso de pánico destruyendo a su creación, abandonando su laboratorio secreto y su creación según el para siempre. Veinte años más tarde, el hombre tiene una visión de su robot que aparece ante él, pero entonces ocurre una explosión donde la robot es destruida, antes que pueda tomar su mano. Regresa a su antiguo laboratorio en la cabaña para encontrar sus restos en el mismo lugar donde años antes la había destruido. Pasan otros veinte años y la robot aparece otra vez ante el hombre. Ahora ella puede tomar su mano y pasean a la distancia juntos, antes de desaparecer delante de su impresionada mujer.
Poco diálogos narrando los acontecimientos en primera persona.
Personal
Director / Escenario / Diseño de personaje: Yasuomi Umetsu
Asistencia de producción de la animación: Shinsuke Terasawa, Hideki Nimura
Fondos: Hikaru Yamakawa
Efectos de sonido: Kenji Mori
Reparto principal
Personaje
Japonés
Español
Protagonista
Kohji Moritsugu
Ricky Coello
Chica
Junko Terada
Núria Mediavilla
Abuela
Keiko Hanagata
Hija (después del matrimonio) / Pequeño Mecha
Kumiko Takizawa
Starlight Angel
“Starlight Angel” es una historia bishōjo futurista sin diálogos que presenta a dos amigas adolescentes que pasan la tarde divirtiéndose en las atracciones de un Parque de atracciones con temática de robots. Una de las chicas revela a la otra que comenzado un noviazgo con un muchacho y se reunirá con él en el parque para que ella lo conozca; mientras se dirigen al lugar de encuentro chocan con un robot quien queda deslumbrado por la otra muchacha, quien pierde un relicario y el robot decide buscarla para devolvérselo.
Tras conocer al novio de su amiga descubre que es el muchacho con quien también ella mantenía una relación y quien le regaló el colgante que acaba de perder, por lo que huye con el corazón roto mientras su amiga molesta rompe con él. La muchacha accidentalmente entra a un juego de realidad virtual y se encuentra allí con el robot, paseando juntos y logrando que ella sonría, pero al ver nuevamente el colgante que él intenta devolverle, sus emociones negativas hacen que la simulación cree un monstruo del cual el robot debe rescatarla, al hacerlo descubre que en realidad es un muchacho disfrazado y que se ha ganado su corazón.
La historia acaba con la muchacha y su amiga nuevamente juntas fuera del parque que ya ha cerrado mientras esperan que el joven acabe su turno para regresar juntos.
El estilo visual de este segmento fue fuertemente influido por el vídeo musical “Take on Me” de grupo A-ha.
Personal
Director / Escenario / Diseño de personaje: Hiroyuki Kitazume
Fondos: Yui Shimazaki
Efectos de sonido: Kenji Mori
Nube
“Nube” presenta el viaje de un robot a través de tiempo, y la evolución de hombre. El backdrop está animado con nubes que describe varios acontecimientos del universo, como la modernización de hombre así como la autodestrucción de hombre. Finalmente el mismo ángel quién llora su inmortalidad lo hace humano. La animación está hecha en un scratchboard o estilo de aguafuerte.
Personal
Director / Escenario / Diseño de personaje: Manabu Ōhashi (como “Mao Lamdo”)
Animación: Hatsune Ōhashi, Shiho Ōhashi
Efectos de sonido: Suwara Pro
Cuentos extraños de Meiji Cultura de Máquina: Invasión del Extranjero
Meiji Karakuri Bunmei Kitan: Kōmōjin Shūrai no Maki? (明治からくり文明奇譚〜紅毛人襲来之巻〜“Cuentos extraños de Meiji Cultura de Máquina: Westerner Invasión) Renombrado como “Un Cuento de Dos Robots, Capítulo 3: Invasión Extranjera” para Streamline. Ocurre en el sigloXIX, más precisamente a inicios de la Era Meiji, y presenta dos “robots gigantes” dirigidos por una tripulación humana. La historia comienza con la lucha de robots gigantes para tomar el control de Japón, pero es desafiado por unos lugareños que operan una “máquina hecha para un desfile”—un robot gigante japonés. El estilo de este segmento es una reminiscencia de la Segunda Guerra Mundial una película de propaganda. A pesar del título de este segmento, no hay ninguna precuela o secuela conocida. El occidental habla inglés en la versión original.
En este corto también trabajaron animadores del estudio Gainax, como Yoshiyuki Sadamoto y Mahiro Maeda. Su estilo es reconocible y guarda ciertas semejanzas con la que ese mismo año, 1987, sería su primera película, Royal Space Foce: The Wings of Honnêamise.
Personal
Director / Escenario: Hiroyuki Kitakubo
Diseño de personaje: Yoshiyuki Sadamoto
Diseñador mecánico: Mahiro Maeda
Asistencia de animación: Kazuaki Mōri, Yuji Moriyama, Kumiko Kawana
Fondos: Hiroshi Sasaki
Efectos de sonido: Junichi Sasaki
Reparto
Personaje
Japonés
Español
Sankichi Komegata
Kei Tomiyama
Alberto Mieza como Kichi
Yayoi
Chisa Yokoyama
Aurora Ferrándiz como Yaori
Fukusuke
Katsue Miwa
Jordi Pons como Toki
Denjirō
Kaneto Shiozawa
Mario Arpal
Daimaru
Toku Nishio
Antonio Gómez de Vicente como Gordo
John Jack Volkerson III
James R. Bowers
Pepe Mediavilla como Jonathan Jameson Volkerson III
Hombre pollo y Cuello Rojo
Niwatori Otoko to Akaikubi? (ニワトリ男と赤い首Hombre de pollo y Cuello Rojo), retitulada a “Pesadilla” por Streamline; se desarrolla una noche en la ciudad de Tokio. un gigantesco ser robótico quiere hacerse con el control de la ciudad y gobernarla para lo que despierta a un heraldo, el “Hombre Pollo”. Éste tiene el poder de dar vida a las máquinas, creando así un ejército para su amo. El único humano que queda despierto es un asalariado borracho (Cuello Rojo, llamado así por una bufanda que lleva de ese color) que presencia las actividades del Hombre Pollo e intenta asustado huir de él a toda costa montado en una scooter. La persecución lleva a Cuello Rojo a evitar la invasión pues si algún humano está despierto al alba el plan del malvado Robot fallará. Cuando sale el sol sin haber podido atrapar a Cuello Rojo los robots desaparecen y todo vuelve a la normalidad, pero Cuello Rojo se despierta y descubre que las máquinas ahora están incrustadas en lo alto de un conjunto de rascacielos, mientras que los ciudadanos de Tokio hacen sus vidas muy abajo aparentemente ajenos a todo lo que ha ocurrido.
Este segmento está inspirado en la “Noche en Bald segmento” de Montaña de Fantasía y fue también influido por la Leyenda de Sleepy y Las Aventuras de Ichabod y Señor Sapo.
Estos representa el mito japonés que señala que las máquinas pueden crecer por conectar a otras máquinas, a toda costa fuera de los propósitos a los qué estuvieran diseñados ( Roujin Z).
Personal
Director / Escenario / Diseño de personaje: Takashi Nakamura
Fondos: Hiroshige Sawai
Efectos de sonido: Jun’ichi Sasaki
Final
Ending (エンディングFinal?). Es el secuela del primer segmento, del prñ segmento del OVA), el Carnaval de Robot está parado por una duna en el desierto. Incapaz de subir la obstrucción arenosa, las parada de Carnaval en su base. Cuando el sol esta sobre la reliquia ambulante, flashback recuerdan la grandiosidad del Carnaval en la cumbre de su existencia, y de su gloria pasada en el viaje alegrando a tantas ciudades. En el atardecer, vemos la plataforma adelante con una explosión repentina. El empujón final prueba ser demasiado para el envejecido artefacto, y finalmente se desbaratan en múltiples piezas en el desierto. Los créditos son mostrados, concluyendo con un epílogo.
En el epílogo al final de los créditos, muchos años después, un hombre descubre un objeto entre los restos y lo trae a su familia. Es una caja de música presentando un robot de miniatura ballerina. Cuando baila, los niños aplauden. La ballerina acaba su baile con un salto al aire y explota, destruyendo la casa donde la familia había vivido, dejando en letras enormes “FIN” en su sitio como el superviviente único, la llama de mascota de la familia, lucha para recuperar y ponerse de pie.
Personal
Escenario / Director / Guion gráfico: Katsuhiro Otomo
Diseño de personaje / Animación clave: Atsuko Fukushima
Fondos: Nizō Yamamoto
Efectos de sonido: Kazutoshi Sato
Lanzamiento
El OVA se lanzó en Japón en VHS y laserdisc el 21 de julio de 1987 a través de JVC. Carl Macek licencio el OVA y las distribuyó en teatros y en vídeo en América del Norte a finales de 1980.
Una Edición limitada en DVD para la Región 2 de Carnaval de Robot se lanzó en Japón a través de Diversión de Viga en noviembre de 2000. Una Región 1 DVD de Carnaval de Robot se lanzó en los Estados Unidos por Diskotek en 2015.
Perfect Blue (パーフェクトブルーtdl. ‘Azul perfecto) es una película japonesa del género thriller psicológico dirigida por Satoshi Kon, siendo ésta su ópera prima. La película se basa en la novela Perfect Blue: Complete Metamorphosis (パ ー フ ェ ク ト ・ ブ ル ー 完全 変 態Perfect Blue: Kanzen Hentai?) de Yoshikazu Takeuchi. Perfect Blue ha cosechado elogios por parte de la crítica y es considerada actualmente una obra maestra de la animación, siendo elegida como una de las mejores películas de anime.
Diversos medios han señalado erróneamente que el director de cine estadounidense Darren Aronofsky compró los derechos de Perfect Blue para poder recrear una escena de la película en Black Swan (conocida en español como El cisne negro o Cisne negro) filme que obtuvo más de 80 premios internacionales. Esto ha sido sin embargo negado repetidamente por el propio director, que ha rechazado cualquier inspiración a pesar de las evidentes similitudes entre ambos filmes, que van desde composiciones de planos hasta secuencias completas.
Perfect Blue Ficha técnica Dirección Satoshi Kon Producción Hitomi Nakagaki / Yoshihisa Ishihara / Yutaka Tōgō / Masao Maruyama / Hiroaki Inoue Guion Sadayuki Murai Basada en Perfect Blue Complete Metamorphosis de Yoshikazu Takeuchi Música Masahiro Ikumi Fotografía Hisao Shirai Montaje Harutoshi Ogata Protagonistas Junko Iwao / Rica Matsumoto / Shinpachi Tsuji Datos y cifras País Japón Año 1997 Estreno 28 de febrero de 1998 (Japón) Género Thriller psicológico Duración 80 minutos Clasificación R Idioma(s) Japonés Compañías Productora Madhouse Distribución Rex Entertainment Recaudación 558 598 dólares estadounidenses
Mazinger Z vs. Devilman(マジンガーZ 対 デビルマンMazinger Z tai Devilman) es una película animada de 1973 producida por Toei Animation que forma parte y mezcló a dos series entonces populares del Anime, Mazinger Z y Devilman, que fueron creadas por el artista Gō Nagai, ambas serie linealmente no tenían nada que ver una con otra pero en éste filme se unen las líneas argumentales de ambas series y personajes. El título de tal filme realmente se refería a “Mazinger Z y Devilman” ya que no pelean entre ellos, sino más bien juntos en la línea argumental. El término VS. se refería a ésta mezcla de series y duelo de popularidades de las series de Gō Nagai.
Historia
La historia comienza con una batalla entre bestias mecánicas desconocidas del Doctor Infierno y Mazinger Z con Afrodita A. Los héroes ganan, pero la batalla libera accidentalmente a un demonio femenino gigante llamado Siren que emerge de abajo de la tierra. El Demonio se va volando antes de que puedan hacer cualquier cosa sobre él, no sin antes amenazar a la raza humana sobre la maldad que se avecina. No obstante a lo lejos Akira Fudo la ve y se transforma en Devilman para volar detrás de ella. El Dr. Hell, que observó la batalla, concluye que Shiren es parte de la Tribu de demonios que según una leyenda, gobernó la tierra desde tiempos muy remotos antes de la llegada del hombre.
Usando a una fortaleza voladora llamada Navalón, exclusiva para esta película junto con su súbdito el Barón Ashler siguen a Siren a las montañas de Himalaya, donde se hallan los restos de la tribu demoníaca. El Dr. Infierno ayuda a liberar a algunos de los demonios con uno de sus robots y hace un pacto con ellos para ayudarles para derrotar a su enemigo, Devilman, si le ayudan a derrotar Mazinger, esto después de realizarles un lavado de cerebro con un control telepático. Sin embargo no se dan cuenta de que Devilman ha espiado en su conversación. Más adelante, Akira advierte a Koji sobre esto pero además de prevenirle que Mazinger es débil a los ataques desde el cielo al no poder volar y que es un montón de hojalata que no vale para nada ante tal amenaza; esto lleva a los dos adolescentes de mal genio a competir en motocicletas para que uno u otro se retracte.
Mientras tanto los científicos e ingenieros del Laboratorio de Investigaciones Fotoatómicas, están trabajando ya en solucionar la desventaja Mazinger contra sus enemigos al no poder volar, por lo que están a punto de concluir el diseño e implementación de un par de alas gigantes turbopropulsadas con motores jet que se acoplan externamente al robot, a éste artefacto le llamarían Jet Scrander. Sin embargo uno de los demonios les ha espiado e informa esto al Dr. Infierno, quien envía a un demonio y a Siren para destruir el Jet Scrander. Los científicos del laboratorio reciben un ataque sorpresivo de ambos demonios y atrapan a varios de ellos.
Koji es atrapado por uno de los tentáculos del demonio Mogu, pero logra disparar su pistola de rayos incinerando varios tentáculos. Siren mientras tanto aprovecha para destruir casi por completo el Jet Scrander y escapa tomando a Shiro y Sayaka como prisioneros. Sobrevolando la montaña Shiren deja caer a sus cautivos desde enorme altura para que sean despedazados por las puntas de los carámbanos en las cumbres. En último instante aparece Devilman, quien los rescata. Koji, que iba tras ellos, ve el cambio de Akira en Devilman y así descubre el secreto.
Las fuerzas combinadas del Dr. Infierno y los demonios atacan el laboratorio fotónico y Devilman vuela para ayudar a defenderlo, tratando de seguir al demonio Mogu es capturado y llevado a un lugar más allá de las nubes donde es crucificado en una cruz del hielo y torturado por los demonios por ser un traidor y desertor de su tribu. Tan pronto como es reparado el Jet Scrander, Koji lo utiliza para alzar a su robot sobre los cielos. Comienza entonces la batalla y Koji mata a varios los demonios, entre ellos a Siren a quien le cercena parte de la cabeza atravesándola por un gran carámbano puntiagudo de hielo. Tras esto libera a Devilman y finalmente destruye la fortaleza Navalon del Dr Infierno, obligándolo a escapar.
Akira revela a Koji que es un miembro desertor de la tribu demoníaca y lucha para proteger humanidad ya que alcanzó a comprender los sentimientos humanos de los cuales los demonios carecen. La película termina con Koji y Akira en buenos términos, con los dos volando junto a la puesta del sol.
Mazinger contra el general negro es una película de animación japonesa de 1974 del género mecha que sirvió como enlace alternativo entre la serie Mazinger Z y la serie Great Mazinger. Básicamente, presenta a Great Mazinger a la audiencia, así como a sus enemigos del Imperio Mikene, mostrando la derrota de Mazinger Z. Fue lanzado el 25 de julio de 1974.
El episodio final de la serie de anime Mazinger Z contaría la historia de manera un poco diferente, pero con resultados similares en la trama.
La historia involucra a un científico loco, el Doctor Hell, quien descubre tecnología robótica perdida y la usa para crear robots gigantes con los cuales gobernar el mundo. El Doctor Juzo Kabuto descubre ésto, y escapa a su captura. Kabuto se prepara entonces para la inminente invasión con dos descubrimientos científicos: la energía Foto-Atómica y la Super Aleación Z, procesada del Japanium (un nuevo elemento científico extraído del Monte Fuji, en Japón). Sin que nadie supiese, el Doctor Kabuto crea al robot gigante Mazinger Z en base a la aleación del Japanium. El teniente de las fuerzas del Doctor Hell, Baron Assler, destruye la villa en la montaña del Doctor Kabuto, pero no sin antes que el Doctor Kabuto contactara a su nieto Koji Kabuto para pedir de su ayuda. Koji descubre el laboratorio secreto de su abuelo, y por consiguiente, a Mazinger Z.
Título original: マジンガーＺ対暗黒大将軍 (Majingâ Zetto tai Ankoku Daishôgun) Estudio de doblaje: Soundlab, Inc. Lugar de doblaje: Estados Unidos Miami País de origen: Japón Año: 1974
📚⚔️ Manga del mes en el Club de Lectura AnimeRock:
Record of Lodoss War – La Dama de Faris
Antes de que Lodoss se convirtiera en una tierra de leyendas, hubo una guerra que decidió el destino de toda la isla.
La Dama de Faris nos lleva a una época anterior a las aventuras más conocidas de Record of Lodoss War. En medio de una invasión demoníaca, la sacerdotisa guerrera Flaus emprende un viaje para combatir una amenaza que pone en peligro a todo Lodoss.
En el camino conoceremos a guerreros, magos y líderes que aún no son leyendas… pero que con el tiempo serán recordados como los Seis Héroes de Lodoss.
La Dama de Faris es una precuela de Record of Lodoss War. Se sitúa décadas antes de las aventuras de Parn y Deedlit, durante la gran guerra contra el Rey Demonio.
La protagonista es Flaus, una sacerdotisa guerrera de Faris, dios de la justicia. Ella reúne —o se cruza con— figuras legendarias de Lodoss como Fahn, Beld y el mago Wort, quienes más adelante serán conocidos como parte de los Seis Héroes.
La historia combina fantasía épica, guerras entre reinos, demonios, vampiros, magia y conflictos morales. Su punto más interesante es que muestra a los héroes antes de convertirse en leyendas y presenta una versión más seria, oscura y trágica del mundo de Lodoss. No sigue al grupo clásico del anime, sino a la generación anterior que preparó el destino de la isla.
El manga fue escrito por Ryo Mizuno y dibujado por Akihiro Yamada; está completo en dos tomos en su edición japonesa y también ha tenido edición integral en español.
¿Por qué leerlo?
✨ Es una gran puerta de entrada al universo de Lodoss, incluso si nunca has visto el anime.
⚔️ Tiene el espíritu de las aventuras clásicas de fantasía: castillos, magia, demonios, caballeros y grandes batallas.
🎲 Su mundo nació de la pasión por los juegos de rol, por eso se siente como una gran campaña de fantasía épica.
🎨 El dibujo de Akihiro Yamada convierte cada página en una ilustración llena de detalle, dramatismo y belleza.
📖 Es una historia sobre fe, justicia, sacrificio y el nacimiento de héroes que marcarán una era.
Datos curioso: la edición integral en español reúne la historia completa en 592 páginas, en una edición de tapa dura con estuche.
La edición integral en español de Planeta Cómic tiene 592 páginas.
La edición anterior salió en dos tomos: 296 páginas el primero y 232 páginas el segundo.
El universo de Lodoss surgió de una campaña de rol desarrollada por Ryo Mizuno y Hitoshi Yasuda; esa raíz explica su combinación de guerreros, sacerdotes, hechiceros, reinos y conflictos épicos.
Este julio, acompáñanos a descubrir una de las piezas más especiales de la fantasía japonesa clásica.
