Afro Samurai: Resurrection (アフロサムライ レザレクション, Afuro Samurai Rezarekushon ) , (estilizado como ΛFΓO SΛMUΓΛI RESUΓΓECTIOΠ ) es una película de televisión animada japonesaen inglés de 2009,secuela de la Serie de anime Afro Samurai , protagonizada por Samuel L. Jackson y Lucy Liu . Se emitió en Spike TV el 25 de enero de 2009.
Trama
Sin ningún propósito tras vengarse de Justice, Afro Samurai, portador de la diadema número 1, pasa sus días esculpiendo figuras históricas en madera y lleva años sin batirse en duelo. Jinno, su hermano adoptivo, ahora un cíborg sin emociones, y su hermana, Lady Sio, lo emboscan y lo golpean brutalmente, robándole la diadema y la mandíbula de su difunto padre, Rokutaro . Sio le dice a Afro que resucitarán a Rokutaro y lo usarán para vengarse, desafiándolo a encontrar la diadema número 2 si tiene la voluntad de luchar.
Tras reforjar su espada, Afro acude a una casa de apuestas, donde el último superviviente del Clan de los Siete Vacíos, el Hermano 3, lo reta a una partida de dados por la identidad del Número 2. Afro descubre que el Hermano 3 hace trampa y lo obliga a revelar que el Número 2 pertenecía al ronin Shichigoro. Sin saberlo, Afro salva al hijo adoptivo de Shichigoro, Kotaro, y posteriormente lo mata, dejando a Kotaro con sed de venganza. Afro se apodera de la diadema del Número 2 y procede a destruir a tres guerreros cíborg, que resultan ser los hermanos adoptivos de Sio. Sio utiliza ciencia prohibida para resucitar a Rokutaro, convirtiéndolo en un guerrero sin alma.
Con Afro herido en su pelea anterior, Rokutaro hiere mortalmente a su hijo, estrangulándolo hasta que pierde el conocimiento. La visión de Afro agoniza hace que Jinno recuerde el vínculo que una vez compartieron como hermanos, y ataca a Rokutaro, quien mutila su cuerpo. Sio intenta salvar a su hermano, pero Rokutaro la atraviesa con el cuerpo de Jinno. Después de que mueren, una chispa del cuerpo de Jinno viaja a través de la sangre derramada de Sio y revive a Afro. Él acepta que Rokutaro no es su verdadero padre y lo mata. Afro recupera la diadema Número 1 y le da la Número 2 a Kotaro, diciéndole que estará listo para cuando quiera vengar a Shichigoro. Mientras Afro viaja al Monte Shumi y busca un retador como Número 1, su compañero imaginario Ninja Ninja reaparece ante él, hablando sobre el ciclo interminable de venganza y derramamiento de sangre.
Diferencia entre versiones
El final difiere entre la versión en DVD y la versión televisiva de la película. En la serie, Afro recupera la diadema y se topa con un hombre enmascarado mientras la imagen de Justicia aparece por un instante. En la versión del director en DVD, Afro recupera la diadema número 1. Tras los créditos, Justicia reaparece.
Comunicados
La película se emitió en Spike TV el 25 de enero de 2009. Se lanzó en DVD el 3 de febrero de 2009, y en PlayStation Store en mayo de 2009. La película se estrenó en el Festival de Cine Asiático de San Diego el 16 de octubre de 2009. Se emitió en la transmisión de YouTube de Funimation , del 31 de julio al 5 de agosto de 2011. Para el lanzamiento en el Reino Unido en Netflix, la película fue uno de los títulos iniciales para el lanzamiento de enero de 2012.
Recepción
Zac Bertschy de Anime News Network afirmó sobre Afro Samurai: Resurrection que “es una película magnífica”, con “una animación increíble, secuencias de acción espectaculares [ sic ] y una banda sonora impactante de Ghostface”. Zac señaló que la trama es solo “un adorno” y que, si trata de algo, es de “ser genial”. Zac criticó que la película sea solo una excusa para enlazar escenas de lucha y que, a medida que avanza, se hace más evidente lo “débil que es el guion”.
Hyper elogia el anime por su arte, diciendo: “Las poses estilizadas y las imágenes nítidas y dinámicas han sido durante mucho tiempo un elemento distintivo de esta serie, y se mantienen [en el anime]”. Para el premio Emmy en horario estelar al mejor programa de animación , la película perdió ante la serie estadounidense Foster’s Home for Imaginary Friends. Aunque el director de arte de la película, Shigemi Ikeda, ganó un premio Emmy en horario estelar por “Logro individual sobresaliente en animación”.
Afro Samurai de Takashi Okazaki Guion de Yasuyuki Mutō / Josh Fialkov / Eric Calderón Historia de Takashi Okazaki / Fuminori Kizaki Dirigido por Fuminori Kizaki Protagonizada por Samuel L. Jackson / Lucy Liu Música de RZA Países de origen Japón / Estados Unidos Idioma original Inglés Productores ejecutivos Shinichiro Ishikawa / Leo Chu / Eric García / Arthur Smith / Samuel L. Jackson Productores Hiroshi Kumada / Chris Carlisle / Eric Calderón Editor Hirose Kiyoshi Tiempo de ejecución 100 minutos Compañía productora Gonzo Presupuesto 5 millones de dólares Lanzamiento original Red Televisión Fuji (Japón) / Spike TV (Estados Unidos) Liberado 25 de enero de 2009
MD Geist ( japonés :装鬼兵MDガイスト, Hepburn : Sōkihei MD Gaisuto ; literalmente “Armoured Demon Soldier MD Geist”) es una serie de anime y cómics sobre unmundo post-apocalíptico .
Geist (el personaje principal) es conocido coloquialmente como el Soldado Más Peligroso , modificado genéticamente para superar a otros soldados durante una larga guerra en un planeta llamado Jerra. Fue puesto en animación suspendida en una cápsula de estasis que orbitaba el planeta como resultado de su método de combate extremadamente abrumador, hasta que la cápsula se estrelló varios años después, despertándolo y devolviéndolo a la guerra en el planeta.
Sinopsis
M.D. Geist
La humanidad ha expandido su civilización a múltiples sistemas estelares y ha colonizado numerosos planetas. En Jerra, un planeta conocido como el Ejército Negsrom, se encuentra en guerra con el Ejército Regular de Jerra. Geist, comandante de las fuerzas especiales de Jerra, fue modificado genéticamente mediante un nuevo proceso científico denominado «teoría del bioclon». Su ferocidad en combate fue tal que se ordenó su colocación en animación suspendida a bordo de un satélite de estasis y su lanzamiento a la órbita de Jerra.
Tras varios años, el satélite se estrella en Jerra y Geist despierta. En una ciudad desolada, Geist descubre a un grupo de bandidos, cuyo líder asesina a un soldado rezagado que lleva un traje de combate. Geist se enfrenta al líder bandido por el traje del soldado fallecido. En una lucha a muerte por el traje, Geist acaba con el líder. Paia, una bandida que fue amante del antiguo líder, se siente atraída por la fuerza de Geist, pero, aparte de su conocimiento de las actividades de ambos ejércitos, Geist no muestra ningún interés en ella. Geist, como nuevo líder de los bandidos, divisa un acorazado terrestre del Ejército Regular, el Noah Guards, bajo ataque de las fuerzas de Negsrom y encuentra una oportunidad para salvarlo a cambio de un precio. Geist, junto con Paia, forma una alianza inestable con la tripulación del Noah Guards, liderada por el coronel Crutes, antes de participar en una misión para impedir la activación del dispositivo apocalíptico del Ejército Regular, la “Fuerza de la Muerte”. La cuenta regresiva de la Fuerza de la Muerte comenzó poco después del asesinato de un alto cargo del Ejército Regular. Su objetivo es aniquilar toda forma de vida en Jerra sin distinción.
Geist se equipa con el traje de combate que ha adquirido, el cual ha personalizado y modificado para reflejar su habilidad de lucha, y participa en un asalto al Palacio Cerebral, donde se encuentra la computadora responsable de la Fuerza de la Muerte. Todos, excepto Geist y Crutes, mueren durante la invasión. Al llegar a su destino, Geist se enfrenta a un robot de seguridad avanzado activado por Crutes, quien revela que también pretende matarlo. Mientras Geist lucha contra el robot, Crutes logra desactivar la Fuerza de la Muerte. Sin embargo, descubre que el robot no ha logrado matar a Geist y, a su vez, muere. Cuando Paia llega a la sala de control, se asusta al enterarse de que Geist ha continuado activando la Fuerza de la Muerte.
Notas de producción
Durante la preproducción, Sōkihei MD Geist no fue concebida para ser lanzada en video. En la etapa inicial del borrador, el título provisional era “Death Force” y la historia involucraba a un soldado inestable, llamado Patrick Murphy, quien era encarcelado en una nave espacial a la deriva en el espacio y luego rescatado por aliados con trajes motorizados. Entonces comienza una misión para detener la computadora a bordo de la nave, que ha ejecutado un programa para matar a los supervivientes restantes.
Koichi Ohata desarrolló el proyecto para tener libertad creativa como diseñador mecánico. La inspiración de Ohata para diseñar los trajes blindados surgió de una conversación con personal de Nippon Sunrise Inc. sobre la funcionalidad de un robot gigante y un traje blindado en relación con un personaje humano, antes de la producción. El proyecto se aprobó como vídeo cuando el concepto del traje blindado de Ohata llamó la atención del presidente de la productora. Ohata estaba muy influenciado por películas internacionales como Mad Max , Terminator y La masacre de Texas , y sentía que la nueva tecnología que ofrecía el vídeo podría producir algo similar en la animación japonesa.
Riku Sanjō, entonces nuevo como guionista , desarrolló la historia a través de múltiples reuniones de consulta con Ohata, en las que se hizo hincapié en los motivos visuales y la dirección de escena. Si bien el guion inicial se escribió para una duración de 45 minutos, Hayato Ikeda animó a Sanjo a escribir lo más posible para que él y Ohata pudieran expresar sus ideas por completo. Se escribieron hasta 200 páginas de manuscrito durante la etapa de planificación, y se acordó entre Ohata, Ikeda y el director de unidad Hiroshi Negishi centrarse en las escenas de acción, por lo que se eliminaron numerosos puntos de la trama. Un título de trabajo posterior durante la producción fue “Sokihei Billion Buster”, con algunas diferencias en la historia, como el nombre de la pandilla de motociclistas siendo “Metal Cetus”. Otro borrador de la historia se centró en las condiciones intensamente exigentes del traje de poder combinadas con la naturaleza incontrolable del MDS. Ikeda confesó ser nuevo en mecha , así como en OVA como formato, y actuó como mediador en la producción general, con la mayoría de las decisiones creativas a cargo de Ohata. Los créditos de Ikeda como director de anime de TV lo hicieron más atractivo para el marketing. La dirección de Ohata, como resultado de su inexperiencia a los 23 años, resultó difícil para los animadores. Según el director de animación Kenichi Onuki, los diseños de personajes y los diseños mecánicos contenían una gran cantidad de líneas y fueron una fuente de disputa para los animadores. Ohata asumió tareas clave de animación y guion gráfico , Onuki también participó en el proceso de limpieza de líneas. Ohata fue responsable de los diseños mecánicos principales, pero otros miembros del personal, como Yasuhiro Moriki, participaron en el proceso de finalización. Las escenas de lucha finales se concibieron para tener lugar en un entorno muy iluminado con fondos detallados, pero debido a limitaciones, hubo que tomar decisiones más sencillas. El director de arte Yoshinori Takao recordó haber tenido dificultades para decidir la iluminación, con la complejidad añadida del movimiento de los personajes, y por lo tanto trabajó para definir claramente su relación situacional. Ohata admitió que el fondo estaba demasiado oscuro y que el diseño previsto habría sido demasiado exigente para su equipo. Otras secuencias del guion gráfico, como una pelea entre Geist y el Coronel Crutes, finalmente se eliminaron.
Liberar
MD Geist fue lanzado originalmente en Japón por Nippon Columbia y reeditado bajo el sello Denon . En 1988, Gaga Communications produjo un tráiler de la OVA bajo el título Thunder Warrior junto con una serie de otros títulos de anime que la compañía esperaba vender al mercado norteamericano . MD Geist fue lanzado en Norteamérica por Central Park Media en 1992; dos años antes, la compañía usó Geist como logotipo para su sello de anime principal US Manga Corps. La curiosidad de los fanáticos por el logotipo de US Manga Corps impulsó las ventas nacionales de la OVA y llevó a Central Park Media a colaborar con el cocreador Koichi Ohata en la producción de una secuela. En 1996, Central Park Media lanzó MD Geist – Director’s Cut , que presentaba aproximadamente cinco minutos de metraje adicional, incluyendo una nueva introducción y epílogo que allanaron el camino para la secuela. Meses después, CPM lanzó MD Geist II: Death Force . Además, la compañía encargó a Ohata y al artista estadounidense Tim Eldred que ilustraran la adaptación en cómic.
En Estados Unidos , el canal Sci Fi Channel estrenó MD Geist I y II durante su bloque Ani-Monday a medianoche EST el 29 de septiembre y el 6 de octubre de 2008, respectivamente. Tras el cierre de Central Park Media, MD Geist fue relicenciado por ADV Films y se reeditó en DVD en julio de 2009. Actualmente está disponible para descarga digital en iTunes a través de Manga Entertainment , junto con Now and Then, Here and There .
Adaptaciones
Coincidiendo con el lanzamiento de MD Geist (Director’s Cut) y MD Geist II: Death Force , CPM Comics publicó una adaptación en cómic escrita y dibujada por Tim Eldred, con Ohata a cargo de la portada, para la adaptación de tres números de la OVA. Este cómic se basó en la traducción al inglés de CPM de la OVA original de 1986, que presentaba varios errores de atribución de diálogos en la publicación de CPM. La nomenclatura sigue la traducción de CPM, donde el personaje Paia se conoce como “Vaiya”, Negsrom aparece como “Nexrum” y “Negstrom”, y el Coronel Crutes como “Kurtz”.
Recepción
Darius Washington, de la revista Otaku USA, definió la versión original de MD Geist como “un vídeo de acción entretenido con valores de producción aceptables, elementos únicos y un giro divertido y psicótico”. El propietario de Central Park Media , John O’Donnell, lo llamó en broma “el mejor anime malo jamás hecho”.
装鬼兵MDガイスト
(Sōkihei MD Geist) Género Aventura , Mecha / Animación de vídeo original El soldado más peligroso Dirigido por Hayato Ikeda Escrito por Sanjo Riku Música de Yoichi Takahashi Estudio Production Wave Zero-G Room (Director’s Cut scenes) Con licencia de N / A : US Manga Corps (1992–2009) ADV Films (2009) Reino Unido : Películas Kiseki Liberado 21 de mayo de 1986 – 1 de marzo de 1996 ( Versión del director ) Tiempo de ejecución 40 minutos / 50 minutos ( Versión del director )
Starchaser: The Legend of Orin es una película estadounidense de ópera espacial animadade 1985 dirigida y producida por Steven Hahn y escrita por Jeffrey Scott. Fue estrenada originalmente en3D por Atlantic Releasing . Starchaser: The Legend of Orin fue una de las primeras películas animadas en combinar animación tradicional y por computadora, así como una de las primeras en estrenarse en 3D.
Trama
En el planeta Trinia, los esclavos humanos viven bajo tierra desde hace milenios extrayendo cristales para su dios Zygon y sus robots . El joven minero Orin encuentra una espada enjoyada incrustada en las rocas. Hopps, abuelo de Elan, la novia de Orin, la reconoce y muere salvando a Orin y manteniendo la espada en secreto. Orin finalmente toma la espada, que levita y se entierra en el suelo de la caverna. La hoja proyecta la imagen de un anciano, diciendo que sobre las cavernas hay un “magnífico universo “. Luego, la hoja desaparece, dejando solo la empuñadura.
Orin y Elan deciden explorar este universo y encontrar la espada. Perseguidos por robots, emergen en un complejo industrial, donde Zygon mata a Elan. Orin escapa, cava un túnel hasta la superficie de Trinia, donde una misteriosa “Starfly” se une a él, y es capturado por androides, híbridos orgánico-robóticos en descomposición que pretenden matarlo y usar sus partes corporales para reemplazar las suyas. La empuñadura de la espada entonces produce una hoja invisible, matando a dos androides y ayudando a Orin a escapar. Posteriormente, Orin se topa con el contrabandista humano Dagg Dibrimi, quien se niega a creer que haya esclavos en las minas. Dagg roba cristales de un carguero flotante antes de encontrarse con Zygon y sus robots. Dagg captura a la fembot Silica, la usa como escudo contra los disparos láser y escapa con Orin. Posteriormente, reprogramada por Dagg, Silica se une a él.
Dagg vuela su nave espacial al planeta Bordogon, abandona a Orin y entrega a Silica a un subastador de esclavos. Orin vaga por Bordogon, investigando la ubicación de la espada. Una adivina menciona un lugar llamado Novaluna. Más tarde, Orin ve a Silica en venta y ofrece un alto precio por ella. Al descubrir que Orin desconoce la moneda local, el subastador le quita la libertad a Orin además de la de Silica; pero Dagg, sintiéndose culpable, los libera. Posteriormente, Dagg y Orin visitan a dos mercaderes, a quienes Dagg vende los cristales. Como Zygon ha puesto precio a la cabeza de Orin, los mercaderes también se ofrecen a comprarlo, pero Dagg se niega. En respuesta, los mercaderes colocan una bomba en el pago de Dagg, pero Orin es advertido por Starfly, y Dagg lanza la bomba al campamento de sus enemigos. Después, Dagg acepta llevar a Orin a Novaluna, pero los robots de Zygon los derriban. Dagg es capturado; Orin es arrojado por la borda del barco, pero Aviana, la hija del gobernador de Bordogon, lo rescata.
El ordenador de Aviana revela que la empuñadura ha sido utilizada históricamente por guardianes legendarios conocidos como los Kha-Khan para vencer las amenazas a la humanidad. Entre estas amenazas se encontraba el tirano Nexus, tras cuya derrota la empuñadura desapareció hasta que Orin la encontró. Aviana lleva a Orin a Trinia, donde aparece Zygon, y en la batalla subsiguiente Orin desenmascara a Zygon como un robot. Zygon revela que es Nexus, buscando de nuevo controlar a la humanidad con sus robots. Zygon se apodera de la empuñadura, mientras que Orin y Aviana son encarcelados en el bloque de celdas donde también está cautivo Dagg. Aviana es finalmente llevada a bordo de la nave insignia de Zygon como rehén. La Starfly le trae la empuñadura a Orin, quien la usa para liberarse a sí mismo y a Dagg. Luego toman el control de la nave insignia de Zygon y destruyen la flota enemiga con la ayuda de la Starfly. Tras restaurar la nave espacial de Dagg, Silica se reúne con ellos.
El grupo de Orin penetra en la base de Zygon, pero es atacado por más robots. Mientras Dagg y Silica se quedan atrás para luchar contra sus perseguidores, Orin entra en su caverna original y comienza a denunciar a Zygon, quien lo ataca y lo domina. Tres Starflies aparecen y se fusionan en una, declarando que Orin no necesita la empuñadura, ya que “nunca hubo una espada”; el poder para crear una fuerza cortante provenía del propio Orin. Orin usa esta fuerza para matar a Zygon, y su pueblo se rebela y conquista su libertad .
Arriba, Silica ataca por error los cristales acumulados, que explotan, desencadenando una reacción en cadena que amenaza con derrumbar las minas. Con la ayuda de Orin, su gente escapa a la superficie de Trinia, donde él usa su nuevo poder para curar la ceguera de su hermano Calli. Varias Libélulas Estelares aparecen y se revelan como los espíritus del anterior Kha-Khan, incluido el hombre de la proyección de la empuñadura, y le ofrecen a Orin un lugar entre ellos. Orin se niega a unirse a ellos por el momento para vivir con sus amigos y familiares, y el Kha-Khan se marcha.
Steven Hahn, un veterano animador de animación para televisión, decidió durante el receso producir un largometraje para darle a su estudio de animación surcoreano algo en lo que trabajar. Jeffrey Scott había trabajado como guionista en varios de los proyectos televisivos de Hahn, por lo que Hahn lo contactó para colaborar en una película con Scott escribiendo Escape to the Stars , que serviría como base para Starchaser .
La producción de Starchaser comenzó en 1982 con la intención de estrenarla en 1983, pero los problemas con el proceso 3D provocaron que la película se retrasara dos años y que su presupuesto se disparara de los 2 millones de dólares inicialmente previstos a 6 millones. El director Steven Hahn dijo sobre la producción:
Como no había habido una película de animación de esta magnitud antes, tuvimos que empezar desde cero. El aspecto 3D duplicó la cantidad de rodaje necesario. A menudo se producían errores, algunos de los cuales requerían repeticiones que normalmente no habrían sido necesarias en una película de animación tradicional.
Se utilizó un trazador digital para transferir el CGI al papel, algo que nunca se había hecho antes en animación. Starchaser: The Legend of Orin también se identifica como el primer proyecto animado de larga duración del mundo realizado en formato 3D , aunque una película anterior, Abra Cadabra (1983), también se produjo en 3D.
Liberar
La película fue estrenada en Estados Unidos y Canadá por Atlantic Releasing el 22 de noviembre de 1985, recaudando 1,6 millones de dólares en su primer fin de semana en 1020 pantallas, lo que la convirtió en la número 6 en la taquilla estadounidense. Recaudó 3,3 millones de dólares en total en Estados Unidos y Canadá. La película no tuvo éxito en Corea del Sur, donde se realizó la producción de animación.
Starchaser: The Legend of Orin se lanzó en VHS y Laserdisc el 25 de marzo de 1986 por Paramount Home Video y también por KVC Home Video. El DVD se lanzó el 21 de junio de 2005 por MGM Home Entertainment .
Recepción
Vincent Canby describió la película en The New York Times como “un plagio tan descarado de Star Wars de George Lucas que uno podría pensar que habrían llamado a abogados”.
Gene Siskel y Roger Ebert calificaron la película con un “pulgar hacia abajo”, ya que ambos la consideraron poco inspirada y también opinaron que era una copia de Star Wars .
Alex Stewart reseñó Starchaser: The Legend of Orin para White Dwarf #79 y afirmó que “si te encuentras atrapado con una casa llena de mocosos en un fin de semana lluvioso, clamando por un poco de caos inofensivo, entonces Starchaser es para ti. Los mantendrá tranquilos y probablemente tú también lo encontrarás divertido”.
Pleito
Varios meses antes de su estreno, se presentó una demanda por la película entre John Lemmons Films, Inc. y Atlantic Releasing Corp.
Adaptaciones
En marzo de 2012, Rilean Pictures adquirió los derechos para desarrollar la película animada en 3D de 1985, Starchaser: The Legend of Orin, en una película de acción real, producida por los socios de Rilean Pictures, Jonathan Saba y Juan Iglesias.
Adolescencia de Utena es una película japonesa de animaciónromántica y fantasía de 1999. Es una continuación de la serie de anime de 1997 Revolutionary Girl Utena , creada por el colectivo artístico Be-Papas . La película está dirigida por Kunihiko Ikuhara , escrita por Yōji Enokido basándose en una historia de Ikuhara y producida por el estudio de animaciónJCStaff . Una versión doblada al inglésde la película, producida por Central Park Media , se estrenó en 2001 como Revolutionary Girl Utena: The Movie .
La trama sigue a Utena Tenjou , una estudiante de secundaria con aires de chico que se ve envuelta en una serie de duelos de espadas para ganar la mano de Anthy Himemiya , una misteriosa estudiante conocida como la “Novia Rosa”. La película destaca por su amplio uso de metáforas y simbolismos ; su enfoque en temas de género, sexualidad y la transición de la adolescencia a la edad adulta; y por su temática más madura en comparación con la serie de anime.
Contexto
Adolescence of Utena es la última de las tres entregas principales de la franquicia multimedia Revolutionary Girl Utena , después del manga de 1996 y la serie de anime de 1997. Aunque existen diferencias significativas en el desarrollo de la trama entre el manga, la serie de televisión y la película, las tres cuentan la misma historia básica, utilizando la misma trayectoria narrativa general y los mismos personajes. La serie es altamente intertextual , y Adolescence of Utena en particular se basa en gran medida en elementos de la trama y la caracterización establecidos en la serie de anime.
Trama
Utena Tenjou, una nueva estudiante de la Academia Ohtori, recorre la escuela con su compañera Wakaba Shinohara. Observa un combate de esgrima entre las estudiantes Juri Arisugawa y Miki Kaoru, y poco después se encuentra con su exnovio Touga Kiryuu. Tras la partida de Touga, descubre un anillo de sello con una rosa grabada , idéntico al que él llevaba, dentro de una rosa blanca. Utena se adentra en un jardín de rosas y conoce a Anthy Himemiya, la hermana del ausente director de la escuela, Akio Ohtori. Kyouichi Saionji, otro estudiante con un anillo de rosa, la llama la “Novia Rosa” y, al ver el anillo de Utena, la reta a un duelo de espadas. Utena sale victoriosa usando una espada que extrae del pecho de Anthy.
Esa noche, Anthy visita el dormitorio de Utena e intenta tener relaciones sexuales con ella, pero es rechazada. Cuando Utena le pregunta a Anthy sobre el duelo y los anillos, Anthy responde que los anillos identifican a sus portadores como duelistas, que está prometida a quien gane los duelos y que quien posea la Novia Rosa tiene el “poder de revolucionar el mundo”. En otro lugar, Shiori Takatsuki, amiga de la infancia de Juri, le cuenta a Touga que, de niña, su “príncipe” murió intentando salvar a una niña que se ahogaba. Reciben una llamada de Akio, quien les dice que Anthy es una bruja que convirtió al señor de las moscas en príncipe, pero que cuando su magia se desvaneció, el príncipe recuperó su verdadera forma; los duelos se organizan para intentar reactivar su magia. Juri, manipulada por Shiori para batirse en duelo con Utena, es derrotada tras presenciar cómo Utena se transforma aparentemente en el príncipe de Anthy.
El club de radiodifusión de la escuela descubre un video que sugiere que Anthy fue drogada y violada previamente por Akio. El cadáver de Akio es encontrado enterrado en el jardín de Anthy poco después, lo que conmociona a la escuela al revelarse que lleva mucho tiempo muerto. Un segundo video muestra a Anthy lúcida durante la violación, lo que provoca que un Akio aterrorizado la apuñale y caiga accidentalmente por una ventana, muriendo en el acto. Utena busca a Anthy y encuentra a Touga; de repente recuerda que Touga es el “príncipe” al que se refería Shiori, y que murió salvando a Juri de ahogarse cuando eran niños. Utena le agradece a Touga por ser su “príncipe”, y él desaparece. Utena encuentra a Anthy y le dice que deberían ir “al mundo exterior”, momento en el que Utena es engullida por un lavadero de autos y se transforma en un automóvil. Anthy entra en el automóvil y lo conduce lejos de la academia, aunque una flota de tanques y Shiori, también en forma de automóvil, intentan detenerla. Anthy recibe ayuda para escapar de Juri, Miki, Saoinji y Wakaba, quienes, inspirados por Utena y Anthy, también se han dirigido al “mundo exterior”. Una aparición de Akio intenta detener a Anthy, pero ella lo reprende con una explosión de rosas. Utena y Anthy emergen montadas en los restos del coche y se besan mientras se adentran en un páramo gris, con un cielo azul sobre las nubes.
Producción
La película Adolescence of Utena fue producida por JCStaff , en asociación con la editorial Shogakukan y la productora GANSIS. El comité de producción, Shojo Kakumei Utena Seisaku Iinkai ( literalmente , “Comité de Producción de la Revolucionaria Chica Utena”), estuvo integrado por Sega Enterprises , MOVIC y King Records . La distribución de la película estuvo a cargo de Toei Company .
Desarrollo
Adolescence of Utena fue desarrollada por Be-Papas , el colectivo artístico fundado por Ikuhara que produjo la serie de anime Utena . Ikuhara expresó su deseo de crear una película que intensificara los temas y el material del anime original, buscando “hacer en la película lo que no pude lograr en la serie de televisión”, y declaró en tono de broma que deseaba que Adolescence of Utena fuera “más traviesa que la serie de televisión”.
A diferencia de la estructura de elenco coral de la serie de anime, Adolescence of Utena se centra principalmente en los personajes Utena y Anthy, con gran parte del elenco secundario relegado a papeles secundarios y cameos. La versión de Utena en la película se representa como más masculina, apareciendo inicialmente con cabello corto y ropa de niño, mientras que Anthy es más decidida y abiertamente sexual; el subtexto romántico de la relación de Utena y Anthy se representa además de forma más explícita. Chiho Saito, miembro de Be-Papas, ha declarado que “los personajes que no fueron tratados con amabilidad en la serie de televisión recibieron atención, así que creo que [la película] fue comprensiva en ese sentido”. Saito abogó por un papel destacado para Touga en la película, cuya historia de fondo se explora con mayor detalle en relación con la serie de anime de televisión; Ikuhara ha declarado que la escena final de Touga en Adolescence of Utena es la favorita de Saito en la serie. Por el contrario, Nanami Kiryuu solo hace una aparición cameo en la película como una vaca, en una escena insertada por Ikuhara para hacer referencia a un episodio de la serie de anime y para servir como alivio cómico.
Animación
Adolescence of Utena se estrenó en película de 35 mm , y se creó utilizando una combinación de animación tradicional y digital . La secuencia de títulos de apertura se creó modificando gráficos digitales a través de la edición de composición no lineal utilizando una supercomputadora , un proceso relativamente nuevo para la animación en ese momento. La escena de apertura que muestra la arquitectura de la Academia Ohtori y la escena de baile con Utena y Anthy fueron animadas completamente digitalmente utilizando 3-D Works. Ikuhara había expresado dudas sobre el uso de la animación digital, afirmando que los gráficos por computadora en el anime “tienden a ser duros y fríos”, pero expresó satisfacción con la fusión perfecta de la escena de baile digital con el resto de la animación tradicional de la película. Cuando Adolescence of Utena se remasterizó en 2011, los elementos digitales de la escena de baile se hicieron más evidentes al renderizarse como video de alta definición , lo que llevó a Ikuhara y al colorista Hiroshi Kaneda a retransferir exhaustivamente la película.
Cada escena tenía múltiples diseños y direcciones artísticas; por ejemplo, Ikuhara ha declarado que la escena en la que Touga habla por primera vez con Utena se representó inicialmente completamente en monocromo , pero finalmente se agregaron colores para hacer la escena más interesante visualmente. Otros diseños se adaptaron de elementos utilizados previamente en la serie de televisión, como el dormitorio de Utena y la secuencia del pasillo del Seminario Mikage, esta última incluida en base a la popularidad de Mikage entre los fanáticos de la serie. Se contrató a animadores que se especializaban en anime mecha para trabajar en la secuencia final de persecución de autos, y Ikuhara señaló que varios de los animadores expresaron confusión inicial sobre por qué los estaban contratando para trabajar en una película de Utena . La película no se realizó con un guion gráfico centralizado , sino que se dividió entre cinco guionistas gráficos que supervisaron cada uno un segmento de la película. Los segmentos se denotaban con letras; Takuya Igarashi , quien trabajó como artista de guiones gráficos en la serie de anime y supervisó los guiones gráficos de la “parte A” de la película, comentó que los guiones gráficos, sin embargo, mantuvieron la cohesión gracias a la dirección de Ikuhara.
Banda sonora
Shinkichi Mitsumune y JA Seazer , quienes compusieron respectivamente la música y las canciones de la serie de anime Revolutionary Girl Utena , regresaron para componer la banda sonora de Adolescence of Utena . Mitsumune compuso la banda sonora de la película y arregló sus canciones originales, mientras que Seazer produjo la música y la letra de las dos canciones de duelo de la película, “Duelist ~ Resurrection! Never-ending History of the ‘Middle Ages'”. (デュエリスト~甦れ!無窮の歴史「中世」よ, Yomigaere! Mukyuu no Rekishi “Chuusei” yo ) y “Naked Rose ~ Carnage ~ Constellations αΨζ Galaxy” (シュラ―肉体星座αψζ星雲― , Shura ~ Nikutai Seiza Alpha Psi Zeta Seiun~ ) . También aparece en la película una versión reorganizada de “Absolute Destiny Apocalypse” (絶対運命黙示録, Zettai Unmei Mokushiroku ) , previamente escrita y compuesta por Seazer para la serie de anime.
Además de las canciones producidas por Mitsumune y Seazer, en la película también aparecen dos canciones producidas por Toshiro Yabuki e interpretadas por Masami Okui : ” At Times, Love Is… [ ja ] ” (時に愛は, Toki ni Ai wa ) y ” Rondo-Revolution ” (輪舞-revolution ) “, la última de las cuales sirvió como tema principal de la serie de anime y está reorganizada por Mitsumune para la película El tema de los créditos finales de la película es ” Quiero ser tu prometido [ ja ] ” (フィアンセになりたい) , escrito e interpretado por el actor de voz de Akio.
Liberar
Adolescence of Utena se estrenó en cines en Japón el 14 de agosto de 1999. En Norteamérica, la película se estrenó en la Anime Expo en Anaheim, California , que se celebró del 30 de junio al 3 de julio de 2000. La película se proyectó varias veces durante la convención, con Ikuhara y Saito presentes en algunas proyecciones. La película también se proyectó en el 26.º Festival Internacional de Cine Lésbico y Gay de San Francisco (con Ikuhara presente), el Future Film Festival en Bolonia , el National Film Theater en Londres y el Museo de Arte Moderno en la ciudad de Nueva York .
Medios domésticos
En Japón, Adolescence of Utena fue lanzado en DVD por King Records el 3 de marzo de 2000. La película fue lanzada en Blu-ray por King Records el 15 de noviembre de 2017, como parte de un set de caja de la serie completa para conmemorar el 20 aniversario de la serie de anime. En Norteamérica, los derechos de licencia de Adolescence of Utena fueron adquiridos por Central Park Media el 31 de enero de 2001, que produjo Revolutionary Girl Utena: The Movie , una versión doblada al inglés de la película. El elenco de voces en inglés de la versión doblada de la serie de anime para televisión retoma sus papeles para la película. La localización al inglés de la película fue supervisada por Ikuhara, quien viajó a los Estados Unidos para supervisar la traducción de la película; Takayuki Karahashi, quien tradujo la película, fue seleccionado personalmente por Ikuhara.
Revolutionary Girl Utena: The Movie se estrenó en Norteamérica en DVD y VHS el 23 de octubre de 2001. El lanzamiento en DVD incluye tanto la película original japonesa como el doblaje en inglés, mientras que el lanzamiento en VHS incluye solo el doblaje en inglés. Funimation adquirió los derechos de transmisión de la película de Central Park Media para su canal Funimation el 10 de abril de 2007, que emitió por primera vez Revolutionary Girl Utena: The Movie el 5 de mayo de 2007. Tras la disolución por bancarrota de Central Park Media en 2009, Right Stuf Inc. adquirió los derechos de licencia para Norteamérica de la película el 3 de julio de 2010. La película fue relanzada como Adolescence of Utena por Nozomi Entertainment, una división de Right Stuf, en DVD el 6 de diciembre de 2011, y en Blu-ray el 5 de diciembre de 2017. En Australia, Adolescence of Utena fue licenciada por Hanabee, que lanzó la película en DVD el 20 de noviembre de 2013. La película está incluida con el volumen final del lanzamiento de tres volúmenes de Hanabee de la Serie de televisión de anime Revolutionary Girl Utena .
Otros medios
La banda sonora original de Mitsumune y Seazer para la película se lanzó el 14 de agosto de 1999 en Japón y el 8 de junio de 2004 en Norteamérica. La versión japonesa fue publicada por King Records, mientras que la versión norteamericana fue publicada por Geneon , una división de Pioneer . La edición japonesa incluye notas de Mitsumune y Seazer, mientras que la edición norteamericana contiene notas adicionales de Ikuhara y Saito. Se incluyó una versión remasterizada de la banda sonora como parte del CD-BOX completo de Revolutionary Girl Utena , lanzado por King Records en Japón el 27 de agosto de 2008. Libro de arte An Adolescent of Utena, Revolutionary Girl Utena Adolescent Apocalypse: Newtype Illustrated Collection (劇場版少女革命ウテナアドゥレセンス黙示録) , fue publicado por Kadokawa Shoten el 14 de marzo de 2000.
Recepción
Recepción crítica
Adolescence of Utena fue recibida positivamente por la crítica. En el ranking de Anime News Network de las 100 mejores películas de anime de todos los tiempos, Adolescence of Utena ocupó el octavo lugar, y el escritor Mike Toole la calificó como “una de las películas de anime más interesantes de los 90 y una de las películas animadas más bonitas jamás hechas”. Vulture incluyó la escena de la transformación del coche en su lista de “Las 100 secuencias que dieron forma a la animación”, argumentando que ” Adolescence of Utena hace por el anime de chicas mágicas lo que Neon Genesis Evangelion hizo por el anime de mechas: arrasar con las reglas anteriores para crear un nuevo lenguaje audaz propio”.
En su reseña para Dazed , la escritora Evelyn Wang elogia la coherencia de los elementos discordantes de la película, clasificándola junto con películas de alto concepto como Elle y Face/Off que son “desastres que logran silenciosamente la perfección”. Wang ofrece elogios específicos para el simbolismo visual de la película, diciendo que “la película no es solo estéticamente agradable. También es estéticamente precisa”. Escribiendo para The Post Calvin de la Universidad Calvin , Jacqueline Ristola llama a la película una “obra maestra del anime” y “una declaración unificada sobre la liberación y la revolución personal […] la película exorciza la lógica narrativa para la pura literalización de la metáfora, y la lleva al extremo”. THEM Anime le dio a la película tres de cinco estrellas, calificándola como “posiblemente la película visualmente más hermosa que he visto”, pero criticó la escena de transformación del automóvil del clímax. Animefringe elogió los efectos visuales y la banda sonora de Adolescence of Utena , calificando la película de “pura belleza”.
La adaptación al manga de Adolescence of Utena fue igualmente bien recibida por la crítica. Rebecca Silverman, de Anime News Network, afirmó que la adaptación está “mucho mejor hecha en general” en comparación con el manga Revolutionary Girl Utena , y elogió su material temático. Otaku USA señaló que la adaptación al manga está “mucho más cerca del tono del anime”, pero “no llega al extraordinario clímax” de Utena transformándose en un coche. Manga Bookshelf elogió la “cualidad etérea” del arte del manga y señaló que, si bien el título sería mejor apreciado por lectores familiarizados con Utena , no obstante “tiene cierta importancia y efectividad como obra independiente por derecho propio”.
Premios
En 2000, Adolescence of Utena ganó el premio a “Mejor película, estreno japonés” en los Premios SPJA, otorgados anualmente por la Sociedad para la Promoción de la Animación Japonesa en la Anime Expo .
Temas y análisis
Adolescence of Utena ha sido señalada como una película temática y simbólicamente densa, a menudo en un grado altamente surrealista y abstracto , con Animerica Extra llamando a la película “una extraña colección de imágenes que podrían verse como alegóricas, evidencia de una fantástica vida interior, o simplemente símbolos de la lucha de un individuo por encontrar su lugar en la sociedad”. Ikuhara ha expresado reticencia a atribuir un significado explícito a los temas y símbolos de la película, afirmando que preferiría “que el espectador decida” lo que la película representa. Sin embargo, ha hablado en términos generales sobre la intención artística general de la película, particularmente en torno a su representación de la transición de Utena de la adolescencia a la adultez y su “partida del mundo de dependencia de la niña al mundo de un adulto”. La película ha sido comparada por los críticos con The End of Evangelion , otra película de anime que se centra de manera similar en temas de juventud, identidad y apocalipsis.
Quería transmitir la idea de lo que significa convertirse en adulto. En otras palabras, en el mundo de los adultos no existen personas de corazón puro. Entonces, ¿qué harías al darte cuenta de esto? Si te percatas de que el mundo de los adultos es un lugar turbio donde nadie con un corazón puro puede vivir, ¿lo evitarías y te quedarías como un niño, viviendo en un mundo de sueños infantiles y hermosos? ¿O entrarías al mundo adulto de todos modos, aun sabiendo que no es un mundo puro?
— Kunihiko Ikuhara , director y cocreador de la serie, pista de comentarios del director de Adolescence of Utena , 2001
Escena de transformación del coche
La escena culminante de Adolescencia de Utena , en la que Utena se transforma en un coche deportivo rosa que Anthy usa para escapar de la Academia Ohtori, ha sido objeto de considerable debate entre fans y críticos. Ikuhara ha declarado que encontró resistencia por parte del equipo de la película al implementar la escena, pero que deseaba crear un clímax que hiciera la película memorable y que fuera único en comparación con otras películas de acción y drama. Más allá de esto, Ikuhara se ha negado a ofrecer una explicación más sustancial de por qué Utena se transforma específicamente en un coche, afirmando que hacerlo “limitaría el significado de la historia y la haría menos interesante”. Sin embargo, ha descrito la escena en el contexto de la subversión de los roles de la relación entre Utena y Anthy en la película:
“Está la historia de La Bella Durmiente , donde la princesa, que ha estado dormida durante mucho tiempo, es despertada por el príncipe. Pero el personaje de Utena ha sido el príncipe desde el principio de esta historia. Así que la idea de que Utena se convierta en un coche sugiere que la están sumiendo en el sueño. Pensé que sería interesante invertir los roles que desempeñan Utena y Anthy en sus respectivas relaciones. En otras palabras, Utena es quien se convierte en la princesa. Es ella quien se ve obligada a dormir. Y solo Anthy puede liberar a Utena de este sueño. Así es como termina todo. Pensé que sería muy interesante invertir sus roles.”
Los coches aparecen como un motivo recurrente en varias obras de Revolutionary Girl Utena , sobre todo el coche deportivo de Akio en el tercer arco argumental de la serie de televisión. Ikuhara declaró que se inspiró en el auge de los superdeportivos de la década de 1970 y en cómo los coches deportivos son “algo que satisface deseos infantiles en el mundo adulto […] mi idea de un coche es algo que está muy cerca de un juguete para adultos”. Susan J. Napier ha argumentado que el Utena-Car destruyendo a Akio es representativo de la crítica más amplia de la serie a los cuentos de hadas y las trampas ilusorias del manga shōjo , ya que Utena “se convierte literalmente en un vehículo para el cambio” que rechaza las ilusiones oníricas de la Academia Ohtori y lleva a Anthy y a sus compañeras de clase a un mundo iluminado. Vulture describió la escena como “una imagen de liberación para un grupo minoritario que todavía está sujeto a ideales conservadores”, diciendo que también era “resonante en el ámbito de la imaginería transgénero, donde la definición de uno mismo puede permitirte ser quien o lo que quieras”.
Género y sexualidad
Si bien cualquier dimensión romántica o sexual en la relación entre Utena y Anthy se relega al subtexto tanto en el manga como en el anime, Adolescence of Utena muestra su relación de forma mucho más explícita: se besan varias veces y Anthy le hace proposiciones sexuales a Utena al principio de la película. Según Ikuhara, el equipo de la película estaba dividido sobre si representar abiertamente o simplemente insinuar un beso entre Utena y Anthy, pero que el beso se incluyó por decisión suya. Posteriormente, la película se ha vuelto popular entre los fans del yuri (manga y anime lésbico) y a menudo se clasifica como cine LGBT .
En su artículo para Intersections: Gender, History and Culture in the Asian Context , Sabdha Charlton sostiene que la categorización de Adolescence of Utena como una película lésbica «refleja un deseo específicamente occidental de interpolar el texto en nociones preexistentes de lesbianismo y deseo entre personas del mismo sexo». Argumenta que la película, en cambio, busca «un rechazo de los discursos dominantes de género y sexualidad […] Utena invierte en la noción romántica de la revolución como capaz de cambiar fundamentalmente el mundo borrando las categorías de género y sexualidad, incluso mientras invierte en estas mismas categorías». Napier adopta una posición similar, argumentando que la escena final de la película representa «la necesidad de integración de dos lados del yo», siendo la unión de la masculina Utena y la femenina Anthy «un reconocimiento de la necesidad de una psique integrada, independientemente del género o la orientación sexual».
Ohtori como prisión
El concepto de la Academia Ohtori como una prisión metafórica o jaula dorada , establecido en el manga y el anime televisivo, se amplifica en Adolescence of Utena . La versión cinematográfica de la Academia Ohtori tiene una apariencia surrealista y está inspirada en una combinación de arquitectura constructivista , deconstructivista y Art Nouveau . El artista de storyboard Takuya Igarashi describe la apariencia de la versión cinematográfica de Ohtori como “aún menos arraigada en la realidad” en comparación con la serie de anime, señalando que “nunca se puede ver nada del mundo exterior. Esto deja la fuerte impresión de que es una jaula para pájaros o una cárcel.
Escribiendo para el British Film Institute , Philip Brophy describe Ohtori en la película como “no solo una esfera social hermética, sino una muñeca rusa de reinos interiores y disfrazados de conflicto sexual y multiplicidad de género; su diseño arquitectónico es una visualización alucinante de la manía dimensional de la escuela”. Charlton señala que Ohtori se representa como “angular, distorsionado y a menudo mostrado en planos generales que enfatizan el espacio y la distancia”. El plano de establecimiento de la película de Utena, en el que aparece con un fondo de pizarras que se mueven de forma antinatural, fue insertado por Ikuhara para “establecer el tono adecuado y transmitir al público que este es un mundo extraño”.
Estado canónico
Adolescence of Utena ha sido interpretada alternativamente como una adaptación independiente de Revolutionary Girl Utena que existe en su propia continuidad, y como una secuela que es contigua a los eventos de la serie de anime. Charlton concibe la película como una narrativa de universo alternativo , reconociendo que la película es “difícil de entender sin conocimiento previo de las tramas y caracterizaciones de la serie. Esto significa que las comparaciones entre las dos son inevitables”. Por el contrario, el crítico Vrai Kaiser argumenta que la naturaleza contigua de estos elementos de la trama y los personajes, en particular la personalidad asertiva que Anthy ha desarrollado al final de la serie de anime, es evidencia del estatus de secuela de la película, señalando que la película “comienza casi en el punto exacto donde termina la serie, lo que anima a un espectador perspicaz a relacionar las dos […] Las reacciones de Anthy a lo largo de la película tienen mucho más sentido si se ven desde la perspectiva de que es la misma Anthy de la serie de televisión”.
Kanji 少女革命ウテナ アドゥレセンス黙示録 Significado literal La revolucionaria Utena: Apocalipsis adolescente Dirigido por Kunihiko Ikuhara Escrito por Yoji Enokido Producido por Yuji Matsukura / Atsushi Moriyama Protagonizada por Tomoko Kawakami / Yuriko Fuchizaki / Takehito Koyasu / Takeshi Kusao / Aya Hisakawa / Kumiko Nishihara / Mitsuhiro Oikawa Cinematografía Toyomitsu Nakajo Editado por Shigeru Nishiyama Música de Shinkichi Mitsumune / JA Seazer Compañía productora Personal de JCS Distribuido por Compañía Toei Fecha de lanzamiento 14 de agosto de 1999 Tiempo de ejecución 87 minutos País Japón Idioma japonés
Lupin III: Adiós a Nostradamus ( japonés :ルパン三世 くたばれ!ノストラダムス, Hepburn : Rupan Sansei Kutabare! Nosutoradamusu ; iluminado. “Lupin III: Die! Nostradamus”) es una película japonesa animada de ciencia ficción, acción y aventurasde 1995. Es el quinto largometraje de animación basado en la serie de mangaLupin III de 1967-69 de Monkey Punch y la primera vez que Kanichi Kurita proporciona la voz de Lupin, tras la muerte de Yasuo Yamada ; Aparece un homenaje a él después de los créditos en el lanzamiento japonés original.
En la película, Lupin III y su banda ponen sus ojos en el libro de Nostradamus, lo que a su vez atrae el interés de un candidato a la presidencia de Estados Unidos, así como de un culto que venera a su autor.
Funimation Entertainment lanzó la película en DVD en Norteamérica ; se publicó individualmente y posteriormente se incluyó en la caja recopilatoria “Final Haul”. Por razones desconocidas, Funimation eliminó el homenaje a Yasuo Yamada de su lanzamiento. Discotek Media la lanzó en Blu-ray .
Sinopsis
Ambientada en enero de 1999, un simple robo de diamantes lleva a Lupin a las intrigas de una extraña secta apocalíptica basada en las profecías de Nostradamus. El plan de la secta consiste en secuestrar a Julia, la hija de Douglas, un acaudalado estadounidense que aspira a la presidencia en el año 2000. En juego está el libro perdido de Nostradamus, que Douglas guarda en una bóveda de alta tecnología en lo alto de su rascacielos. ¿Podrá Lupin rescatar a Julia, encontrar la manera de entrar en la bóveda y descubrir la conexión entre la secta y el secuestro? ¿Y qué pasará con su diamante?
Dirigido por Shunya Ito [ a ] / Takeshi Shirato Guion de Hiroshi Kashiwabara / Shunya Ito Residencia en Lupin III de Monkey Punch Producido por Tadahito Matsumoto / Kyo Ito / Toshio Nakatani / Kazuaki Ito Protagonizada por Kanichi Kurita / Kiyoshi Kobayashi / Makio Inoue / Goro Naya / Eiko Masuyama Cinematografía Hajime Hasegawa Editado por Takeshi Seyama Música de Yuji Ohno
Empresas productoras Película de Tokio Shinsha Película de animación de telecomunicaciones Distribuido porToho Fecha de lanzamiento 22 de abril de 1995 Tiempo de ejecución 98 minutos País Japón Idioma japonés
