Tygra hielo y fuego

by animerock | Mar 11, 2026 | Pelicula Anime

La película no fue un éxito de taquilla y la crítica tampoco fue benévola con ella, pero con el tiempo se convirtió en una obra de culto clásica entre los seguidores de Bakshi y Frazetta y de las películas animadas de fantasía. En 2003, la Online Film Critics Society la incluyó en su lista de «Mejores películas animadas de todos los tiempos», en el puesto 99.

Durante una antigua e indeterminada edad oscura, acontecida luego de la última Edad de Hielo, dos reinos se baten en una guerra a muerte. Desde su helada fortaleza de Icepeak, la malvada reina Juliana y su hijo hechicero, el príncipe Nekron, envían sus hordas de salvajes semi-humanos contra los pueblos de la Tierra, a la vez que congelan todos los terrenos a su paso. Solo el segundo reino más importante en el mundo, Firekeep, cuya ciudad se encuentra al lado de un enorme volcán, se enfrenta a Icepeak. Juliana envía una delegación al rey Jarol, el gobernante de Firekeep, para exigir su rendición, pero en realidad todo es una maniobra para secuestrar a su hija, la princesa Tygra (Cynthia Leake), ya que Juliana desea que Tygra se case con Nekron para unificar los reinos bajo este último.

Más tarde, Tygra logra escapar del palacio de hielo donde estaba cautiva y se encuentra con Larn, un joven guerrero y único superviviente de su aldea arrasada por Nekron. Juntos deciden volver a Firekeep, pero son emboscados por soldados de Nekron y Tygra es nuevamente llevada a Icepeak. Herido, Larn es rescatado y encuentra un aliado en el misterioso y letal Darkwolf, un taciturno guerrero que oculta su cara bajo una máscara de piel y que tiene cuentas pendientes con Nekron y con la reina Juliana, con quien aparentemente tuvo una relación hace mucho tiempo.

La fortaleza de Icepeak avanza y se acerca cada vez más a Firekeep al ser transportada mediante un glaciar. Larn y Darkwolf llegan antes a Firekeep y piden ayuda al rey Jarol para rescatar a su hija y derrotar a Nekron. Todas las fuerzas aéreas de Firekeep (soldados montados en aves parecidas a los pterodactilos) atacan simultáneamente y en un solo movimiento la fortaleza de Icepeak, mientras Larn se infiltra y libera a Tygra. Sin embargo, Nekron utiliza todo su poder de hielo para destruir al ejército volador y lo consigue, con la excepción de Darkwolf, quien logra entrar a la fortaleza y matar a Nekron con su hacha. Al mismo tiempo el rey Jarol usa toda la lava almacenada del volcán para destruir la fortaleza helada.

La fortaleza helada se derrumba por completo mientras Larn y Tygra apenas consiguen escapar. Al despertar entre los escombros al día siguiente, Larn, llevado por el deseo de venganza, está a punto de matar a un semi-humano caído, pero Tygra se lo impide diciéndole que la guerra ha acabado y por lo tanto un nuevo mundo de compasión y paz está naciendo. Aliviados y felices de estar juntos, la pareja se retira hacia el horizonte tomados de la mano. Darkwolf los mira sonriente desde una colina, y luego se retira.

Estrenada en 1983, la película fue fruto de la colaboración entre Ralph Bakshi y Frank Frazetta —que diseñaron a los protagonistas. Fue distribuida por la compañía 20th Century Fox, que también había distribuido otra de las películas de Bakshi, Wizards, en 1977.

La animación fue realizada usando el sistema de rotoscopio, por el cual las escenas fueron filmadas en vivo y después dibujadas sobre el original. El guion fue escrito por Gerry Conway y Roy Thomas, que habían escrito las historias de Conan el Bárbaro para los cómics de la editorial Marvel. El dibujante elegido para diseñar los fondos fue James Gurney, autor y artista de las novelas ilustradas Dinotopia. Thomas Kinkade también trabajó en los fondos de varias escenas. El reconocido autor especializado en animación, dibujante y director Peter Chung, por entonces un novato en la industria, se encargó de los layouts.

Fire and ice
Título: hielo y fuego (España) / Fuego y hielo (Argentina y Perú)
Ficha técnica
Dirección Ralph Bakshi
Producción Ralph Bakshi / Frank Frazetta
Guion Ralph Bakshi (personajes) / Frank Frazetta (personajes) / Gerry Conway / Roy Thomas
Música William Kraft
Fotografía Francis Grumman
Montaje A. David Marshall
Vestuario Frank Frazetta
Protagonistas Randy Norton / Cynthia Leake / Steve Sandor / Sean Hannon / Leo Gordon / William Ostrander
País Estados Unidos
Año 1983
Género animación / espada y brujería / fantasía / acción / aventuras
Duración 81 min.
Idioma(s) inglés
Compañías Productora Polyc International BV / Producers Sales Organization (PSO)
Distribución 20th Century Fox
Presupuesto $ 1.200.000 (estimado)[1]​
Recaudación $ 760.883 (Estados Unidos)

Cyborg 009 en La Guerra Contra El Monstruo 1967

by animerock | Mar 10, 2026 | Pelicula Anime

Cyborg 009 Contra el monstruo ó 009 en la guerra contra el monstruo ó SuperAventuras de Astroboy 009 (Argentina)., es una película de anime basado en los personajes que creó Shotaro Ishinomori. Producido por Hiroshi Ōkawa y Toei Animation y dirigida por Yugo Serikawa. Fue la segunda película de esta saga de heróes ciberneticos en filmarse en Japón.

Wizards Movie

by animerock | Mar 6, 2026 | Pelicula Anime

La película destaca por ser la primera película de fantasía de Bakshi, un cineasta que anteriormente solo era conocido por películas urbanas como Fritz el Gato (1972), Heavy Traffic (1973) y Coonskin (1975), y que posteriormente realizó la versión animada de El Señor de los Anillos (1978). La película recaudó 9 millones de dólares en cines con un presupuesto de 2 millones.

La Tierra ha sido devastada por una guerra nuclear . Las nubes radiactivas tardan dos millones de años en dejar entrar la luz solar. Los humanos que sobrevivieron al apocalipsis se han transformado en mutantes, mientras que los verdaderos ancestros de la humanidad —troles , hadas , elfos y enanos— resurgen  y viven en la idílica tierra de Montagar.

Mientras su pueblo celebra 3000 años de paz, Delia, reina de las hadas, cae en trance y da a luz a dos magos gemelos: el bondadoso Avatar y su malvado hermano mutado, Blackwolf. Años después, tras la muerte de Delia, Blackwolf intenta usurpar su liderazgo, pero Avatar lo derrota en un duelo mágico. Blackwolf abandona Montagar, jurando regresar y «hacer de este un planeta donde los mutantes gobiernen».

Tres mil años después, Blackwolf lidera la oscura tierra de Scortch, donde él y su ejército de mutantes y otras criaturas malignas rescatan y restauran tecnología antigua. Intenta atacar Montagar dos veces, pero fracasa cuando sus guerreros mutantes se aburren o se distraen durante la batalla. Blackwolf descubre un viejo proyector y rollos de propaganda nazi de la Segunda Guerra Mundial , y usa su magia para mejorarlos en la guerra psicológica : inspira a sus propios soldados mientras aterroriza a las tropas enemigas hasta la sumisión.

Produccion

Ralph Bakshi siempre había tenido interés en la fantasía. Bakshi dibujaba obras de arte fantásticas desde 1955, cuando aún estaba en el instituto.  Wizards surgió del concepto de Tee-Witt , una serie de televisión no producida que Bakshi desarrolló y presentó a la CBS en 1967.  En 1976, Bakshi presentó War Wizards , que escribió en tan solo dos semanas, a 20th Century-Fox , volviendo a los dibujos de fantasía que había creado en el instituto como inspiración. Bakshi buscaba distanciarse de sus películas de orientación más urbana, que tratan temas de sexo y drogas, pero que aún tienen un impacto similar. 

La película es un comentario alegórico sobre la ambigüedad moral de la tecnología y el potencial poder destructivo de la propaganda .  El arma secreta de Blackwolf es la propaganda, utilizada para incitar a sus legiones y aterrorizar al pueblo mágico de Montagar; pero la disposición de Avatar a usar una herramienta tecnológica (una pistola que saca de la manga) destruye a su gemelo malvado . Bakshi también afirma que Wizards “trataba sobre la creación del estado de Israel y el Holocausto , sobre los judíos en busca de una patria y sobre el resurgimiento del fascismo “. 

El ilustrador británico Ian Miller y el dibujante de cómics Mike Ploog fueron contratados para contribuir con los fondos y diseños. El equipo incluía a Vita, Turek, Sparey, Vitello y Spence, quienes se habían acostumbrado al limitado storyboard de Bakshi y a la falta de pruebas de lápiz . El artista Alex Niño firmó un contrato con Bakshi para trabajar en la película y obtuvo una visa de trabajo , pero no pudo obtener el permiso del gobierno filipino para viajar a Estados Unidos hasta dos meses después. Posteriormente, descubrió que, para cuando llegó a Estados Unidos, no solo se había completado la animación de la película, sino que la visa de Niño no le permitía presentar trabajos independientes en ningún otro proyecto. 

El reparto principal de la película incluye a Bob Holt , Jesse Welles , Richard Romanus , David Proval y Steve Gravers . Bakshi eligió a Holt por su habilidad para imitar la voz del actor Peter Falk , de quien Bakshi es fan.  Welles, Romanus y Proval volvieron a trabajar con Bakshi en Hey Good Lookin’ , donde Romanus y Proval prestaron sus voces a Vinnie y Crazy Shapiro, respectivamente. La actriz Tina Bowman , quien interpreta un papel pequeño en Wizards , tiene un papel más importante en Hey Good Lookin’ . El actor Mark Hamill audicionó y consiguió un papel de voz en la película. Bakshi afirma: «Necesitaba un trabajo, y vino a mí, y pensé que era genial, y [George] Lucas pensó que debía hacerlo, y no solo consiguió Wizards , sino Star Wars ».  Bakshi quería una narradora femenina para su película, y le encantó la actuación de Susan Tyrrell . Tyrrell interpretó la narración de la película, pero Bakshi fue informado de que no podía acreditarla. Años después, Tyrrell le confesó a Bakshi que la mayor parte de su trabajo posterior se basó en su narración y que lamentaba no haberle permitido firmarla. 

John Grant escribe en su libro Masters of Animation que “el efecto general de la animación es similar al de los grandes creadores de anime : uno tiene que recordarse constantemente que Wizards es anterior a El castillo de Cagliostro (1979) de Miyazaki , no al revés. […] Los fondos […] son ​​especialmente encantadores, incluso los más simples; y en general la película tiene un fuerte brío visual a pesar de la ocasional prisa técnica”.  Entre los artistas notables involucrados en la producción de Wizards se incluyen Ian Miller , quien produjo los sombríos fondos de Scortch, y Mike Ploog , quien contribuyó de igual manera para los paisajes más arcádicos de Montagar. 

Bakshi no pudo completar las secuencias de batalla con el presupuesto que Fox le había dado. Cuando les pidió un aumento de presupuesto, se lo negaron (durante la misma reunión, el director George Lucas había solicitado un aumento de presupuesto para Star Wars y también le fue denegado).  Como resultado, Bakshi terminó su película pagando de su propio bolsillo y usando rotoscopia para las secuencias de batalla inacabadas.  Según Bakshi, “Pensé que si eliminábamos todos los detalles, se vería muy artístico y muy hermoso, y pensé, ¿para qué molestarme en animar todo esto? Estoy buscando una manera de darle realismo a mi película y obtener emoción real”.  En su comentario de audio para el lanzamiento en DVD de la película, Bakshi afirma: “No hay duda de que fue una manera más fácil de lograr estas escenas gigantescas que quería. También fue la forma en que me mostró cómo hacer El Señor de los Anillos , así que funcionó de dos maneras”.  Además de material de archivo, la película utilizó secuencias de batallas de películas como Zulú , El Cid , La batalla de las Ardenas y Alexander Nevsky para rotoscopia . También se incluyeron secuencias de acción real de Patton 

El trabajo de Vaughn Bode ha sido reconocido como una influencia en Wizards .  Quentin Tarantino describe Avatar como “una mezcla entre El Hobbit de Tolkien , El hombre de 2000 años de Mel Brooks y Howard el pato de Marvel Comics ” y Blackwolf como físicamente similar a Iván el Terrible de Sergei Eisenstein .  En la Guía de películas animadas de Jerry Beck , Andrew Leal escribe que “La figura central, Avatar […] suena mucho como Peter Falk , y claramente le debe mucho al personaje del mago Cheech del dibujante Vaughn Bodé “. 

A medida que War Wizards se acercaba a su finalización, Lucas solicitó a Bakshi que cambiara el título de su película a Wizards para evitar conflictos con Star Wars , y Bakshi aceptó porque Lucas le había permitido a Mark Hamill tomarse un tiempo libre de Star Wars para grabar una voz para Wizards .

Aunque Wizards tuvo un estreno limitado , tuvo mucho éxito en los cines que la proyectaron y se ganó una audiencia mundial.  Según Bakshi, en una ocasión fue entrevistado por un reportero alemán que no estaba seguro de por qué se usaba la esvástica nazi para representar la guerra.  Bakshi dijo: «No recibí ninguna crítica. A la gente le encantó Wizards ».  El sitio web de reseñas Rotten Tomatoes le otorga a la película un índice de aprobación del 62%, basado en 29 reseñas con una calificación promedio de 5.5/10. El consenso crítico del sitio web dice: «Su metáfora central es un poco obvia, pero Wizards es, por lo demás, un viaje psicodélico y espeluznante a una versión alternativa de nuestro mundo». 

AH Weiler, de The New York Times, escribe que la película “evoluciona, en el mejor de los casos, como una mezcla ligeramente interesante de polémicas enfrentadas y melodrama de tiroteos” que “simplemente reafirma los resultados ya demasiado obvios y terribles de la guerra nuclear y la inhumanidad del hombre hacia el hombre”.  Arthur D. Murphy, de Variety, despreció la película como “una mezcla confusa de melodrama, alegoría y polémica floja. La técnica de animación es excelente en un sentido profesional, pero ni la historia ni la música realmente se vuelven interesantes”.  Gene Siskel le dio a la película dos estrellas y media de cuatro y escribió que ” Los magos de Ralph Bakshi , aunque es atractiva, no es lo suficientemente mágica. Aunque es un cuento de hadas futurista, interrumpe frecuentemente su narrativa con chistes contemporáneos. Los chistes nos recuerdan que estamos viendo una película mientras cuestionan la sinceridad de la película en sí”.  Charles Champlin del Los Angeles Times fue en general positivo, escribiendo: “Sea lo que sea, ‘Wizards’ es un festín para los ojos, una sucesión ininterrumpida de imaginaciones e imágenes que son hermosas, sorprendentemente divertidas, poderosamente siniestras, clásicamente caricaturescas, visiones del cielo y el infierno… Es hipnóticamente interesante para aquellos que son adictos a la animación, pero no menos para aquellos que están muy satisfechos con Tom y Jerry “.  Gary Arnold del Washington Post encontró la película como una “novedad animada tenue” que “carecía notablemente de impulso narrativo. Incluso cuando los gráficos y el dibujo parecen inteligentes, embellecen los escenarios más insignificantes”.  Richard Combs de The Monthly Film Bulletin escribió: “Lo que emerge de esta mezcolanza de material es una predecible confusión de sentimiento y cinismo: Bakshi parece inseguro sobre si intentar alcanzar la magia de otro mundo de Tolkien o tratar todo el asunto como algo exagerado (el tono del narrador de cuentos de hadas, un niño florido, sugiere fuertemente esto último).” 

La empresa de Ken Whitman , Whit Publications, publicó el juego de rol de mesa Ralph Bakshi’s Wizards en 1992.

20th Century Fox Home Entertainment respondió a una petición en línea creada por Animation on DVD.com y escrita por Keith Finch, que exigía el lanzamiento de la película en DVD.  El disco, lanzado el 25 de mayo de 2004, incluía una pista de audiocomentarios de Bakshi y la entrevista Ralph Bakshi: The Wizard of Animation . Bakshi ha declarado que Wizards siempre se concibió como una trilogía. Una de las secuelas fue presentada a Fox, que no dio luz verde al proyecto. 

20th Century Fox lanzó una edición especial en Blu-ray Disc de la película el 13 de marzo de 2012, para conmemorar el 35.° aniversario de la película.  El disco incluye las características especiales del DVD, junto con un libro de 24 páginas que incluye ilustraciones raras de la película y una introducción de Bakshi. 

Bakshi mencionó que tenía planes para una secuela titulada Wizards 2 que trataba sobre la relación entre Avatar y Elinore. Bakshi dijo que la trama sería “donde [su relación] no funciona y Weehawk se interpone”. La secuela nunca se desarrolló debido a dificultades de producción y a los otros proyectos en los que Bakshi estaba centrado entonces.

A finales de 2004, se inició la producción de una novela gráfica de Wizards II , producida por Bakshi. Las historias serían del “universo” de Wizards y cada una sería creada por un artista diferente.  En septiembre de 2008, se anunció que Main Street Pictures colaboraría con Bakshi en una secuela de Wizards . 

En 2015, Bakshi declaró que tenía un guion terminado y esperaba que fuera su próxima película. En una entrevista de noviembre, mientras promocionaba Last Days of Coney Island , Bakshi declaró que Wizards 2 trata sobre “¡Locura, locura absoluta!” 

Cyborg 009: La leyenda de la supergalaxia

by animerock | Mar 5, 2026 | Pelicula Anime

El 20 de diciembre de 1980 se estrenó una película de anime basada en la segunda serie de televisión de anime, llamada Cyborg 009: Legend of the Super Galaxy (サイボーグ009 超銀河伝説, Saibōgu Zero Zero Nain: Chou Ginga Densetsu ) .

El tema principal fue “Love of 1 Billion Lightyears” ( 10億光年の愛, Jū-oku Kōnen no Ai ) (Letra: Michio Yamagami, Compositor: Kōichi Morita, Arreglo: Reijirō Koroku, Cantante: Yoshito Machida).

Sinopsis
El profesor Gilmore se ha retirado. Los nueve supermagníficos, cyborgs que en el pasado lucharon en defensa de la Tierra ya no están de servicio, llevando vidas tranquilas y apacibles entre los humanos. Pero una nueva amenaza se cierne sobre nuestro planeta. Zoa, líder del planeta Argos, se dirige a la Tierra al mando de su ejército para conquistarla y los nueve cyborgs deberán entrar en acción antes de que sea tarde. El único superviviente de una nave del lejano planeta Comodor, atacado también por Zoa, será un valioso aliado en la lucha contra el ejército invasor.

Título original サイボーグ009 超銀河伝説
(Saibōgu Zero Zero Nain: Chou Ginga Densetsu) / Cyborg 009: La leyenda de la supergalaxia
Estudio de doblaje ICAIC
Dirección de doblaje Sergio Giral
Traducción y Adaptación Nivaldo N.G.
Editor Lucas de la Guardia
Edición de diálogos Manuel Herrera
Producción Marina Ochoa
Ingeniero de sonido Ricardo Istueta
Fecha de grabación 1984
Lugar de doblaje Cuba
País de origen Japón
Año 1980
Créditos de doblaje Cyborg0091980 creditosdedoblaje audio.ogg

Royal Space Force: The Wings of Honnêamise

by animerock | Mar 3, 2026 | Pelicula Anime

Royal Space Force se produjo durante cuatro años e involucró a muchos creadores, incluyendo algunos ajenos a la industria del anime, para construir un mundo alternativo detallado. Su enfoque colectivo hacia la cinematografía, el rechazo a los motivos del anime, la complejidad visual y la inexperiencia del personal fueron factores que contribuyeron a su caótica producción. Sus inversores cambiaron el nombre a The Wings of Honnêamise y crearon una estrategia de marketing ostentosa pero engañosa, con un estreno en el Teatro Chino de Mann .

Royal Space Force se estrenó en Japón el 14 de marzo de 1987, acargo de Toho-Towa, subsidiaria de Toho . Recibió cierto apoyo de los fans del anime y figuras de la industria, como Hayao Miyazaki  y Mamoru Oshii  . El escritor de ciencia ficción Ted Chiang describió a Royal Space Force como el ejemplo más impresionante de creación de mundos en la ficción. No logró recuperar sus costos en taquilla , pero finalmente se volvió rentable gracias a las ventas de video doméstico  . El director de anime Hideaki Anno afirmó que la respuesta tuvo un gran impacto en él, tanto personal como profesionalmente .

Royal Space Force no se estrenó en inglés hasta 1994, cuando Bandai licenció la película a Manga Entertainment . Una versión doblada de 35 mm se estrenó en cines de Norteamérica y el Reino Unido, y recibió cobertura en los principales periódicos, pero recibió críticas mixtas. Se estrenó varias veces en inglés en formato de vídeo doméstico. Diversas reseñas de anime han valorado la película de forma más positiva; Yamaga afirmó en retrospectiva que los elementos que hicieron que Royal Space Force fracasara hicieron posible el éxito posterior de Studio Gainax. 

La película tuvo un presupuesto de ¥800 millones , equivalente en ese momento a $5,531,000 (equivalente a $16,000,000 en 2025), lo que la convirtió en la película de anime más cara hasta entonces. Superó los récords de presupuesto de El castillo de Cagliostro (1979) y El castillo en el cielo (1986) de Hayao Miyazaki .

Royal Space Force se desarrolló a partir de una propuesta de anime presentada a Shigeru Watanabe de Bandai en septiembre de 1984 por Hiroyuki Yamaga y Toshio Okada  de Daicon Film , un estudio de cine amateur activo a principios de la década de 1980 asociado con estudiantes de la Universidad de Artes de Osaka y el fandom de ciencia ficción en la región de Kansai .  Okada conoció a Watanabe por primera vez en agosto de 1983 en una convención para fanáticos del tokusatsu en Tokio en la que Daicon Film proyectó su cortometraje de acción en vivo The Return of Ultraman y dirigió un stand de ventas para la compañía de productos para fanáticos relacionada con Daicon, General Products.  En una entrevista de 1998, Yamaga afirmó que el éxito de la compañía fue un impulso que llevó a la creación de Gainax y la propuesta de Royal Space Force , ya que Okada había cofundado General Products con Yasuhiro Takeda , pero Takeda ahora lo estaba manejando bien por su cuenta, dejando a Okada con la sensación de que no tenía nada que hacer. Me acerqué a Okada, quien se sentía un poco deprimido. Pensaba a diario en lo geniales que son Sadamoto y Maeda  [de Daicon Film]. Por supuesto, Anno es un genio, al igual que Akai . Tener un genio en el grupo es increíble, pero aquí tenemos cuatro. Le dije a Okada que sería un tonto si no actuaba. Le dije que debíamos hacer algo. Habíamos sacrificado mucho por el bien de nuestras películas independientes como estudiantes: habíamos abandonado la escuela, habíamos perdido nuestros trabajos. Así que siempre habíamos deseado que esos sacrificios valieran la pena en algún momento. 

Watanabe había estado involucrado en la planificación de productos para las figuras “Real Hobby Series” de Bandai.  El puesto también había llevado a Watanabe al entonces nuevo sello de vídeo doméstico de Bandai, Emotion , donde ayudó a desarrollar Dallos de Mamoru Oshii . Lanzado a finales de 1983, Dallos se convertiría en la primera animación de vídeo original (OVA) de anime ,  un evento de la industria descrito posteriormente como el comienzo de un nuevo “tercer medio” para el anime más allá del cine o la televisión, que ofrecía la perspectiva de “un medio en el que [el anime] pudiera ‘crecer’, permitiendo los experimentos temáticos más maduros de los creadores”.  La propuesta de Okada y Yamaga a Watanabe había seguido al reconocimiento que Daicon Film recibió a principios de ese año en la revista Animage a través de un premio especial secundario Anime Grand Prix otorgado a su cortometraje de 8 mm Daicon IV Opening Animation . Su propuesta de septiembre de 1984 dio el esquema para un anime que se titularía Royal Space Force , que se produciría bajo el encabezado de un nuevo estudio profesional que se llamaría Gainax .  La propuesta enumeraba cinco empleados iniciales para el anime. Cuatro habían estado asociados previamente con Daicon Film: Yamaga iba a ser el creador del concepto y director del anime y Okada su productor,  Yoshiyuki Sadamoto su diseñador jefe de personajes y Hideaki Anno su diseñador mecánico jefe. El quinto, Kenichi Sonoda , mencionado como responsable de los settei del anime (hojas de modelo, elaboradas para dar a los animadores clave sus guías sobre cómo deberían verse los objetos y las personas que se animarían) había ayudado previamente con el desarrollo de productos en General Products.

La propuesta de la Royal Space Force , subtitulada “Intenciones del proyecto: una nueva ola en una época de ilusiones colaborativas perdidas”,  comenzó con un autoanálisis de la “cultura de la animación reciente desde la perspectiva de los jóvenes”. En el momento de la propuesta, Yamaga tenía 22 años y había dirigido las películas de anime de apertura de las convenciones nacionales de ciencia ficción de Japón de 1981 y 1983 , Daicon III y IV ,  que a través de su venta a los fanáticos en video doméstico a través de General Products fueron consideradas como precursoras informales del concepto OVA.  A los 20 años y mientras aún estaba en la universidad, Yamaga había sido elegido por el director de la serie de televisión original Macross , Noboru Ishiguro , para dirigir el episodio 9 del programa, “Miss Macross”, ya que Ishiguro deseaba “apuntar a una obra que no se ajuste al sentido convencional del anime”. Yamaga comentó en un artículo contemporáneo de Animage que le había llevado dos meses crear los guiones gráficos de “Miss Macross” y con ironía comentó que ya se había agotado haciéndolo; la revista, sin embargo, señaló que el episodio fue bien recibido y juzgó el experimento creativo como un éxito. 

Okada y Yamaga argumentaron en su propuesta para Royal Space Force que lo que impedía a la industria del anime avanzar más allá de su nivel actual era que había caído en un bucle de retroalimentación con su audiencia, produciendo para ellos un “callejón sin salida” de contenido de anime lindo y de aspecto genial que tenía el efecto de solo reforzar aún más las tendencias más negativas e introvertidas de muchos fanáticos,  sin hacer un intento real de conectarse con ellos de una manera más fundamental y personal:

En la sociedad moderna, tan orientada a la información, se vuelve cada vez más difícil incluso para las obras sensacionalistas conectar realmente con la gente, y aun así, estas obras se olvidan rápidamente. Además, este aluvión de información superficial ha disuelto los valores y sueños que la gente podía tener, especialmente entre los jóvenes, quienes quedan frustrados y ansiosos. Podría decirse que esta es la causa principal del síndrome de Peter Pan , que dice: “No quiero ser adulto”… Si observamos la psicología de los fans del anime hoy en día, interactúan con la sociedad e intentan desenvolverse bien en ella, pero desafortunadamente, no tienen la capacidad. Así que, como comportamiento compensatorio, se entregan a mechas y chicas jóvenes y guapas. Sin embargo, como estas son cosas que realmente no existen —es decir, no hay interacción en la realidad entre esas cosas y los fans del anime— pronto se frustran y buscan el siguiente anime que los estimule. Si analizamos esta situación, lo que estas personas realmente desean, en el fondo, es adaptarse a la realidad. Y Lo que proponemos es ofrecer el tipo de proyecto que hará que la gente vuelva a mirar la sociedad que los rodea y la reevalúe por sí misma; donde pensarán: “No debería renunciar todavía a la realidad ” .

La propuesta describió a Royal Space Force como “un proyecto para que los fans del anime reafirmen la realidad”.  Gainax afirmó que el problema no era exclusivo de los fans del anime, quienes eran solo “el ejemplo más representativo” de la creciente tendencia de los jóvenes a no experimentar la realidad directamente, sino a través del “mundo informativo”.  “Vivimos en una sociedad sumida en un estado perpetuo de sobrecarga de información . Y la sensación de estar abrumado por lo decepcionante no es algo limitado solo a los jóvenes, sino a todos”… “Sin embargo, esto no significa que la gente quiera vivir sola y sin contacto, sino que quieren establecer un equilibrio con el ‘exterior’ que les resulte psicológicamente cómodo”.  Yamaga y Okada creían que esta sensibilidad entre algunos fans explicaba por qué el anime a menudo combinaba tramas que “simbolizan la política o la sociedad modernas” con personajes cuya edad y apariencia eran “completamente incongruentes con la realidad”.  El plan de la Royal Space Force proponía usar las técnicas creativas del anime para un objetivo radicalmente diferente, hacer “exactamente lo opuesto del anime ‘genial’ de castillo en el cielo  que es tan frecuente en estos días… Es en nuestra Tierra ahora, en este mundo nuestro ahora, que sentimos que es hora de un proyecto que declare que todavía hay algo valioso y significativo en este mundo”.

Es fundamental prestar mucha atención a los más mínimos detalles de diseño de este mundo. Al ser un mundo completamente diferente, debe sentirse como la realidad. Si preguntas por qué este enfoque —cuando el objetivo es que los fans del anime reafirmen su realidad— es porque, si se ambienta este anime en nuestro mundo real, es un lugar que ahora mismo ven como sucio y poco atractivo. Al ambientarlo en un mundo completamente diferente, se convierte en una película extranjera que atrae la atención del público. Los objetos de atracción no son mechas ni chicas guapas, sino costumbres y modas comunes. Si las cosas normales ahora parecen impresionantes e interesantes porque se han visto a través de un mundo diferente, entonces habremos logrado lo que nos propusimos en el plan; podremos expresar: «La realidad es mucho más interesante de lo que pensabas.

La propuesta de septiembre de 1984 para Royal Space Force fue inusual para una presentación de anime, ya que describía el escenario y la historia, pero nunca nombraba a los personajes principales.  Okada y Yamaga solicitaron que Maeda y Sadamoto prepararan un conjunto de más de 30 “bocetos de imagen” en acuarela para respaldar la propuesta escrita, que representaran el mundo que se diseñaría para el anime.  Ese mismo mes, Watanabe llevó la propuesta al presidente de la compañía Bandai, Makoto Yamashina, quien representaba a una generación corporativa más joven;  La ​​respuesta de Yamashina al leer la propuesta de Gainax fue: “No estoy seguro de qué se trata todo esto, pero es exactamente por eso que me gusta”.  Yamashina declararía más tarde en una entrevista con la revista de crítica de cómics y animación Comic Box, poco antes del estreno de la película, que este punto de vista representaba un “gran experimento” de Bandai al producir contenido original sobre el cual podían tener plena propiedad, y una estrategia deliberada que decidió dar a los jóvenes artistas libertad para crear dicho contenido: “Estoy en el negocio de los juguetes y siempre he pensado que si entiendo [el atractivo de un producto], no se venderá. La razón es la profunda brecha generacional . Honneamise podría dar en el clavo. Si es así, cambiaría por completo todas las suposiciones que teníamos hasta ahora. No quería que hicieran el tipo de película que pudiéramos entender. Dicho de otro modo, si era un éxito y podía entender por qué, no sería un gran problema. Sí quería que fuera un éxito, pero desde el principio, no aspiraba a una Star Wars . Para intentar que fuera un éxito, tenía que basarse exclusivamente en las ideas de los jóvenes y conceptos; no podíamos obligarlos a ceder. Teníamos que dejarles actuar con total libertad. En general, no podían producir esto por sí solos, y ahí es donde intervenimos y logramos llevarlo hasta aquí. Y en ese sentido, creo que fue un éxito. 

Royal Space Force fue inicialmente planeado como un proyecto OVA de 40 minutos de duración;  sin embargo, la resistencia dentro de Bandai para entrar en el negocio cinematográfico resultó en el requisito de que Gainax primero presentara una versión corta de “película piloto” de Royal Space Force como demostración para determinar si el proyecto sería vendible. El trabajo en la película piloto comenzó en diciembre de 1984;  además del personal principal enumerado en la propuesta inicial, Mahiro Maeda trabajó en los diseños y settei del piloto y fue uno de sus animadores clave junto con Sadamoto, Anno, Hiroyuki Kitakubo , Yuji Moriyama , Fumio Iida y Masayuki. ^] Otra incorporación al personal fue el coproductor Hiroaki Inoue, reclutado como miembro fundador de Gainax por Okada. Inoue ya había estado en la industria del anime durante varios años, comenzando en Tezuka Productions .  Takeda notó que si bien varios otros miembros del personal de la Royal Space Force habían trabajado en proyectos de anime profesionales, ninguno poseía la experiencia de supervisión de Inoue, o los contactos que había construido en el proceso.  Inoue dejaría Gainax después de su Gunbuster de 1988-1989 , pero continuó en la industria y luego coproduciría la película debut de Satoshi Kon de 1997 , Perfect Blue .

En un esfuerzo por conseguir que la junta ejecutiva de Bandai diera luz verde al proyecto , Shigeru Watanabe de Bandai mostraría la película piloto a los directores de anime establecidos Mamoru Oshii y Hayao Miyazaki ,  quienes expresaron su apoyo.  En abril de 1985, Gainax presentó formalmente la película piloto terminada en una reunión de la junta de Bandai, junto con un nuevo conjunto de pinturas conceptuales de Sadamoto. La película piloto de cuatro minutos comenzaba con una secuencia de preludio de 40 segundos de tomas fijas de la vida temprana de Shirotsugh acompañadas de audio en ruso que representaba una misión espacial soviética problemática , que conducía a la parte principal del piloto, que representaba la narrativa básica de la historia a través de una progresión de escenas animadas sin diálogo ni efectos de sonido, ambientadas en la obertura de Los maestros cantores de Núremberg de Wagner . 

Okada se dirigió a la junta con un discurso descrito como apasionado,  hablando durante una hora sobre el análisis de Gainax de la industria del anime, las tendencias futuras del mercado y el deseo de los jóvenes por “una obra llamada Royal Space Force “.  Bandai dio aprobación provisional a Royal Space Force como la primera producción de video independiente de su compañía; sin embargo, la decisión de hacer el proyecto como una película de cine estaría sujeta a revisión a fines de 1985, una vez que Gainax hubiera producido un guion gráfico completo y settei .  Yamaga luego reconocería que la película piloto había sido “muy ghiblish “, afirmando que había sido hecha por Gainax con un “consenso” subconsciente al principio de usar las películas de Hayao Miyazaki como modelo para el éxito. Yamaga sintió que si la versión real de largometraje de Royal Space Force hubiera sido como el piloto, “habría sido más fácil de comprender y expresar”, pero argumentó que su decisión de cambiar de rumbo después de la película piloto y no intentar emular a Miyazaki sentó las bases para la independencia creativa de Gainax que, en sus trabajos posteriores, conduciría al éxito en sus propios términos.

Tras la presentación de la película piloto, Yamaga regresó a su ciudad natal, Niigata, para empezar a escribir el guion y elaborar los storyboards. ^[Yamaga imaginó que el reino ficticio de Honnêamise, donde se desarrollaban la mayoría de los acontecimientos de Royal Space Force, tendría el nivel científico de los años 50 combinado con la atmósfera de Estados Unidos y Europa de los años 30, pero con personajes que se movían a un ritmo moderno. La inspiración que buscó expresar en el anime de Niigata no fue su aspecto literal, sino más bien una sensación del tamaño y la atmósfera de la ciudad y sus alrededores, incluyendo su geografía urbana ; las relaciones entre sus partes antiguas y nuevas, y entre su núcleo más denso y los espacios más abiertos.  En agosto de 1985, seis miembros de la tripulación —Yamaga, Okada, Inoue, Sadamoto y Anno de Gainax—, acompañados por Shigeru Watanabe de Bandai, viajaron a Estados Unidos para un viaje de investigación. Allí estudiaron arquitectura posmoderna e historia aeroespacial , y presenciaron el lanzamiento del transbordador espacial Discovery . Watanabe filmó material documental del viaje  e incorporó este material a una película promocional estrenada dos semanas antes del estreno japonés de Royal Space Force .  Yamaga revisó el guion durante el viaje de investigación estadounidense.

Noriaki Ikeda, ganador del Premio Seiun de no ficción en 1986 , comenzó ese año una serie de artículos sobre la producción de la película para Animage . Tras ver un borrador de la película, Ikeda escribió que Royal Space Force era un anime que le recordaba a lo que las obras de la Nueva Ola estadounidense habían logrado en la década de 1960; percibiendo en la película un esfuerzo de Gainax por crear una obra con su propio sentido de las palabras y el ritmo, empleando un lenguaje corporal natural, expresiones crudas y ritmo, y una “textura” general que se acercaba más a las realidades humanas. Al revisar la película terminada cinco meses después, Ikeda hizo un comentario extenso sobre su uso del diálogo, incluyendo su matiz en oposición a “el anime que estamos acostumbrados a ver en estos días, que te gritan su mensaje”, líneas habladas que eran independientes de la narrativa principal, o incluso líneas habladas inaudiblemente detrás de una pista de música, lo que daba la sensación de que los personajes existían como seres humanos reales en lugar de solo como roles para avanzar una trama. 

En una mesa redonda tras el estreno de la película en cines, Yamaga comentó: «Quería experimentar la sensación de liberación que podría obtener si reconociera todo [sobre la naturaleza humana] y lo incluyera», una opinión con la que Okada coincidió, afirmando: «Esta es una película que reconoce a las personas en todos sus aspectos».  Yamaga comentó: «Un crítico dijo una vez que ninguno de los personajes de esta película se entiende. Que no hay comunicación entre ellos. Tenía toda la razón. Los personajes no se entienden en absoluto. Pero a lo largo de la película, hay momentos en los que se vislumbran atisbos de entendimiento entre [Shirotsugh] y los demás personajes… En realidad, no pasa nada por no entenderse. Cada persona vive su propia vida; no es necesario sentir lo mismo que otro. Y, de hecho, nunca se entenderá a nadie. Así es como me siento respecto a las relaciones que tengo con las personas de mi vida».

Tres años después de su salida de Gainax en 1992,  Okada reflexionó sobre el guion de la película: «Nuestro objetivo inicial era hacer una película muy realista. Así que no podíamos tener el tipo de construcción fuerte y dramática que encontrarías en una película de Hollywood. [ Royal Space Force ] es una película de arte . Y en ese momento, pensé que era muy buena, que esto es algo así como una película de arte de anime. Pero ahora, cuando miro hacia atrás, me doy cuenta de que… esta fue una gran película. Bandai invirtió mucho dinero en ella. Era nuestra gran oportunidad. Tal vez si le hubiera dado una estructura un poco más sólida y una historia un poco más simple —cambiarla un poco, hacerla no tan diferente— podría haber llegado al público general».  “Es cierto que habrá un diez o veinte por ciento de la audiencia que podrá seguirla tal cual y decir: ‘¡Oh, es una gran película! ¡Puedo entenderlo todo! ‘. Pero el ochenta por ciento de la audiencia piensa: ‘Perdí la cabeza de Shiro dos o tres veces, o tal vez cuatro o cinco’. Ese es el tipo de gente que dirá: ‘El arte es genial y la animación es muy buena, pero la historia… mmmm …'”  Okada comentó, sin embargo, que el proceso creativo de toma de decisiones descentralizado en Gainax significaba que había límites al grado de control que se podía ejercer a través del guion;  Akai comentaría más tarde que “el personal era joven y curioso, no muy diferente de los personajes de la película. Si hubieras intentado controlarlos demasiado, simplemente se habrían ido”. 

Yamaga afirmó que una “discrepancia entre quién [Riquinni] quería ser y quién realmente era… es evidente en su estilo de vida y diálogo”,  y que “en el exterior”, lleva una imagen de Shiro como “‘un ser extraordinario que viaja a través del espacio hacia este lugar pacífico y celestial’… Pero en el fondo ella sabe la verdad. Ella no es estúpida”.  El director comentó que las acciones y el diálogo de Riquinni en las controvertidas escenas de la película sobre la agresión y la mañana siguiente reflejan las disonancias presentes tanto en su autoimagen como en su imagen de Shiro, y que la escena “fue muy difícil de explicar al personal” también; que ella está señalando su fuerza para seguir viviendo de acuerdo con sus creencias, y sin Shiro en su vida por más tiempo.  “No hay una explicación sencilla para esa escena, pero básicamente, estaba representando una situación humana en la que dos personas se acercan cada vez más, pero su relación no progresa en absoluto… [Shiro recurre] a la violencia en un intento de cerrar esa brecha, solo para descubrir que también era inútil. Los dos nunca llegaron a un acuerdo, nunca se entendieron, ni siquiera hasta el final de la película”, pero permanecieron “de alguna manera conectados…” Sin embargo, la película no pretendía representar su relación como una romántica.

En mayo de 1985, Gainax transfirió sus operaciones a un estudio más grande en Takadanobaba, donde el personal existente reunió a amigos y conocidos para ayudar a visualizar el entorno de Royal Space Force.  Entre los que se unieron al equipo en este momento estaban dos de los diseñadores de mundos más prolíficos de la película: Takashi Watabe, cuyos diseños incluirían la estación de tren, la fábrica de cohetes y la sala de conferencias de Royal Space Force  y Yoichi Takizawa, cuyas contribuciones incluyeron el pórtico de lanzamiento de cohetes, el simulador de cápsula espacial y la instalación de prueba de motores de cohetes. Yamaga decidió que el mundo alternativo representado en la película piloto no tenía el tipo de realismo diferente que esperaba lograr en el trabajo terminado y comenzó de nuevo, creando una nueva serie de pinturas de “tablero de imágenes” para visualizar el aspecto de Royal Space Force. El proceso total de construcción del mundo continuó durante aproximadamente un año y se describió como un proceso inverso entre Yamaga y el equipo de diseñadores; Expresando sus ideas en términos concretos, pero también aplicando sus habilidades concretas a la expresión de ideas abstractas.  ^] Este proceso recíproco influyó en la escritura de Yamaga sobre la película: «Mi estilo no es: ‘Tengo una historia que creé, así que ayúdenme a crearla’. Los creadores son lo primero, y esta es una historia que creé pensando en qué historia destacarían más esos creadores». 

En la década posterior a Royal Space Force, Nadia La Arwall y Rei Ayanami  diseñadas por Sadamoto ganarían dos veces cada una la encuesta de fans del Anime Grand Prix para personaje femenino favorito; Shinji Ikari  de Sadamoto también ganaría dos veces como personaje masculino favorito. Por el contrario, sus protagonistas masculino y femenino diseñados para Royal Space Force, Shirotsugh y Riquinni, ocuparon el noveno y vigésimo lugar respectivamente en sus categorías en la encuesta del Grand Prix de los estrenos de 1987.  En una mesa redonda sobre la película, se señaló que ni Shirotsugh ni Riquinni parecen personajes principales típicos del anime.  Yamaga comentó que uno de los cambios de diseño realizados con respecto a la película piloto fue Shirotsugh, que “solía parecer un niño”, pero en la película completa “se ha convertido en un hombre de mediana edad”.  Sadamoto usó para la versión final de Shirotsugh una referencia modelo significativamente mayor que la edad del personaje de 21 años,  el actor estadounidense Treat Williams .  Para Manna, Yamaga refirió a Sadamoto a la actriz Tatum O’Neal cuando apareció en la primera mitad de la película Paper Moon .  Con respecto a Riquinni, Sadamoto comentó que parecía haber un modelo para ella, pero Yamaga no le dijo quién era.  En una sesión de entrevistas de 2018 con la Universidad de Niigata , Yamaga comentó: “Lo que veo ahora es sorprendentemente que el personaje Riquinni no es nada más que yo. En cualquier caso, Shirotsugh no soy yo. Si me preguntas dónde me posicionaría en la película, me identificaría como Riquinni en muchos aspectos, en términos de la forma en que pienso. Probablemente fui alguien extraño [y] religioso, desde mi infancia”.

Partiendo de la premisa de que el mundo real en sí mismo era producto de un diseño mixto, Yamaga creía que la sensación de realidad alternativa en Royal Space Force se vería reforzada invitando a tantos diseñadores como fuera posible a participar en el anime.  Para septiembre, la creación del mundo de Royal Space Force avanzó mediante un sistema en el que los diseñadores tenían la libertad de dibujar y enviar conceptos visuales basados ​​en su interpretación del guion de Yamaga; el arte conceptual se debatía entonces en una reunión de enlace diaria entre Yamaga y el resto del personal. Yamaga utilizó “palabras clave” dadas a los diseñadores como punto de partida, divididas en lo que él denominó categorías “simbólicas” y “no simbólicas”. El director intentó evitar las premisas “simbólicas” siempre que fuera posible; Como ejemplo de la diferencia, Yamaga afirmó que una forma “simbólica” de describir una “taza” sería llamarla un ” objeto cilíndrico “, mientras que él prefería que los diseñadores comenzaran con términos “no simbólicos” que describieran la función de una taza o las impresiones sensoriales de su uso, como “retiene agua” o “hace frío y suda cuando se llena de agua”. 

El subdirector Shinji Higuchi fue el responsable general de coordinar el trabajo de diseño con las intenciones de Yamaga, supervisando el trabajo de los diseñadores. Si bien su objetivo era dar una imagen unificada al reino de Honnêamise como escenario principal de la película, Higuchi también intentó evitar que fuera ni demasiado integrado ni demasiado inconexo, señalando que, así como el mundo actual está formado por una mezcla de diferentes culturas, esto también habría sido cierto en un entorno pasado como el mundo alternativo de Honnêamise de la década de 1950.  Yamaga comentó que la película también retrataba la idea de que diferentes niveles de tecnología están presentes en un mundo al mismo tiempo, dependiendo de vías particulares de desarrollo, como la televisión a color en uso por la República, o el combate aéreo entre aviones a reacción y de hélice al final, que Yamaga comparó con enfrentamientos similares durante la Guerra de Corea . 

Una excepción deliberada al enfoque general de diseño de Royal Space Force fue el propio cohete, adaptado de un modelo soviético del mundo real .  Esta excepción fue posteriormente notada por Hayao Miyazaki , para quien constituyó una de sus dos críticas al anime; le sorprendió que una película que había cambiado incluso la forma del dinero no hiciera al cohete más inusual. Yamaga argumentó que, si bien el anime llega a su conclusión final mediante un proceso de diferentes caminos de diseño, era necesario terminar la película con un cohete inspirado en la realidad, para que el público no lo viera como una historia sobre un mundo diferente que no tiene nada que ver con ellos. Describió el cohete como también emblemático del enfoque de la película hacia los mechas; a pesar de sus numerosos diseños de mechas, todos desempeñan papeles secundarios, e incluso el cohete no es tratado como un “personaje principal”. 

Dirección de arte

Aunque más tarde se hizo conocido por crear gran parte de la estética detrás de la influyente película de 1995 Ghost in the Shell ,  Hiromasa Ogura en una entrevista de 2012 nombró a su primer proyecto como director de arte, Royal Space Force , como el mejor trabajo de su carrera.  Ogura había ingresado a la industria del anime en 1977 como pintor de fondos en Kobayashi Production, donde contribuyó con arte a películas como Lupin III: The Castle of Cagliostro ;  en el momento en que comenzó el trabajo en Royal Space Force , Ogura estaba en Studio Fuga, una compañía de fondos que había cofundado en 1983. En una transferencia temporal a Gainax después de que Okada e Inoue lo reclutaran para el proyecto, Ogura recordó que al principio no se dio cuenta de que estaba trabajando con los mismos cineastas aficionados que habían hecho las animaciones de apertura de Daicon . Ogura supervisó un equipo de 16 pintores de fondos en Royal Space Force ,  incluyendo al futuro director artístico de El viaje de Chihiro , Yōji Takeshige, entonces todavía estudiante en la Universidad de Arte de Tama .  La mayoría de las pinturas de fondo de la película se crearon en el estudio de Gainax en lugar de subcontratarse, ya que Ogura sintió que la cosmovisión de la película era más fácil para él de comunicar a los artistas en persona; como el esquema de color en Royal Space Force era tenue; si una pintura necesitaba un tono más azulado, no podía simplemente ordenarle al artista que “añadiera más azul”.

Toshio Okada describió la estética del mundo en el que se desarrolla Royal Space Force como moldeada por tres artistas principales: primero, sus principales elementos de color (azul y marrón) fueron determinados por Sadamoto; luego, sus estilos arquitectónicos y perspectiva artística fueron diseñados por [Takashi] Watabe, y finalmente Ogura le dio “una sensación de vida” al representar su luz, sombra y aire. También se señaló que el mundo de la película muestra diferentes capas de tiempo en sus diseños; los motivos principales son el Art Déco , pero también están presentes elementos Art Nouveau más antiguos y posmodernos más nuevos .  Ogura comentó que, aunque la película mostraba un mundo diferente, “no hay nada que se pueda llamar ciencia ficción, es la vida cotidiana y normal como nuestro propio entorno. Quería expresar esa impresión desordenada”. Puso especial énfasis en intentar sugerir la textura visual de la arquitectura y el diseño de interiores del mundo; Siguiendo las detalladas notas de Watabe, Ogura trabajó para transmitir en sus pinturas aspectos como los motivos de madera prominentes en el cuartel general de la Fuerza Espacial, o por contraste los elementos metálicos en la habitación donde el ministro de la República Nereddon prueba vino.  Watabe y Ogura colaborarían nuevamente en 1995 en Ghost in the Shell .

Al criticar su propio trabajo en Royal Space Force , Ogura expresó su deseo de haber podido transmitir más énfasis en los efectos de luz y sombra además del color, pero bromeó diciendo que era difícil decir exactamente cómo resultarían las cosas hasta que realmente las pintara, algo que dijo que era cierto para toda la película.  Ogura comentó que muchos de su equipo eran veteranos de la unidad de películas teatrales de Sanrio , lo que le dio confianza en sus habilidades; mencionando el papel del ex artista de Sanrio, futuro director de arte de Gankutsuou , Hiroshi Sasaki,  en la secuencia visionaria que ocurre después de que la nave espacial en órbita de Shirotsugh cruza del lado nocturno del mundo al lado diurno, a la que se hace referencia en producción como su “escena de imagen”.  Akai también analiza la participación en esta secuencia del futuro director de Gankutsuou , Mahiro Maeda .  Okada consideró que la escena de la imagen era el único lugar de la película apropiado para el talento de Maeda, a quien llamó un “verdadero artista”. El anime, argumentó Okada, era como un reactor que aprovechaba a Maeda, cuyo talento artístico Okada comparaba con el de una explosión nuclear, para el mundano propósito de hervir agua ; afirmó que cuando Maeda trabajó antes de Royal Space Force en El castillo en el cielo , ni siquiera Hayao Miyazaki había sido capaz de emplear su talento adecuadamente. 

El artista Nobuyuki Ohnishi, un ilustrador contemporáneo cuyo trabajo Yamaga conocía de las revistas musicales Swing Journal y ADLIB , fue elegido por Yamaga para crear la secuencia del título de la película y los créditos finales .  Yamaga creía que usar contribuciones solo de artistas dentro de la industria del anime establecía límites al potencial creativo de un proyecto de anime, y comparó la participación de Ohnishi con Ryuichi Sakamoto como director musical de la película o Leo Morimoto como su actor de voz principal. Aunque sus ilustraciones usaban una técnica de pintura de tinta sumi-e asociada con el arte clásico del este asiático, Ohnishi prefería usar el estilo para representar sujetos modernos; Yamaga sintió que el método transmitiría una perspectiva alternativa y sugeriría que el ejercicio de la película en la construcción del mundo incluía un pasado y un futuro conceptuales, en lugar de un mundo que existe solo para contar una narrativa particular en el tiempo. Al crear los créditos, Ohnishi utilizó con frecuencia fotografías de personas reales y eventos históricos, que luego modificaba al adaptarlos a una pintura: “intercambiando y reemplazando los detalles de, por ejemplo, una imagen europea con elementos y motivos asiáticos o de Oriente Medio. De esta manera, los créditos reflejarían tanto la mezcla cultural que da a la película en su conjunto su apariencia como simbolizarían la difuminación entre nuestro mundo y el mundo de la película, cumpliendo así la función de [ Royal Space Force ] como un ‘espejo caleidoscópico'”. 

Tras la finalización en diciembre de 1985 del proyecto final de Daicon Film, Orochi Strikes Again , su director Takami Akai y el director de efectos especiales Shinji Higuchi se mudaron a Tokio para unirse a la producción de Royal Space Force como dos de sus tres directores asistentes, junto a Shoichi Masuo.  A los 20 años, Higuchi era el más joven del equipo principal;  su experiencia creativa previa había sido en películas de efectos especiales de acción real en lugar de anime. Como alguien que no “pensaba como un animador”, aportaría ideas y técnicas poco ortodoxas e interesantes al proyecto.  Shoichi Masuo era socio de Hideaki Anno , a quien había conocido cuando ambos trabajaron juntos en la película Macross de 1984.  Al tener más experiencia que Akai o Higuchi en anime, Masuo explicaba las directivas abstractas de Yamaga a los animadores en términos concretos. Higuchi estaba a cargo del diseño del settei , Masuo se encargaba del color , incluyendo los fondos , mientras que Akai supervisaba el trabajo en su conjunto como asistente general de Yamaga. Estas funciones no eran fijas, y los tres no se reunían a diario, sino que se reunían para adaptar su enfoque cuando los cambios en la producción lo requerían. 

Masuo comentó que el estilo de animación de Royal Space Force era generalmente sencillo, sin las técnicas peculiares características para crear interés visual o diversión que a menudo se asocian con el anime, pero que “no hay nada más [en el anime] como esto donde se pueda hacer una actuación adecuada y movimientos mecánicos realistas. Es por eso que su impresión es bastante cinematográfica… En la animación, es muy difícil hacer algo normal. Cuando consideras [la película], hay muchas escenas donde los personajes simplemente están tomando té o caminando. No tomas nota de [tales acciones], sin embargo, son muy difíciles de dibujar, y creo que requirió mucho trabajo desafiante para los animadores clave”.  Anno, quien se desempeñó como artista de efectos especiales de la película, también comentó que dos críticas frecuentes a Royal Space Force fueron que “podría haberse parecido más a un anime [típico]”, pero también por el contrario, que hubiera sido más apropiado que se hiciera en acción real. Anno sintió que estos puntos de vista no lograban comprender la ventaja de usar la animación para la realización cinematográfica como una transmisión precisa de la intención del director y el objetivo de la película de transmitir una sensación de realidad en lugar de una apariencia de acción en vivo como tal: “Todo lo que puedo decir a las personas que quieren ver algo más parecido al anime en su pantalla es que deberían ver otro anime”. 

Aunque Royal Space Force era esencialmente una obra animada predigital  que utilizaba capas de celdas físicas y fondos pintados a mano,  se utilizó animación asistida por computadora para ciertas tomas de movimiento difíciles, incluyendo las hélices contrarrotatorias del avión de la fuerza aérea Honnêamise, la rotación de la cápsula espacial en órbita, el giro inclinado de la rueda de la barredora y el balanceo de la aguja del instrumento en el búnker de control de lanzamiento. Los movimientos en sí se renderizaron utilizando software ASCII 3D y luego se trazaron sobre celdas.  Por el contrario, Ryusuke Hikawa señaló que los copos de escarcha que caían del cohete al despegar, que podrían asumirse como un efecto CG, se hicieron completamente a mano bajo la supervisión de Hideaki Anno. 

A medida que 1985 se acercaba a su fin, Bandai aún no se había comprometido formalmente con Royal Space Force como un lanzamiento de largometraje, ya que aún no se había asegurado un distribuidor para la película.  Yamaga también tardó en finalizar el guion gráfico, que no se completaría en su totalidad hasta junio de 1986.  Sin embargo, su tercera parte, o parte C, estaba casi terminada, y se tomó la decisión de comenzar la producción allí, con el razonamiento de que el tono sobrio de muchas escenas en el tercer cuarto de la película requería precisión en la expresión; como aún no había una fecha de lanzamiento, era mejor trabajar en ellas mientras el cronograma aún era relativamente flexible.  Higuchi comentó que debido a que los guiones gráficos de Yamaga eran minimalistas, y contenían solo el tamaño del campo , la cantidad de caracteres en el cuadro y la ubicación del diálogo, Royal Space Force no se hizo de la manera típica de un anime, donde los animadores recibirían instrucciones para “dibujar esta imagen”. En cambio, se les pidió que “pensaran en la interpretación de esta escena”, con reuniones donde los propios animadores determinaron cómo se moverían las escenas, representándolas primero físicamente como si intentaran transmitirlas al público; los ángulos de cámara que se utilizarían también se decidieron mediante debate. Describió el proceso en retrospectiva como “muy divertido”, aunque señaló que algunos animadores se negaron a trabajar de esa manera y se alejaron de la producción. 

En enero de 1986, Toho-Towa acordó distribuir Royal Space Force como un largometraje, y la producción asumió un ritmo más frenético, ya que el proceso de intercalación, pintura de celuloide y pintura de fondo comenzó en este momento; se reclutó personal adicional a través de anuncios colocados en revistas de anime.  El intercambio diario de ideas entre Yamaga y el resto del personal de Gainax continuó durante la producción, ya que los artistas intentaron comprender sus intenciones, y Yamaga solicitó que se rehicieran los dibujos de animación, los diseños y las pinturas de fondo para acercarse a la “imagen en su cabeza”; los artistas de la película también intercambiaron opiniones sobre las imágenes entre ellos.  Yamaga diría más tarde sobre la realización de Royal Space Force , “era como si todos estuviéramos blandiendo espadas con los ojos vendados”.  Akai y Yamaga comentaron que, dado que no eran “puristas de la animación”, alteraron los dibujos de animación, las celdas y las hojas de tiempo de maneras que no eran prácticas tradicionales de la industria, hasta el punto de que “los jóvenes que siguieron nuestros pasos en la creación de anime pensaron que así era como se hacía”, especulando que pueden haber creado nuevas tradiciones para el anime al romper con las viejas en la producción de Royal Space Force . 

Como anime predigital, las escenas de Royal Space Force se creaban usando una cámara para fotografiar las celdas de animación y los fondos en película . Una escena solía consistir en una serie de tomas individuales, conocidas como “cortes”, y cada corte se preparaba para el fotógrafo reuniendo en una bolsa todas las celdas de animación y los elementos de fondo que se usarían en ese corte en particular.  Muchas de las escenas de la película se realizaban mediante técnicas especiales aplicadas a la animación subyacente; un ejemplo era la pantalla de televisión analógica en el cuartel de la Fuerza Espacial, creada al fotografiar las celdas de animación a través de un panel acrílico transparente cubierto por una lámpara fluorescente . Además de la necesidad técnica de fotografiar la animación, la experiencia de Gainax en la filmación de obras amateur de acción real influyó en la construcción de las propias escenas animadas. Akai y Yamaga comentaron que no había sido su intención “emular” películas de acción real, sino hacer animación con un realismo basado en su experiencia de “mirar a través del lente de la cámara para ver lo que ve… Es difícil expresar películas animadas de manera realista. La cámara realmente no existe”.  Otra reflexión de su experiencia con la acción real implicó construir modelos a escala de los vehículos y edificios que aparecen en la película como modelos para los animadores, pero también elegir qué ángulos y puntos de vista usar en las escenas donde aparecerían los objetos modelados; en sentido figurado, “decidir dónde deberían estar las cámaras”. 

El director de fotografía de Royal Space Force fue Hiroshi Isakawa de Mushi Production , donde se había filmado la animación de la película piloto.  Isakawa comentó que originalmente le aseguraron que la fotografía podría comenzar en abril de 1986, pero no recibió cortes para filmar hasta agosto, y luego “solo el trabajo fácil”, con Gainax posponiendo las escenas más difíciles hasta más tarde. El período de trabajo más intenso ocurrió en enero de 1987, con la filmación completada a fines de ese mes; con la naturaleza intermitente de la tarea, la fotografía había tomado tres meses de tiempo real.  Isakawa describió los desafíos técnicos que enfrentó en la filmación de Royal Space Force , con algunos cortes individuales creados mediante el uso de hasta 12 niveles fotográficos que consistían en celdas, capas de superposición y hojas de máscaras de papel diseñadas para capturar áreas aisladas de luz de diferentes colores. Otro aspecto desafiante fue el movimiento, como transmitir las fuertes vibraciones de la motocicleta de Marty o la cabina del avión de la fuerza aérea; Aunque normalmente tales escenas se filmarían agitando las celdas y los fondos como una unidad, Gainax insistió en que los elementos se agitaran por separado. 

Yamaga y Shinji Higuchi , quien también fue subdirector de fotografía de la película,  hicieron que Isakawa viera “Elegidos para la gloria” y le mostraron fotos de la NASA como referencia para el aspecto que buscaban lograr en ciertas tomas. Para transmitir la sensación de misterio visual del mundo de la película desde el espacio, Isakawa fotografió el arte a través de máscaras con agujeros tan diminutos que sintió que las imágenes apenas estaban iluminadas; no pudo calcular los niveles de luz con antelación, y tuvo que hacer ajustes posteriormente examinando la película revelada.  Isakawa mencionó que se cansaba y se enojaba después de que le pidieran filmar cinco o seis tomas diferentes de un corte, sin ver la necesidad, pero desistió al darse cuenta de que era un trabajo “en busca de la perfección” y sintió que el logro final era “realista sin usar imágenes de acción real, un trabajo que aprovechaba al máximo los mejores méritos del anime”.

En abril de 1986, Ryuichi Sakamoto fue seleccionado como director musical de Royal Space Force .  Sakamoto ya era reconocido por su trabajo en la banda electrónica pionera Yellow Magic Orchestra y su banda sonora para la película de Nagisa Oshima de 1983 Merry Christmas, Mr. Lawrence ; el año siguiente al estreno de Royal Space Force , Sakamoto compartiría el Premio de la Academia a la Mejor Banda Sonora Original por la banda sonora de El Último Emperador . En 1986, Sakamoto también fue prominente en el mercado cinematográfico nacional japonés por su banda sonora para la película más taquillera de ese año, Koneko Monogatari . Ryusuke Hikawa comentó que, de hecho, el director musical era el único miembro del personal principal de Royal Space Force conocido por el público en general en el momento de la producción de la película;  Yamaga recordó que pedirle a Sakamoto que hiciera la música para Royal Space Force requirió un aumento especial de 40 millones de yenes por encima de su presupuesto anterior de 360 ​​millones de yenes.  El primer lanzamiento comercial de música de Sakamoto para el proyecto ocurrió tres meses antes del debut japonés de la película, en forma de un maxi sencillo de 12″ titulado The Wings of Honnêamise: Image Sketch ,  que contenía mezclas tempranas de cuatro piezas iniciales clave que había compuesto para la banda sonora de la película, mencionadas en Image Sketch solo bajo los nombres “Prototype A”, “Prototype B”, “Prototype C” y “Prototype D”. En sus notas de portada, Sakamoto comentó que una de las principales razones por las que aceptó el trabajo fue que vio una semejanza entre el cuidado meticuloso que puso en su música y los esfuerzos que los cineastas estaban haciendo con Royal Space Force .  Yamaga escribió en Image Sketch que veía a Sakamoto como un compositor que, al igual que los otros creadores que trabajaban en la película, rechazaba los estilos de “rellenar los espacios en blanco” y, en cambio, expresaba una profunda sensibilidad personal. 

Sakamoto trajo al proyecto Royal Space Force a sus colaboradores anteriores en Koneko Monogatari , los músicos Koji Ueno , Yuji Nomi y Haruo Kubota.  Ueno, Kubota y Nomi tomaron como puntos de partida los cuatro prototipos de Sakamoto, así como un conjunto de “palabras clave” que Yamaga les había dado como guía.  El equipo trabajó a partir de una “tabla de gráficos” preparada por Sakamoto y el director de sonido Atsumi Tashiro que enumeraba cada escena de la película que requería música, con notas sobre la duración, el tipo de música que se usaría y cuál de los cuatro prototipos usar como base para sus arreglos .  Ueno, Kubota y Nomi decidieron entonces qué escenas de la película arreglarían cada uno y luego hicieron sus piezas por separado, sin trabajar en ellas juntos en el estudio ni con Sakamoto. Después de arreglar una pieza, se reunían como grupo y escuchaban el trabajo de los demás, y luego volvían a separarse para continuar el proceso.  Se hicieron 47 arreglos musicales para la película basándose en la tabla,  de los cuales 15 fueron seleccionados posteriormente para aparecer en el álbum The Wings of Honnêamise~Royal Space Force Original Soundtrack lanzado en marzo de 1987, la mayoría se desarrollaron como variaciones de uno de los cuatro prototipos originales de Sakamoto; por ejemplo, “Prototype A” se convertiría en la base del tema de los créditos iniciales de la película. Algunos se crearon basándose en arreglos que combinaban dos de los cuatro prototipos; 13 de las 47 piezas, sin embargo, no se basaron en ninguno de los cuatro, sino que fueron nuevas composiciones originales creadas posteriormente en el proceso de la banda sonora por Ueno, Kubota, Nomi o el propio Sakamoto; varias de estas aparecieron en la banda sonora original .  Las piezas musicales de fondo no incluidas en la banda sonora original eventualmente se recopilarían como un contenido adicional en la edición LaserDisc Royal Space Force~The Wings of Honnêamise Memorial Box de 1990;  este contenido adicional también se incluiría como extra en el DVD Manga Entertainment de 2000. 

Toshio Okada comentó en 1995: “Realmente no me gustaba el estilo [musical] de Sakamoto en ese entonces, ni siquiera ahora. Pero conozco su talento, su capacidad para construir una banda sonora fuerte y escribir una orquestación completa. Por eso lo elegí”, afirmando que “en ese momento, era la única opción para una banda sonora original de una película”. Cuando se le preguntó si había considerado a Joe Hisaishi , Okada respondió: “Hisaishi siempre escribe una o dos melodías, y el resto de la banda sonora se construye alrededor de ellas… Pero su tipo de estilo no habría funcionado para [ Royal Space Force ]… para bien o para mal, la película tiene una estructura muy diferenciada, y necesitábamos una banda sonora que coincidiera con eso”.  En 2018, los medios de comunicación informaron que la banda sonora de Sakamoto para My Tyrano: Together, Forever fue su primera vez componiendo para animación. El compositor comentó en una entrevista a principios de ese año que había estado a cargo de la música para una película de anime “hace 35 [sic] años, pero no me gustó mucho (así que no puedo decir el título)”.  Al comentar sobre las declaraciones de Sakamoto, Okada recordó que el compositor había estado sinceramente entusiasmado con la creación de la música para Royal Space Force desde el principio del proyecto y había estudiado sus guiones gráficos de cerca en busca de inspiración;  las notas del álbum Original Soundtrack de 1987 mencionaron una reunión de planificación musical donde el entusiasmo fue tan grande que los participantes terminaron quedándose durante 12 horas. Okada teorizó que Sakamoto puede haber visto las escenas exactamente cronometradas como una oportunidad para lograr una sincronización perfecta entre su música y las imágenes; sin embargo, Okada señaló que la duración real de un corte de animación terminado puede variar ligeramente y, en última instancia, el director de sonido tiene la prerrogativa de editar la música en consecuencia.  Okada creía que tales problemas podrían haberse resuelto si hubiera tenido la oportunidad de hablar directamente con Sakamoto y hacer ajustes, pero después de cierto punto las comunicaciones pasaron a ser transmitidas a través de su agencia de representación , Yoroshita Music.  El propio compositor había estado fuera de Japón durante los últimos meses de la producción de Royal Space Force , que coincidieron con el calendario de rodaje de El último emperador . Okada afirmó que, si bien Sakamoto y Yamaga nunca entraron en conflicto, la situación generó frustración en el personal de la película, en particular entre Yoroshita y el director de sonido Tashiro; Tashiro finalmente le pidió a Okada que decidiera si él o Sakamoto tendrían la última palabra sobre la composición musical. Okada eligió a Tashiro, señalando que aceptaba la responsabilidad de la decisión, aunque creía que fue lo que desagradó a Sakamoto de Royal Space Force , hasta el punto de no mencionarlo como parte de su trayectoria como compositor de música para cine. 

A finales de 1986, comenzaron a aparecer señales de nerviosismo entre los patrocinadores e inversores de la película, ya que “el metraje de Royal Space Force se acercaba a su finalización… y se descubrió que estaba inconvenientemente libre de muchas oportunidades de comercialización derivadas”, lo que provocó lo que Jonathan Clements describe como “intentos escandalosos” por parte de sus patrocinadores financieros de “arreglar” la película que comenzó con “discusiones prolongadas sobre una repentina necesidad percibida de cambiarle el nombre”.  El proyecto había sido presentado, desarrollado y aprobado para su producción bajo el nombre de Royal Space Force ; Okada comentó que, para Gainax, era “su único título”.  All Nippon Airways , uno de los patrocinadores de la película,  sin embargo deseaba que el título incluyera la palabra “alas”,  mientras que Bandai favorecía que el título debería usar la forma “Algo de Algo”, con el razonamiento de que el último gran éxito del anime se había llamado Nausicaä del Valle del Viento .  Como Royal Space Force “no era ‘lo suficientemente sexy ‘ ” y Riquinni era “convenientemente mujer”, el impulso inicial fue usar el título (Las) Alas de Riquinni. 

Aunque el plan para hacer Royal Space Force se conocía en la industria del anime desde mediados de 1985,  el anuncio oficial de la película no se realizó hasta el 4 de junio de 1986, en una conferencia de prensa celebrada en el prestigioso Hotel Imperial de Tokio. El anuncio utilizó Royal Space Force como el título principal de la película, con (The) Wings of Riquinni como un subtítulo más pequeño; en privado, Yamaga se opuso firmemente al subtítulo, señalando que el propósito de la película era expandir la visión del mundo de la audiencia y que no quería un título que se centrara en un personaje; por lo tanto, si un segundo título era absolutamente necesario, sugirió que usara Honnêamise después del nombre del reino en el que tienen lugar la mayoría de los eventos de la película.  A medida que 1986 se acercaba a su fin, la publicidad de la película relegó gradualmente a Royal Space Force al estado de un subtítulo más pequeño debajo de The Wings of Honnêamise . 

En sus memorias de 2010, Okada reflexionó sobre cómo el conflicto no solo se debía al título de la película, sino también a su duración. Okada reconoció que una película más corta podría haber aumentado la venta de entradas al permitir que se proyectara más veces al día; sin embargo, en aquel momento, Okada se negó, argumentando que la taquilla no formaba parte de su trabajo, y en una reunión declaró que si querían acortar la película incluso 20 minutos, mejor que le cortaran el brazo. En retrospectiva, Okada sintió que se había comportado como un niño, pero que «los creadores son todos niños». El presidente de Bandai, Makoto Yamashina, afirmó poco antes del estreno de la película que durante un periodo de tres semanas él y la distribuidora Toho-Towa habían pensado en recortar 20 minutos: “Pero el proceso de decidir qué escenas recortar comenzó con conversaciones sobre por qué no debían cortarse. Y después, pensé: ‘Ah, ahora lo entiendo’ y sentí que no podía… Por el bien de la taquilla, podría haber funcionado con unos 100 minutos, pero si cortamos la película en esta etapa, todo el objetivo de la película se desvanece, y los cientos de millones de yenes gastados en ella carecen de sentido”. Yamashina le dijo a Toho que aceptaría la responsabilidad si su decisión significaba que la película no fuera un éxito. 

Okada escribió que más tarde escuchó cómo Bandai también estaba “enfadada”, hasta el punto de considerar retirar el proyecto de Gainax y dárselo a otro estudio para que lo terminara, o incluso cancelar el estreno de la película, a pesar de los 360 millones de yenes ya invertidos en su producción. Sin embargo, esto habría requerido que alguien en Bandai asumiera la responsabilidad de la pérdida, lo que podría ser el propio Makoto Yamashina, quien anunció Royal Space Force como su proyecto personal durante la conferencia de prensa oficial de junio.  Okada señaló que la persona atrapada en el medio era Shigeru Watanabe, quien había apoyado el proyecto desde el principio, pero ahora se encontraba “forzado a una posición muy difícil”, tan deprimido por el conflicto que, tras el estreno de la película, se tomó un año de licencia . Okada expresó un gran pesar por lo que describió como su falta de amabilidad en ese momento hacia Watanabe, pero sin embargo no lamentó su falta de compromiso, creyendo que si hubiera cedido algún terreno, la película podría no haberse completado.

Okada afirmó en una entrevista de 1995 que, como Nausicaä había sido “el último ‘gran éxito del anime'”, el personal de marketing de Toho-Towa modeló su pensamiento en él y, después de darse cuenta de que la película no iba a ser como Nausicaä , decidió publicitarla como si lo fuera.  El propio Yamashina había reconocido que el objetivo de ventas de la película se basaba en Nausicaä a pesar de que “el contenido de esta obra no es como Nausicaä … Nadie ha hecho algo así antes, por lo que es un gran riesgo en ese sentido”.  En 2000, Akai recordó: “El departamento de relaciones públicas realmente no parecía entender la película. Tienen una tendencia a hacer que un nuevo lanzamiento sea interesante haciéndolo parecer similar a una película que anteriormente fue un éxito”.  Yamaga comentó: “No había precedentes en la publicidad de una película como la nuestra en ese momento… solo pueden compararla con algo como Nausicaä . En realidad, es completamente diferente”. Sin embargo, Yamaga sintió que Nausicaä “al menos sirvió como referencia cuando nos pidieron que describiéramos nuestra película. Si no fuera por ese precedente, no habría habido ningún punto de referencia”.  Clements remarcó: “La unidad de promociones hizo todo lo posible para que Honnêamise atrajera precisamente al mismo público que Nausicaä , incluso si eso significaba publicidad engañosa”, citando un “incidente con insectos” en el que se le pidió a Yoshiyuki Sadamoto que dibujara una imagen del insecto mascota de Manna como si fuera una criatura gigante atacando la ciudad en la película, a la manera del ohmu gigante en Nausicaä . 

La campaña publicitaria nacional para la película que ahora se promociona bajo el título The Wings of Honnêamise~Royal Space Force comenzó el día de Año Nuevo de 1987, incluyendo anuncios en periódicos y revistas a todo color, así como comerciales de televisión,  con ubicaciones posteriores en más de 70 medios de comunicación.  Al igual que con el “incidente del insecto”, un aspecto frecuente del impulso de marketing implicó tomar imágenes de la película y presentarlas como fantásticas, como un tren de vapor de la película reetiquetado como un “bio-tren” en los anuncios.  El kit de prensa oficial de la película describió la premisa de su historia como: “‘… A través de la guía de una muchacha con un alma pura e inmaculada, aquellos que despierten tomarán vuelo y se elevarán al Cielo, tomando en sus manos el libro sagrado de Honnêamise’ … Shirotsugh creció para unirse a la Real Fuerza Espacial, al igual que otros jóvenes tan apasionados y enérgicos como él. Fue entonces cuando comenzó el trabajo en un gran proyecto para buscar espacio para el libro sagrado imaginado que promete paz eterna a Honnêamise”.  La piedra vertical que se ve brevemente en la historia,  aunque no se le da un significado particular en la película en sí, se reutilizó en una característica principal de la publicidad de la película, etiquetada como una “Torre Símbolo” que brilla debido a lo que los anuncios describen como un vínculo telepático secreto nacido del “amor apasionado” entre Shirotsugh y Riquinni. El único diálogo hablado en el tráiler, “¿Crees en el milagro del amor?” Lo que dijo el actor de voz de Riquinni, Mitsuki Yayoi, no era una línea de la película real, sino que hacía referencia a un eslogan utilizado en la campaña publicitaria. 

Poco antes del estreno de la película, Makoto Yamashina manifestó su considerable incertidumbre sobre cómo sería recibida la película, con el temor de que “los cines quedaran desiertos”.  Sin embargo, también expresó ansiedad por las implicaciones para la industria si tenía éxito: “Si resulta que los jóvenes de hoy están pensando en la línea de Yamaga, con ese nivel de sofisticación, va a ser muy difícil [para otros cineastas] … Es difícil para mí hablar de la película así, pero independientemente de si tiene éxito o no, es una película que no entiendo”.  En un intento por generar publicidad para el estreno de la película en marzo de 1987 en Japón, se celebró un estreno mundial el 19 de febrero de 1987 en el Teatro Chino de Mann en Hollywood .  La proyección de una noche se organizó para los medios japoneses, y todos los programas de noticias de Tokio TV cubrieron el estreno; Bandai también pagó para que asistieran 200 personalidades notables de la industria del anime.  Las imágenes del evento de Hollywood se incorporaron a un especial promocional de media hora que se emitió el 8 de marzo en Nippon TV , seis días antes del estreno de la película en Japón.  Entre los estadounidenses invitados a la proyección se encontraban fanáticos del anime y varias figuras asociadas con el cine de ciencia ficción estadounidense, incluido el actor de Terminator y Aliens , Michael Biehn , así como el diseñador de Blade Runner , Syd Mead .  Aunque en los materiales publicitarios japoneses se hace referencia a ella como la “preproyección estadounidense” de The Wings of Honnêamise~Royal Space Force ,  la película se mostró bajo el nombre de Star Quest y se presentó en un doblaje en inglés que fue destacado por las revistas de anime estadounidenses y japonesas que cubrieron el evento por sus diferencias significativas con la película original;  En 2021, Ken Iyadomi de Bandai recordó: “Fue localizado de una manera totalmente estadounidense y todos lo odiaron”. 

The Wings of Honnêamise~Royal Space Force se estrenó en todo Japón el 14 de marzo de 1987.  En una discusión a finales de la primavera después del estreno de la película, el coproductor Hiroaki Inoue afirmó que la película “dio una buena pelea”, argumentando que la estadía promedio en el cine para las películas de anime originales era de cuatro semanas; en un cine, Royal Space Force había logrado una duración de siete semanas.  Takeda recordó: “Ningún cine canceló su presentación y, en algunos lugares, de hecho, tuvo una presentación más larga de lo planeado inicialmente… La escala del presupuesto significaba que recuperar todos los costos de producción  en taquilla simplemente no era factible”.  Sin embargo, Clements presenta un argumento de que se invirtió demasiado en la película como parte de las “tensiones de la fiebre del oro” de la economía de burbuja de Japón , y que el plan original de lanzarla como un OVA podría haber sido más sensato desde el punto de vista financiero.  A partir de su lanzamiento en caja de laserdisc japonesa en 1990, el título principal de la película se cambió de nuevo a Royal Space Force , con The Wings of Honnêamise como un subtítulo más pequeño.  Aunque Gainax casi estuvo en bancarrota por el proyecto, Bandai recuperó su inversión en septiembre de 1994, siete años y medio después de su estreno en cines japoneses; la película ha seguido generando ganancias para ellos desde entonces. 

Una versión cinematográfica de 16 mm subtitulada en inglés de la película autorizada por Bandai se proyectó en la Worldcon de 1988 ; un informe contemporáneo la vinculó con una posible versión de video doméstico en los Estados Unidos.  Sin embargo, no fue hasta 1994 que la película recibió un lanzamiento comercial real en inglés, cuando un nuevo doblaje en inglés, usando su título original de lanzamiento en cines japonés The Wings of Honnêamise: Royal Space Force, fue grabado en Animaze y lanzado por Manga Entertainment . El nuevo doblaje en inglés se mostró en más de 20 salas de cine durante 1994-95 como una versión cinematográfica de 35 mm y posteriormente se lanzó en forma doblada y subtitulada en VHS y LaserDisc . Animerica , en una reseña contemporánea, evaluó el doblaje como “admirable en muchos aspectos”, pero argumentó que los cambios en el diálogo significaban que la versión subtitulada representa “una presentación más clara de las ideas y personalidades originales creadas por Hiroyuki Yamaga”.  Sin embargo, en una entrevista posterior, Yamaga, aunque confirmó que no había aprobado el guion del doblaje de antemano, fue más ambivalente y afirmó que él mismo había disfrutado de películas extranjeras cuyas traducciones habían sido cambiadas: “Lo que creo es que cada uno tiene sus propias áreas de tolerancia a medida que se aleja del trabajo original… Todo se reduce a lo que está dispuesto a aceptar”. 

El lanzamiento de 2000 por Manga Entertainment en DVD, aunque elogiado por su pista de comentarios con Hiroyuki Yamaga y Takami Akai, fue al mismo tiempo severamente criticado por su mala calidad visual.  En 2007, Bandai Visual lanzó una versión Blu-ray / HD DVD para conmemorar el 20 aniversario de la película; este lanzamiento usó el audio de la edición japonesa de 1997 de la película en la que sus efectos de sonido fueron regrabados en Dolby 5.1 .  Aunque contiene un folleto de 20 páginas con ensayos de Hiroyuki Yamaga y Ryusuke Hikawa ,  carece de la pista de comentarios del lanzamiento del DVD Manga de 2000, y ahora está agotado. Maiden Japan relanzó la película por separado en Blu-ray y DVD en 2013.  En agosto de 2022, Section23 Films anunció un lanzamiento simultáneo en video doméstico con Bandai Namco Filmworks de una remasterización en 4K de la película supervisada por el director Hiroyuki Yamaga, que contiene como extras el documental de producción japonesa de 1987 Oneamisu no Tsubasa: Ōritsu Uchūgun—Document File , una versión de la película piloto con una pista de audio alternativa y una colección de la música de fondo de la película.  El lanzamiento inicial de la película en el Reino Unido en VHS en 1995 por Manga Entertainment fue cortado para eliminar la escena del intento de violación; en una entrevista contemporánea, el examinador de BBFC Imtiaz Karim indicó que Manga hizo esto voluntariamente, para que la película, que había sido certificada para audiencias de 15 años o más cuando se mostró en los cines del Reino Unido, pudiera recibir el certificado PG más bajo cuando se lanzara en video doméstico.  La edición británica en Blu-ray y DVD de 2015 de la película de Anime Limited se lanzó sin cortes con un certificado 15.

El Yomiuri Shimbun , el diario más grande de Japón, publicó una crítica mixta de la película el día antes de su estreno en Japón, caracterizando la película como dispersa y aburrida por momentos, y expresando un cierto “resentimiento por su falta de emoción”, pero concluyó expresando su admiración por la película por su esfuerzo y gasto, visión honesta y personal, y por no aferrarse a los patrones de trabajos de anime anteriores.  Una reseña contemporánea en Kinema Junpo , la revista de cine más antigua de Japón, vio la película no como realmente sobre el “tema trillado” de los viajes espaciales, sino más bien sobre llegar a un punto donde “se puede ver toda la Tierra … aprovechando al máximo el medio único de la animación”, los creadores “observan la civilización objetivamente primero y luego la desmontan para finalmente reestructurarla … Las historias que presentan máquinas geniales, robots y personajes atractivos, con la trama desarrollándose mientras se desplaza por el espacio, ya alcanzaron su punto máximo en cierto sentido con la película Macross [1984] . En lugar de intentar ir más allá de Macross , creo que los creadores de esta película creyeron que podían encontrar un nuevo horizonte para el anime al crear un mundo diferente de una manera que acercara la historia a la Tierra nuevamente”. 

Royal Space Force ocupó un lugar destacado en las principales retrospectivas anuales de la prensa japonesa de anime. La película ganó el Premio de Anime de Japón al mejor estreno de anime de 1987  y figuró en dos de las diez primeras posiciones de la encuesta de fans del Anime Grand Prix , como el cuarto estreno de anime del año, con Shirotsugh Lhadatt como el noveno personaje masculino. En 1988, Royal Space Force ganó el Premio Seiun , el premio de ciencia ficción más antiguo de Japón, a la Mejor Presentación Dramática del año anterior.  A principios de 1989, una retrospectiva de Animage sobre los primeros 70 años del cine de anime comparó Royal Space Force con el debut como director de Isao Takahata de 1968, The Great Adventure of Horus, Prince of the Sun , como una obra que, como Horus , parecía haber surgido en escena sin relación con ningún lanzamiento comercial anterior: “una película de anime con una metodología y un mensaje diferentes… No se sabe qué influencia tendrá en el anime en el futuro, pero lo que es seguro es que este fue un trabajo lleno de la tremenda pasión de su joven personal”.

Hayao Miyazaki elogió Royal Space Force , calificándola de “un trabajo honesto, sin ningún tipo de fanfarronería o pretensión… Pensé que la película iba a ser una gran inspiración para los jóvenes que trabajan en esta industria. Puede que estén intensamente divididos sobre si les gusta o no, pero de cualquier manera va a servir como estímulo”.  Miyazaki expresó dos críticas a la película: el diseño del cohete, que vio como demasiado convencional y que recordaba a “la gran ciencia como la NASA “, y el hecho de que Shirotsugh estuviera posicionado como teniendo que reunir a los miembros más antiguos de la Fuerza Espacial para que no se dieran por vencidos en el lanzamiento, lo que Miyazaki encontró poco convincente dado que habían soñado con viajar al espacio mucho más tiempo que él.  Yamaga no negó que escribió el guion de una manera que pensó que atraería a los jóvenes, pero sintió que era muy importante destacar las contribuciones de las generaciones mayores y más jóvenes tanto al lanzamiento del cohete como a la realización de la película en sí. Miyazaki sintió que, dado que fueron jóvenes como Yamaga quienes “sembraron activamente las semillas de la mejora [en el anime]” con Royal Space Force , habría sido mejor en la película si los jóvenes les dijeran a los mayores: “ Retrocedan, viejos “ .  Yamaga comentó en respuesta que la película mostraba una realidad donde ninguna generación de la Fuerza Espacial vio prevalecer sus visiones personales, ya que la construcción del cohete y su lanzamiento solo ocurrieron gracias al apoyo de un gobierno que tenía una agenda diferente a la suya.  “No se trata de dar un salto, aunque desde el principio lo parezca. Más que ir a un lugar nuevo en un sentido físico, mi objetivo era mostrar algo valioso en el proceso”. 

En una entrevista de 1996, poco después de la emisión original de Neon Genesis Evangelion , Hideaki Anno rastreó su período anterior de desesperación y sensación de estancamiento creativo hasta el fracaso comercial de Royal Space Force , que lo había “devastado”, afirmando que su propio debut como director, Gunbuster , fue una respuesta irónica a la recepción que Royal Space Force había recibido: “Bien, entonces [en lugar de eso] envíen al espacio un robot y una chica semidesnuda “. Tres años antes, Mamoru Oshii había expresado la opinión de que Anno aún no había hecho un anime que fuera verdaderamente suyo como creador, mientras que creía que Yamaga ya lo había hecho en Royal Space Force . Oshii sintió que, por lo tanto, también revelaba necesariamente todas las deficiencias de Yamaga  y que “tuvo muchos problemas” con la película, pero aun así sintió que Royal Space Force tuvo cierto impacto en la idea de hacer una película de anime, simplemente porque nadie había hecho una como esta antes: “Es el tipo de trabajo que quiero ver”.  Oshii admiró sobre todo el “rechazo del drama” de la película. “Cuanto más la veía, más me daba cuenta de que Yamaga era un hombre que no tenía intención de hacer drama. Y pensé que eso era algo muy bueno”. Oshii afirmó que no era necesario que las películas se basaran en una estructura dramática, sino que podían usarse para crear un mundo lleno de atmósfera e ideas. 

La respuesta crítica a la versión doblada al inglés de la película durante su estreno en cines entre 1994 y 1995 estuvo muy dividida, con reseñas que diferían ampliamente en la trama, los temas, la dirección y los diseños de la película. El San Jose Mercury News le dio una reseña de una estrella, escribiendo que la película era misógina, carecía de originalidad, conflicto y resolución; también percibió en sus diseños de personajes “estereotipos de autodesprecio” de los japoneses,  una opinión avanzada también en una reseña negativa de la película por LA Village View .  El Salt Lake Tribune la describió como “pesada” y “una pieza aburrida de animación japonesa … Los cineastas crean imágenes dibujadas con precisión, pero no hay vida ni pasión detrás de ellas”.  El Dallas Morning News sintió que el “intentar atraer a un público más amplio” de Hiroyuki Yamaga era en sí mismo un enfoque fundamentalmente equivocado para hacer anime, comparándolo con intentar “comercializar la música punk “; La reseña, en cambio, recomendó que el público viera “un anime mucho más representativo, Fist of the North Star … Fist tiene pocas de las pretensiones de Wings y está impulsado con una energía que su primo mejor vestido nunca alcanza”. 

Las críticas más favorables tendieron a considerar la película poco convencional, aunque la recomendaron al público. El Fort Worth Star-Telegram la escribió: «Combina ideas provocativas con belleza visual», comparando su creación de mundos con la de Blade Runner .  LA Weekly comentó: «Estas piezas extrañas y descomunales se fusionan y añaden una sensación de profundidad que las narrativas de dibujos animados a menudo no obtienen… Dejando de lado la brillantez técnica, lo que le da [a la película] su poder de construcción lenta es la historia de amor, una misteriosa y creíble». El Washington Post consideró su duración de dos horas como «un poco floja», pero también afirmó: « The Wings of Honnêamise de Hiroyuki Yamaga es un ejemplo espectacular de animación japonesa , ambiciosa y audaz en su fusión perfecta de color, profundidad y detalle».  Roger Ebert del Chicago Sun-Times le dio a la película tres estrellas de cuatro, elogiando la imaginación visual de Yamaga y comentó sobre el “estilo dramático poco convencional” del director, recomendando “Si tienes curiosidad sobre el anime, The Wings of Honnêamise … es un buen lugar para comenzar”. En el Reino Unido, The Guardian la consideró como la destacada de un festival de anime en el National Film Theatre de Londres : “Sin embargo, una película en la temporada demuestra que el anime puede ser complejo y lírico, además de emocionante. Wings of Honnêamise de Hiroyuki Yamaga … ”  En Australia, Max Autohead de la revista Hyper la calificó con 10 de 10, llamándola “una obra maestra cinematográfica que allanará el camino para más” anime de su tipo. 

Tras su estreno inicial en inglés a mediados de los 90, las retrospectivas posteriores sobre anime han tenido una visión positiva de Royal Space Force: The Wings of Honnêamise . En una edición de 1999 de Time , el ex editor en jefe de Film Comment, Richard Corliss, escribió un resumen de la historia del anime, enumerando bajo el año 1987 la observación: ” Se estrena The Wings of Honnêamise , lo que convierte al anime oficialmente en una forma de arte”.  En la edición de 2006 de The Anime Encyclopedia , Jonathan Clements y Helen McCarthy caracterizaron la película como “uno de los ejemplos brillantes de lo cerebral e inteligente que puede ser el anime”.  Simon Richmond, en The Rough Guide to Anime de 2009 , escribió que la “reputación de la película ha crecido con el tiempo hasta el punto de que se la anuncia con justicia como un clásico del medio”.  mientras que en Anime de 2014 , Colin Odell y Michelle Le Blanc describieron la película como “un ejemplo de anime de ciencia ficción como narrativa de cine de arte, combinado con un drama de mayoría de edad que es inteligente y que invita a la reflexión”.  Jason DeMarco, actual vicepresidente senior de Warner Discovery y cocreador de Toonami , la clasificó como la película de anime número 11 de todos los tiempos, afirmando “Si The Wings of Honnêamise es un ‘fracaso noble’, es el tipo de fracaso que muchos cineastas matarían por tener en su currículum”.  Durante una entrevista de 2021 con el New York Times , el autor de ciencia ficción Ted Chiang , cuya ” Story of Your Life ” , ganadora del premio Nebula , fue la base de la película Arrival de Denis Villeneuve , citó a Royal Space Force como el ejemplo más impresionante de construcción de mundos en un libro o película.  En el sitio web agregador de reseñas Rotten Tomatoes , el 100% de las reseñas de 8 críticos son positivas, con una calificación promedio de 6.9/10.

Royal Space Force atrajo un análisis académico más amplio ya en 1992, cuando Takashi Murakami hizo referencia a la película a través de Sea Breeze , una instalación creada durante sus estudios de doctorado en nihonga en la Universidad de las Artes de Tokio .  La pieza de instalación fue descrita como “un anillo de enormes focos de mercurio de 1000 vatios que emitían una poderosa ráfaga de calor y luz cegadora cuando se levantaba una persiana … el círculo de luces se basó en un primer plano de los motores de un cohete encendiéndose durante un lanzamiento espacial en el anime Royal Space Force: [The] Wings of Honneamise ” .  La observación de Hiroyuki Yamaga , “Queríamos crear un mundo y queríamos verlo desde el espacio” sería citada como un epigrama  en My Reality—Contemporary Art and the Culture of Japanese Animation , donde Murakami fue descrito como una “figura fundamental” entre los artistas contemporáneos “inundados de manga y anime, y con conceptos del nuevo Japón, que luchaba con un sentido de autoidentidad como una parte cada vez más fuerte del mundo capitalista moderno, pero estaba vinculado a un pasado largo y distinguido”.  En una discusión con la revista de arte japonesa Bijutsu Techō , Murakami “… encontró loable que los otaku se dedicaran a ‘la invención de una nueva técnica, especialmente a través del uso de elementos pasados ​​por alto, encontrando un “espacio vacío”.’ Sostuvo que el arte debe encontrar el mismo ‘espacio vacío’ para revolucionarse a sí mismo.”  “Gainax representó, para Murakami, un modelo de producción cultural marginalizada pero de vanguardia… Al mismo tiempo, el hecho de que la rueda ardiente estuviera contenida dentro de una caja significaba pasión confinada dentro de un marco convencional, evocando el fracaso de Honneamise para presentar una expresión únicamente japonesa al permanecer bajo la influencia de las películas de ciencia ficción occidentales.” 

Murakami expresaría una concepción histórica específica del otaku durante una discusión con Toshio Okada realizada para la exposición de 2005 Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture : “Después de que Japón experimentó la derrota en la Segunda Guerra Mundial , dio origen a un fenómeno distintivo, que gradualmente degeneró en una cultura únicamente japonesa… [usted] está en el centro mismo de esta cultura otaku “,  afirmando además en un ensayo para el catálogo de la exhibición que, por lo tanto, ” los otaku … todos se definen en última instancia por sus implacables referencias a un yo humillado”.  Este posicionamiento histórico de la cultura otaku se vería cuestionado a través del análisis de Royal Space Force realizado por Viktor Eikman, quien cita la declaración de Murakami de que el estudio que realizó la película ocupó “un lugar central en el mundo del anime actual… [se] constituyó profesionalmente como Gainax en 1984 tras la producción del anime The Wings of Honneamise (estrenado en 1987)”  , pero que las dos obras de Gainax que Murakami analiza en su teoría del otaku fueron la animación de apertura de Daicon IV y Neon Genesis Evangelion . Eikman argumenta que la teoría también debería contrastarse con “otras obras del mismo estudio, realizadas por las mismas personas para el mismo público, pero no analizadas [en el ensayo] por Murakami”.  Sobre Royal Space Force , Eikman sostuvo: “Como mucho, podemos ver la misión del humillado Shiro como un símbolo del deseo de Japón de unirse a la carrera espacial en particular y a las luchas de los ‘niños grandes’ de la Guerra Fría en general, un deseo que juega con la sensación de impotencia infantil descrita por Murakami, pero incluso esa es una hipótesis muy especulativa”, argumentando que “es notablemente difícil encontrar paralelismos con la Segunda Guerra Mundial” en la película. 

En The Cinema Effect de 2004 , al examinar el cine a través de “la cuestión de la temporalidad “,  Sean Cubitt presenta un argumento que agrupa a Royal Space Force junto con 1942: A Love Story y Once Upon a Time in China como ejemplos de películas “revisionistas” que “desplazan el destino del presente, abriendo en cambio una vista hacia un otro lugar… dispuesto a abandonar el ideal occidental del realismo [por] la posibilidad de entender cómo podrían rehacer el pasado y así hacer que el presente sea diferente de lo que es”.  Cubitt, como Murakami, hace referencia a las consecuencias históricas de la Segunda Guerra Mundial, pero al citar un discurso del primer primer ministro de posguerra de Japón sobre la necesidad de un “arrepentimiento colectivo nacional”, sugiere que dicho arrepentimiento es “el tema que parece resonar en el curioso y lento brote” de Royal Space Force a través de la “religión casera de renuncia y juicio inminente” de Riquinni  argumentando que dicha filosofía también se evoca a través del estilo de animación de la película: “Como el cero de las vistas parpadeantes de los Lumières , la acción de [ Royal Space Force ] suma en la nada, un grado cero de lo político que elimina su resolución de la historia… en la zona atemporal denotada por la órbita de Shirotsugh… un lugar vacío desde el cual solo la lucha de la guerra y el sufrimiento se hunde en puro arrepentimiento, no tanto un final como una salida de la historia”.

En contraste, Shu Kuge, en un ensayo de 2007 en la revista Mechademia , ve la posición de Shiro en el espacio al final de la película como “no la negación de la historia, sino el movimiento empático de aceptar el mundo cruel sin traducirlo a un significado metafísico”.  Kuge agrupa la conexión entre Shiro y Riquinni con Voces de una estrella distante de Makoto Shinkai como ejemplos de una conexión personal que es en cualquier caso una relación sostenida por la distancia espacial entre dos personas: “[ellos] sostienen la distancia en lugar de reducirla porque sostener… es crucial para que sus relaciones sean vastas y generosas. La relación topológica entre lo flotante y lo restante es en realidad una mímesis de una relación estelar, como la luna y la tierra, la tierra y el sol”.  Al señalar la lucha entre las fuerzas armadas de Honnêamise y la República para controlar el mismo territorio, Kuge comenta que, en contraste, la Real Fuerza Espacial de hecho no “posee ninguna fuerza militar”, y sugiere que, de igual manera, la naturaleza personal de la relación entre Shiro y Riquinni depende de respetar la separación física y los límites que ella busca mantener y que él busca violar, y viola, antes de que se reafirmen en la última parte de la película. 

Durante 1992-93, Gainax desarrolló planes para una secuela de Royal Space Force que se titularía Aoki Uru (también conocida bajo los títulos Uru in Blue y Blue Uru ); un proyecto de película de anime que sería dirigida por Hideaki Anno y guionada por Hiroyuki Yamaga , con Yoshiyuki Sadamoto como su director de animación en jefe y diseñador de personajes. Aunque se produjo un guion gráfico completo, un guion parcial y una extensa colección de ilustraciones de diseño para Aoki Uru ,  el proyecto se había iniciado sin un presupuesto asegurado, y su desarrollo ocurrió dentro de un período de crisis personales, financieras y gerenciales en Gainax que contribuyeron a la suspensión indefinida del trabajo en Aoki Uru en julio de 1993; el estudio en su lugar cambió a producir como su próximo proyecto de anime la serie de televisión Neon Genesis Evangelion .  En los años posteriores a 1993, Gainax hizo anuncios ocasionales sobre el resurgimiento del concepto de Aoki Uru , incluyendo una propuesta multimedia a finales de los 90 y el anuncio formal de un nombre en inglés para la película, Uru in Blue , en la Feria de Anime de Tokio de 2013. En 2018, el proyecto Uru in Blue fue transferido de Gainax a Gaina , una entidad corporativa diferente y subsidiaria del Grupo Kinoshita, que tenía como objetivo el estreno mundial de la película en 2022.  Sin embargo, en un ensayo sobre la civilización realizado por Yamaga en la edición del 22 de diciembre de 2022 de Niigata Keizai Shimbun , se afirmó que todavía estaba “trabajando actualmente” en el proyecto. 

Nombre japonés
Kanji 王立宇宙軍~オネアミスの翼
Dirigido por Hiroyuki Yamaga
Escrito por Hiroyuki Yamaga
Producido por Hirohiko Sueyoshi / Hiroaki Inoue
Protagonizada por Leo Morimoto / Mitsuki Yayoi
Cinematografía Hiroshi Isakawa
Editado por Harutoshi Ogata
Música de Ryuichi Sakamoto / yuji nomi / Koji Ueno / Haruo Kubota

Empresas de producción Gainax
Vídeo casero de Bandai
Distribuido por Toho-Towa
Fechas de lanzamiento 19 de febrero de 1987 (Los Ángeles) / 14 de marzo de 1987 (Japón)
Tiempo de ejecución 119 minutos
País Japón
Idioma japonés
Presupuesto ¥800 millones
Taquillas ¥347 millones

Mezzo Forte

by animerock | Feb 26, 2026 | Pelicula Anime

El OVA, que trata sobre una joven, Mikura Suzuki, y su negocio mercenario , la Agencia de Servicios de Peligro (DSA), es la secuela espiritual de Kite de Umetsu , ya que ambos presentan los elementos recurrentes de una protagonista femenina altamente capacitada, un tono de comedia oscura, secuencias de acción exageradas, extremadamente violentas y hábilmente dirigidas, así como escenas de sexo explícitas, que solo se encuentran en la versión sin cortes. Mezzo Forte se desarrolla tiempo después de los eventos de Kite .

Al igual que Kite , el OVA se estrenó tanto en Estados Unidos como en Japón en dos versiones diferentes: una con escenas de sexo explícito eliminadas y la otra con ellas intactas. Sin embargo, ambas versiones conservan los aspectos más violentos de la película. El lanzamiento en Estados Unidos contiene 20 minutos de metraje adicional que no se ve en el lanzamiento japonés, sin embargo, no se incluyó nada del contenido pornográfico del corte del director japonés. La versión abreviada de Mezzo Forte , sin embargo, no tiene escenas de sexo y solo contiene dos escenas de desnudos (en las que se muestran pechos y labios femeninos sin ocultar ). Además, se estrenó una versión internacional en Japón el 23 de julio de 2004. Esta versión incluye 20 minutos de metraje adicional, pero ninguna de las escenas para adultos que se encuentran en el corte del director o la versión sin cortes.

Momokichi Momoi, el jefe mafioso y dueño de un equipo de béisbol profesional conocido como “Los Twisters de Melocotón”, tiene una forma peculiar de lidiar con los jugadores ineficaces: matándolos. Su hija, Momomi, es el doble de retorcida que su padre. Mikura, Kenichi y Tomohisa, de la Agencia de Servicios de Peligro, son contratados por un misterioso anciano para secuestrar a Momokichi. La DSA intenta secuestrar a Momokichi durante una partida de bolos, pero la operación fracasa cuando intervienen los guardaespaldas de Momoi y Momokichi. Mikura parece reconocer tanto a Momokichi como a Momomi, y Momomi parece reconocer a Mikura antes de que la DSA logre escapar. Sin embargo, la DSA descubre, para su consternación, que Momokichi fue asesinada durante el secuestro. Mientras duerme, Mikura sueña que Kenichi le confiesa sus sentimientos, a lo que Mikura responde, y ambos tienen relaciones sexuales. Después de terminar, Tomohisa llega y, con el consentimiento de Kenichi, viola a Mikura mientras Kenichi observa.

Furiosa, Momomi ordena a sus hombres y a la policía que inicien una cacería humana para la DSA. Mientras tanto, la DSA entierra el cuerpo de Momokichi para ocultarlo y confrontar al cliente sobre su verdadera identidad. El cliente revela que solía ser un sicario a las órdenes de Momokichi, pero cuando se jubiló, Momomi intentó que lo mataran. El cliente originalmente quería usar a Momokichi como seguro para escapar del país, pero con Momokichi muerto, la única manera de que todos garanticen su seguridad es matar a Momomi. Intentan atraer a Momomi al descubierto fingiendo una demanda de rescate por Momokichi, pero Momochi está decidida a cazarlos de todos modos. Ella logra capturar a Mikura, pero Kenichi y Tomohisa logran reemplazarla en secreto con una doble robot. Sin darse cuenta del cambio, Momomi entrega la doble de Mikura a un par de criminales como castigo. Los criminales proceden a violarla repetidamente como venganza hasta que el sexo se vuelve consensual y la doble de Mikura pide más.

La DSA organiza un falso intercambio de rehenes con un robot doble de Momokichi, y ambos bandos terminan traicionándose mutuamente, desatándose un tiroteo. El verdadero Mikura embosca a Momomi y la mata, y el cliente revela que en realidad es Hiroka, Momokichi y el jefe de seguridad de Momomi. Hiroka admite haber usado a la DSA para eliminar a la familia Momoi y así apoderarse de su imperio, y se prepara para eliminar a la DSA ahora que su utilidad ha terminado. Sin embargo, la DSA conocía la duplicidad de Hiroka desde el principio y lo mata autodestruyendo a la doble de Momokichi.

Después, la DSA se centra en reconstruir el daño que los matones Momoi causaron a su base, y Mikura recibe una premonición sobre su próximo trabajo y sugiere que lo acepten.

OVA1

OVA2

En 2004 se emitió una serie de televisión de Mezzo Forte llamada Mezzo DSA. La serie se desarrolla después de los eventos del OVA. A diferencia del doblaje al inglés del OVA, que se grabó en Los Ángeles , el doblaje al inglés de Mezzo DSA se grabó en Houston .

Mezzo Forte (メゾフォルテ)
Género Chicas con armas
Animación de vídeo original Dirigido por Yasuomi Umetsu
Producido por Osamu Koshinaka / Taro Miyabe
Escrito por Yasuomi Umetsu
Música de Tooru Shura
Estudio ARMS
Con licencia de AUS : Madman Entertainment / N / A : Media Blasters (antes) SoftCel Pictures
Liberado el 25 de mayo de 2000 – 25 de junio de 2001 (edición OVA) / 23 de julio de 2004 (edición de película)
Tiempo de ejecución Edición OVA: 60 minutos (con escenas de sexo) / 50 minutos (sin escenas de sexo)
Edición de película: 70 minutos (sin escenas de sexo)
Episodios 2 (edición OVA) / 1 (edición de película)

Millennium Actress

by animerock | Feb 24, 2026 | Pelicula Anime

Chiyoko Fujiwara, reconocida ex actriz y estrella destacada de la productora cinematográfica Ginei, acepta una entrevista retrospectiva en medio de la demolición del obsoleto estudio de la compañía. Esta es su primera entrevista en treinta años tras su repentino retiro de la industria del entretenimiento. El documentalista Genya Tachibana, fan de Chiyoko, visita su casa con su camarógrafo Kyoji Ida. Genya le entrega a Chiyoko una pequeña caja que contiene una llave antigua. Ella comenta que la llave “abre lo más importante” y comienza a reflexionar sobre su vida.

Chiyoko nació durante el Gran terremoto de Kantō de 1923 , que le quitó la vida a su padre. Cuando era una colegiala, el gerente general de Ginei la recluta para aparecer en una película patrocinada por el gobierno para inspirar a las tropas que sirven en la Segunda Guerra Sino-Japonesa . Mientras su madre se opone, con la intención de que Chiyoko herede la tienda de dulces de la familia , Chiyoko permanece insegura. Conoce a un pintor disidente político perseguido por la policía y lo esconde en el almacén de su casa. Al día siguiente, se va a Manchuria para unirse a sus aliados, dejándole a Chiyoko la llave de su caja de materiales de arte. Chiyoko no logra atraparlo antes de que salga su tren, pero jura reunirse con él. Genya, entre lágrimas, reconoce esto como una escena de una de las películas de Chiyoko; a partir de este momento, los recuerdos y las películas de Chiyoko se entrelazan.

Recordando que la película de Ginei se ambienta en Manchuria, Chiyoko se convierte en actriz y viaja allí con la esperanza de reencontrarse con el artista. Conoce al sobrino del director general, el aspirante a director Junichi Ōtaki, y a la actriz principal de Ginei, Eiko Shimao. Durante el rodaje, Chiyoko es llevada al norte de Manchuria por una adivina sobornada por Eiko. Su tren es atacado por bandidos antes de que el escenario cambie a un castillo en llamas del período Sengoku ; Chiyoko, en el papel de princesa, es engañada por un viejo espectro para que beba un té maldito que la hará “arder para siempre en las llamas del amor eterno”. En la continua búsqueda de Chiyoko por el artista, el escenario y el papel de Chiyoko cambian rápidamente, pasando de una cortesana en un burdel a finales del período Edo a una colegiala en la era Taishō . La tienda de su familia es destruida en un ataque aéreo , pero en una pared sobreviviente encuentra un retrato de ella pintado por el artista y una promesa de su reencuentro.

Después de la Segunda Guerra Mundial , la carrera de Chiyoko prospera, pero nunca olvida a la artista. Un día, durante el rodaje, Eiko roba la llave en secreto. Cuando el equipo de rodaje le pregunta por el significado de la llave, Chiyoko se da cuenta, abatida, de que ya no puede recordar el rostro de la artista y se resigna a una vida de casada con Junichi. Finalmente encuentra la llave escondida en su casa y se enfrenta a Junichi al respecto; Junichi, al estar al tanto del papel de Eiko en el incidente de la adivina, la obligó a robar la llave en su nombre para asegurar la mano de Chiyoko en matrimonio. Eiko admite estar motivada por los celos hacia la juventud e inocencia de Chiyoko. Un hombre anciano y con cicatrices que había perseguido a la artista como policía militar se acerca a Chiyoko en un viaje de expiación y le entrega una carta de la artista. Chiyoko sube a un tren expreso a la ciudad natal de la artista en Hokkaido , pero la conclusión de su viaje resulta infructuosa.

Durante la producción de la última película de Chiyoko, un terremoto provoca el derrumbe del set. Una joven Genya, que por aquel entonces trabajaba como asistente, la rescata. Al ver al espectro en su casco de utilería, Chiyoko huye del set y se retira de la actuación. En el presente, Chiyoko, al volver a ver al espectro en su reflejo, reconoce que ya no es la chica que el artista conoció. Al final de la entrevista, otro terremoto azota el lugar, alterando la frágil salud de Chiyoko. De camino al hospital, Genya le confiesa a Kyoji que, tras la partida de Chiyoko a Hokkaido, el policía le confesó haberla torturado hasta la muerte. En su lecho de muerte, Chiyoko agradece a Genya por reavivar sus recuerdos del artista y revivir a la joven que era antes. Concluye que no importa si vuelve a ver al artista o no, porque lo que realmente amaba era buscarlo.

Millennium Actress es la segunda película dirigida por Satoshi Kon y su primer trabajo original, después de la aclamada Perfect Blue .  Fue planeada por Masao Maruyama y producida por Taro Maki.  La película está basada en parte en la vida de la actriz japonesa Setsuko Hara , aunque fue producida y estrenada más de una década antes de su muerte.

Tras el estreno de Perfect Blue , Kon consideró adaptar la novela Paprika (1993) de Yasutaka Tsutsui para su próxima película. Sin embargo, estos planes se estancaron cuando la distribuidora de Perfect Blue , Rex Entertainment, quebró.

El proyecto para Millennium Actress surgió de las palabras ” Hagamos una película que parezca un trampantojo ” de Taro Maki, quien decidió producir la película de Kon porque pensaba que su trabajo anterior era asombroso.  La escritura del guion comenzó con una frase que se le ocurrió a Kon: ” Se supone que una anciana que una vez fue promocionada como una gran actriz está contando la historia de su vida, pero sus recuerdos se confunden y los diversos roles que interpretó en el pasado comienzan a mezclarse en ella, creando una historia tumultuosa ” .  La estructura de la historia se decidió en la etapa de borrador de la trama cuando Kon desarrolló esta frase, y la última escena permaneció intacta en la película terminada.  Luego trabajó con el guionista, Sadayuki Murai, y el productor para desarrollar los episodios y la configuración detallada de los personajes que se incluirían en la trama.

A diferencia de la película anterior, que fue contratado para dirigir, este fue su proyecto original, por lo que pudo expresar sus propias opiniones y decidió poner más énfasis en el sonido, especialmente en la música, y le pidió a Susumu Hirasawa , quien había sido adorado durante mucho tiempo, que compusiera la música.  Había alrededor de 250 miembros del personal en total, y el período de producción fue de aproximadamente dos años. Los 20 o más miembros principales del personal eran casi los mismos que en el trabajo anterior, solo cambiando el director de animación .  En el trabajo anterior, el diseño de personajes fue realizado por Hisashi Eguchi y el director de animación por Hideki Hamasu, pero en este trabajo, ambos fueron realizados por Takeshi Honda .  La razón de esto es que el director de animación es una posición muy importante y pesada, y los animadores que tienen las habilidades y capacidades con las que a Kon le gustaría trabajar son generalmente los que prefieren dibujar fotogramas clave en lugar del director de animación, lo que dificulta pedirles que continúen su trabajo.  Para los diseños de los personajes, Honda fue elegido porque es alguien que dibuja imágenes elegantes que pueden atraer a aquellos fuera de la comunidad de animación y es genuinamente talentoso en la industria de la animación, con el fin de asegurarse de que la película llegara a audiencias tanto dentro como fuera del espectro del fandom de la animación.  Algunos de los diseños de los personajes fueron hechos por el propio Kon, y todos los carteles de Chiyoko en la película también fueron dibujados por Kon. 

Esta es la última película de Kon que utiliza animación por celdas , ya que sus obras posteriores se produjeron con tinta y pintura digital, entre otros métodos digitales. La mayoría de las escenas se dibujan según el diseño de Kon. 

El presupuesto inicial fue de 130 millones de yenes, y el presupuesto final fue de alrededor de 100 millones y algunas decenas de millones de yenes, uno de los costos de producción más bajos para una película de animación en Japón.

La película se estrenó en Norteamérica el 12 de septiembre de 2003, distribuida por la editorial de películas de arte y de entretenimiento de DreamWorks , Go Fish Pictures , con un total de seis pantallas. 

La empresa de distribución de anime teatral Eleven Arts adquirió los derechos en Norteamérica y relanzó la película en cines en su versión original en japonés el 13 de agosto de 2019, y en una nueva versión doblada al inglés el 19 de agosto de 2019. 

En términos comerciales, la película tuvo un desempeño modesto en su estreno en Estados Unidos, recaudando $18,732  en su fin de semana de estreno y $37,285 durante sus tres semanas de exhibición. La película se exhibió casi exclusivamente en Nueva York y Los Ángeles y recibió una campaña publicitaria mínima de Go Fish Pictures , una división de DreamWorks SKG . Si bien el estreno no fue a gran escala, el mérito del estreno en cines no solo residió en la recaudación de taquilla, sino también en el hecho de que los críticos vieron la película y publicaron reseñas y críticas en periódicos, revistas y sitios web, lo que dio a conocer la obra y llegó a un público más allá del fandom del anime. 

Millennium Actress comenzó con la solicitud de hacer una película con trampantojo como la anterior, Perfect Blue . Sin embargo, se trataba solo de una técnica cinematográfica, no de un tema cinematográfico. Ambas obras comparten la misma metodología de “difuminar la frontera entre ficción y realidad”, y ambas son como dos caras de la misma moneda para Kon.  La ​​película anterior se centró en el lado negativo de la naturaleza humana, mientras que esta se centra en el lado positivo.  La ​​película anterior mostró la difuminación gradual de la frontera entre ficción y realidad, mientras que esta conecta a la perfección ficción y realidad desde el principio, mostrando a los personajes moviéndose libremente entre ficción y realidad.  La técnica de mezclar ficción y realidad se utilizó para expresar el inquietante mundo interior del protagonista en la película anterior, y se utilizó en esta para crear una divertida aventura, transformando la película del terror psicológico y el suspenso en un entretenimiento complejo y humorístico. 

En la película anterior, intentó confundir a la audiencia al representar la agitación interna y el caos del personaje principal a través de la mezcla de ficción y realidad, pero en esta película, su intención no es confundir a la audiencia, sino dejar que la audiencia disfrute de la mezcla de ficción y realidad en sí. Su objetivo era crear una película una especie de Las aventuras de la anciana que sopla humo mezclando ficción y realidad hasta el punto en que no tiene sentido distinguir entre ellas.

Existen diversos tipos de trampantojos, pero un ejemplo que Kon ofreció al personal fue el ukiyoe de Utagawa Kuniyoshi : « A primera vista parece muy fiero, pero en realidad es una persona amable » (みかけハこハゐがとんだいゝ人だ). A primera vista, parece el rostro de una sola persona, pero al observarlo más de cerca, se aprecia que muchas personas están entrelazadas. Kon comparó esta característica de la pintura, «no rostros que se unen para formar uno», con el concepto de esta obra: «mentiras que se acumulan para revelar la verdad». La película tiene una estructura compleja en la que los miembros del personal que visitan a la legendaria actriz para una entrevista experimentan la historia de su vida en un mundo ficticio donde el pasado de la actriz y las películas en las que apareció se cruzan, lo que hace que la historia sea una mezcla de realidad y ficción, así como un homenaje a varias películas clásicas.  El personaje principal está inspirado en Setsuko Hara y Hideko Takamine , y las películas que aparecen en la película incluyen una pieza de época al estilo de Throne of Blood de Akira Kurosawa , una película de Yasujiro Ozu , una historia de chanbara (lucha con espadas) con Kurama Tengu , una historia de monstruos que toma prestadas imágenes de Godzilla y una historia de ciencia ficción . 

La historia sigue la historia personal de Chiyoko Fujiwara, una actriz mayor, y gradualmente se convierte en una mezcla de realidad, sueños y películas. Cada episodio repite una serie de escenas de “persecución, carrera y caída” en diferentes situaciones y momentos. Su vida, la suma de todo esto, también repite varios reveses y resurgimientos mientras continúa persiguiendo al Hombre con Llave, quien es casi una ilusión.  Esta obra es básicamente una repetición del mismo episodio, una historia cíclica como el Boléro en la música.  Kon dijo que esta idea de una estructura fractal le debe mucho a la música de Susumu Hirasawa.  La historia también refleja la hospitalización que Kon experimentó después de su debut como artista de manga, y la frustración y la lucha que sintió en ese momento: “Todo está arruinado, pero ¿aún puedo regresar?” Esta película es famosa por hacer que muchos espectadores se sientan traicionados por la última línea de Chiyoko. Kon afirmó que el proceso de crecimiento humano es una repetición de muerte y renacimiento, en el que los valores que hemos acumulado hasta ese momento se vuelven inaceptables en una nueva fase, e incluso si los reconstruimos una vez que se rompen, se vuelven inaceptables de nuevo en una nueva fase, e involucró al público en el fractal de la película al preguntarles si serían capaces de levantarse y continuar “persiguiendo, corriendo y cayendo” incluso después de “caer” al final de la película. 

Kon dijo: ” No hay una única solución; eso es lo que más deseo para mi trabajo. Quiero que la gente lo vea de muchas maneras diferentes ” . 

Millennium Actress fue recibida favorablemente por la crítica, obteniendo una calificación de “frescura” del 93% en Rotten Tomatoes .  El crítico de Los Angeles Times, Kenneth Turan, dijo de la película: “Como una reflexión sobre el lugar que las películas tienen en nuestro subconsciente personal y colectivo, Millennium Actress llega fascinantemente a donde las películas no han llegado antes”.  Kevin M. Williams, del Chicago Tribune, le dio 4 estrellas y expresó sus sentimientos sobre la película de esta manera: “Una obra de arte cinematográfico. Es animación japonesa moderna en su mejor momento […] Es animada, pero es humana y conmoverá el alma de cualquiera que haya amado profundamente”.  En febrero de 2004, Cinefantastique incluyó el anime como una de las “10 animaciones esenciales”, afirmando que “representa una nueva madurez para el anime, una donde los logros técnicos de 40 años finalmente se ponen al servicio de una historia emocionalmente rica”.

En 2025, fue una de las películas votadas para la edición “Elección de los lectores” de la lista de “Las 100 mejores películas del siglo XXI” del New York Times , quedando en el puesto número 306. 

Millennium Actress recibió el Gran Premio en el Festival de Artes Mediáticas de la Agencia Japonesa de Asuntos Culturales,  empatando con El viaje de Chihiro . Además, ganó los premios a Mejor Película de Animación y Fantasía Innovadora en el Festival de Cine Fantasía de 2001. Fue galardonada con el Premio al Largometraje en la 8.ª edición de Animation Kobe . La película se llevó a casa el prestigioso Premio Ofuji Noburo en los Premios de Cine Mainichi de 2002 y fue galardonada con el Premio Orient Express en el Festival de Cine de Sitges de 2001 en España. La película fue nominada a cuatro Premios Annie en 2004, incluyendo Dirección y Guion Destacados. También fue promocionada por su estudio como candidata al Premio de la Academia de 2003 a la Mejor Película de Animación , pero no fue nominada.