Hokuto no Ken (北斗の拳lit. Puño de la Estrella del Norte?), también conocido como Fist of the North Star, es un manga japonés escrito por Buronson e ilustrado por Tetsuo Hara. Es una historia pos apocalíptica de artes marciales. Una nueva adaptación televisiva de la serie de anime producida por TMS Entertainment se estrenará en abril de 2026.
Argumento
Después de la Tercera Guerra Mundial, el planeta se volvió un lugar desolado y hostil, poca gente ha sobrevivido a esta catástrofe y el agua se convirtió en el recurso más preciado en todo el mundo, así como la fuerza es la habilidad más necesaria, porque solo los más fuertes dominan el mundo. Esto cambiará cuando un hombre, el cual es conocido por algunos como «el salvador de finales del siglo», aparezca y ponga en práctica el Hokuto Shinken, el cual es un arte marcial con efectos devastadores en los adversarios. Con ello ayudará a sí mismo a comprender y cumplir su destino en este nuevo mundo, mientras ayuda a los indefensos supervivientes a conseguir una vida más digna y plena.
Producción
Tetsuo Hara era fanático del actor y artista marcial chino Bruce Lee, así como del manga de acción y del actor de cine de acción japonés Yūsaku Matsuda cuando era adolescente en la década de 1970. Como no tenía una grabadora de videocasete en ese momento, a menudo dibujaba versiones manga de Lee y Matsuda de memoria. Más tarde, a Hara se le ocurrió la idea de Fist of the North Star después de ser contactado por su editor Nobuhiko Horie, quien le preguntó: “Quieres escribir un manga sobre artes marciales chinas, ¿verdad?” Según Hara, Horie le sugirió que dibujara un manga sobre “un artista marcial que destruye a sus oponentes golpeando sus puntos de presión” basado en la aspiración de Hara de dibujar un manga sobre artes marciales y su conocimiento de los puntos de presión. En ese momento, Hara estaba teniendo problemas para ingresar al mercado, ya que su primera serie, The Iron Don Quijote (un manga sobre carreras de motocross), fue cancelada diez semanas después de su debut. Para el nuevo manga, Hara combinó la apariencia y los rasgos de carácter de Bruce Lee y Yūsaku Matsuda para crear al protagonista, Kenshiro. También se inspiró en las series Ultraman y Tiger Mask para crear interesantes diseños de enemigos.
Una versión prototipo de Fist of the North Star se publicó como una historia única en la edición de abril de 1983 de Fresh Jump, a la que siguió Fist of the North Star II, una segunda historia única publicada en la edición de junio de 1983. Ambas historias se recopilaron originalmente en el segundo volumen tankōbon de The Iron Don Quijote, la serie anterior de Hara (aunque las ediciones ampliadas de 1995 trasladan la primera parte del piloto Fist of the North Star al primer volumen, dejando el segundo volumen con solo el segundo piloto).
Los dos one-shots fueron bien recibidos en las encuestas de los lectores de Fresh Jump y se encargó a Tetsuo Hara que convirtiera Fist of the North Star en una serie semanal. Buronson fue asignado para trabajar con él como escritor de la versión serializada. La historia se renovó, con el escenario actual de la década de 1980 en la versión original reemplazada por un mundo futuro pos apocalíptico, y el protagonista Kenshiro, originalmente un adolescente incriminado por un crimen que no cometió en la historia prototipo de Hara, se convirtió en un mayor y héroe más estoico con un pasado trágico. Para el nuevo escenario, Hara se inspiró en la película postapocalíptica Mad Max 2 (1981), la película cyberpunk Blade Runner (1982), el manga cyberpunk japonés postapocalíptico Akira (1982) de Katsuhiro Otomo y las ilustraciones de los artistas Syd Mead y Frank Frazetta.
Buronson citó a Bruce Lee y Mad Max como sus dos mayores influencias en Fist of the North Star. Afirmó que Kenshiro y las artes marciales se inspiraron en el artista marcial Bruce Lee y sus películas de kung fu de acción de Hong Kong de la década de 1970, mientras que el escenario postapocalíptico se inspiró en la serie de películas Mad Max (debut en 1979). Fist of the North Star también fue influenciado por la serie de manga de Go Nagai, Violence Jack (debut en 1973), que de manera similar tenía un entorno desértico pos apocalíptico con bandas de motociclistas, violencia anárquica, edificios en ruinas, civiles inocentes, jefes tribales y pequeños pueblos abandonados; se ha argumentado que Mad Max también puede haber sido influenciado por Violencia Jack. Originalmente, se contrató a Hara y Buronson para hacer Fist of the North Star durante tres años, pero debido a su popularidad y la demanda de la editorial, se extendió a cinco años.
El Puño de la Estrella del Norte: la película
Dado el éxito de la serie de televisión, en 1986 fue estrenada una película de 110 minutos. La cual narra de una forma diferente el comienzo del manga, aproximadamente la mitad de la primera serie. Algunos detalles fueron omitidos o cambiados para darle una forma coherente como película.
北斗の拳 (Hokuto no Ken) Movie Creador Tetsuo Hara y Yoshiyuki Okamura Género Artes marciales, sobrenatural, fantasía, ciencia ficción Director Toyoo Ashida Estudio Toei Animation Licenciado por Manga Films Fecha de estreno 8 de marzo de 1986 Duración 110 minutos
La tumba de las luciérnagas (火垂るの墓Hotaru no Haka) es una película de animación japonesa producida por Studio Ghibli y dirigida por Isao Takahata. Fue la primera película dirigida por Takahata con Studio Ghibli y el tercer largometraje del estudio. Está basada en la novela homónima del autor Akiyuki Nosaka publicada en 1967, la cual, a su vez, se basa en las propias experiencias de Nosaka vividas durante la guerra.[2] La película está protagonizada por Tsutomu Tatsumi, Ayano Shiraishi, Yoshiko Shinohara y Akemi Yamaguchi. Centrada en la ciudad de Kōbe, Japón, narra la dura historia de dos hermanos, Seita y Setsuko, y de su lucha desesperada por sobrevivir durante los últimos meses de la Segunda Guerra Mundial.
Aclamada por la crítica, La tumba de las luciérnagas fue considerada por el renombrado crítico cinematográfico Roger Ebert como una de las mejores y más poderosas películas sobre la guerra, quien en 2000, la incluyó en su lista de las mejores películas de todos los tiempos. Además, es considerada junto a La lista de Schindler de Steven Spielberg y El pianista de Roman Polanski, como una de las mejores películas antibelicistas de la historia, a pesar de que esta interpretación ha sido negada por el director.
El filme ha recibido dos adaptaciones en acción en vivo, una en 2005 y otra en 2008. La versión de 2005 cuenta con los actores Hōshi Ishida como Seita, Mao Sasaki como Setsuko y Nanako Matsushima como Hisako, la tía de los niños. La segunda adaptación cuenta con Reo Yoshitake como Seita, Rina Hatakeyama como Setsuko y Keiko Matsuzaka como la tía.
Producción
Desarrollo
El autor Akiyuki Nosaka ha dicho que recibió muchas ofertas para crear una versión cinematográfica de La tumba de las luciérnagas.” Sin embargo, Nosaka argumentó que “era imposible crear la tierra estéril y quemada que iba a ser la escena de fondo de la historia”. También argumentó que los niños contemporáneos no serían capaces de interpretar de una manera convincente a los personajes protagonistas. Nosaka expresó su sorpresa cuando se le ofreció realizar una versión animada. Después de ver los guiones gráficos, Nosaka llegó a la conclusión de que no era posible que tal historia se hubiera hecho en cualquier método que no fuera animación, además, expresó su sorpresa ante la precisión con la que se describían los arrozales y el paisaje urbano.
Isao Takahata comentó que se vio obligado a realizar la película después de ver cómo el personaje principal, Seita, “era un personaje único de noveno grado en tiempos de guerra”. Takahata explicó que cualquier historia de guerra, ya sea animada o no animada, “tiende a ser lacrimógena”, y que los jóvenes desarrollan un “complejo de inferioridad” donde perciben a las personas en épocas de guerra como más nobles y más capaces de lo que son, por lo que la audiencia cree que la historia no tiene nada que ver con ellas. Takahata también argumentó que quería disipar esta mentalidad. Cuando Nosaka le preguntó si los personajes de la película estaban “divirtiéndose”, Takahata respondió que claramente Seita y Setsuko tenían sus días “sustanciales” y que estaban “disfrutando de sus días”. Para Takahata, Setsuko fue un personaje aún más difícil de animar que Seita, debido a que nunca antes había trabajado con una niña menor de cinco años. Takahata dijo que “cuando haces una película de un libro, Setsuko se convierte en una persona tangible”, y dijo que los niños de cuatro años a menudo se vuelven más asertivos, egocéntricos y tratan de seguir sus propios caminos.”
Música
La música de la película fue compuesta por Michio Mamiya. El tema musical, «Home Sweet Home», fue interpretado por la soprano de coloratura Amelita Galli-Curci. El diálogo de la película forma parte de la banda sonora, ya que la música y el diálogo no están separados de ninguna manera. Mamiya también es especialista en música barroca y clásica.
Durante una entrevista sobre su música, Mamiya declaró que crea su música para fomentar la paz Las canciones de La tumba de las luciérnagas, así como otras piezas de Michio Mamiya, como Serenade No. 3 «Germ», expresan este tema.
El álbum de banda sonora titulado Grave of the Fireflies Soundtrack Collection (火垂るの墓 サウンドトラック集Hotaru no Haka Saundotorakku Shū) fue publicado por primera vez el 5 de abril de 1997, por Studio Ghilbi Records y Tokuma Japan Communications y posteriormente publicada el 25 de junio de 1988, por Animage. La banda sonora no contiene música independiente y, en su lugar, presenta tanto diálogos como música tal y como aparecen en la película.
Otro álbum de banda sonora titulado Grave of the Fireflies Image Album Collection (火垂るの墓 イメージ・アルバム集Hotaru no Haka Imeji Arubamu Shū) fue publicado por primera vez el 5 de abril de 1997, por Studio Ghilbi Records y Tokuma Japan Communications, y posteriormente publicado el 25 de noviembre de 1987, por Animage.
Temas y análisis
En su libro sobre la película, Alex Dudok de Wit calificó a “La tumba de las luciérnagas” como una “adaptación inusualmente personal” del cuento de Nosaka, ya que Takahata tuvo experiencias similares durante la guerra, aunque señaló que se desviaba significativamente en su representación de los niños como fantasmas en su secuencia de apertura, mientras que el cuento comenzaba inmediatamente con los niños perdiendo a su madre durante el ataque aéreo.
Algunos críticos en Occidente han visto a “La tumba de las luciérnagas” como una película antibélica debido a la representación gráfica y emocional de las perniciosas repercusiones de la guerra en una sociedad y los individuos que la componen. La película centra su atención casi por completo en las tragedias personales que genera la guerra, en lugar de intentar glorificarla como una lucha heroica entre naciones rivales. Destaca que la guerra es el fracaso de la sociedad a la hora de cumplir con su deber más importante: proteger a su propio pueblo.
Sin embargo, Takahata negó repetidamente que la película fuera una película contra la guerra. En sus propias palabras, “no es en absoluto un anime antibélico y no contiene absolutamente ningún mensaje de ese tipo”. En cambio, Takahata tenía la intención de transmitir una imagen del hermano y la hermana viviendo una vida fallida debido al aislamiento de la sociedad e invocar simpatía, especialmente en personas adolescentes y veinteañeras. Takahata también describe al Japón de aquella época como “represivo”, una época en la que En la vida social se aprobaba el “totalitarismo en su nivel más bajo”. Takahata dijo que “Seita desafía ese totalitarismo e intenta construir una familia pura con Setsuko solo. ¿Es posible algo así? No, no es posible, así que deja morir a Setsuko. […] Pero, ¿podemos criticarlo? La razón por la que nosotros, la gente moderna, podemos simpatizar fácilmente con Seita emocionalmente es porque los tiempos se han invertido. Si los tiempos se invierten de nuevo algún día, puede llegar el momento en que mucha gente tenga más opiniones para denunciar a Seita que a esa viuda. Me parece aterrador”.
Dado que la película da poco contexto a la guerra, Takahata temía que un político pudiera afirmar con la misma facilidad que es necesario luchar para evitar tales tragedias. En general, era escéptico de que las representaciones del sufrimiento en obras similares, como Barefoot Gen, en realidad eviten la agresión. El director era, sin embargo, un defensor de la lucha contra la guerra, un firme partidario del Artículo 9 de la Constitución Japonesa, y ha criticado abiertamente la inclinación de Japón por el conformismo, permitiéndole unirse contra otras naciones. Expresó desesperación y ansiedad cada vez que se les dice a los jóvenes que se alineen, un recordatorio de que el país en su esencia no ha cambiado.
A pesar de la reacción emocional del público, Takahata expresó que el propósito de la película no era ser una tragedia o hacer llorar a la gente. Además, se arrepintió de representar a Seita como un niño de esa época porque quería que pareciera un niño contemporáneo que actuaba como si hubiera viajado en el tiempo a esa época. No pretendía que fuera retrospectivo o nostálgico. Quería que el público japonés reconociera los intentos equivocados de Seita de retirarse de la sociedad y la familia. Además, dice que su decisión de mostrar al público que Seita y Setsuko han muerto al principio de la película es para proteger al público de la angustia: “Si un público sabe al principio de la película que los dos finalmente morirán, están más preparados para ver la película. Intento aliviar el dolor de la audiencia revelándole todo desde el principio”.
Las luciérnagas de la película se representan como símbolos de diversos temas, como los espíritus de los niños perdidos, los incendios que quemaron las ciudades, los soldados japoneses, la maquinaria de guerra y la regeneración de la vida a través de la naturaleza. Okypo Moon afirma en su ensayo “Marketing Nature in Rural Japan”, que cientos de luciérnagas fueron capturadas cada noche en las décadas de 1920 y 1930. En las décadas de 1960 y 1970, hubo un cambio para restablecer esta tradición y “ahora hay ochenta y cinco aldeas de luciérnagas (hotaru no sato) registradas en el Ministerio de Medio Ambiente de Japón”. La película utiliza luciérnagas para representar visualmente imágenes tanto mortales como hermosas, como bombas incendiarias y kamikazes. Takahata elige utilizar el kanji “fuego” en lugar del carácter normal para la palabra luciérnaga en el título, que se ha interpretado para representar la quema generalizada de casas de madera en Japón. El crítico Dennis H. Fukushima Jr. cree que esta modificación del título tiene como objetivo enfatizar los paralelismos entre la belleza y la devastación, y cita la relación entre las luciérnagas, las bombas incendiarias M-69, los buques de guerra, las luces de la ciudad y los espíritus humanos.
En el libro Imag(in)ing the war in Japan representation and responding to trauma in postwar literature and film, David Stahl y Mark Williams elogian la película por no enfatizar el victimismo japonés para evitar la responsabilidad por las atrocidades de la guerra en la que desempeñaron un papel. Interpretan que el personaje de Seita encarna el trabajo para sanar el trauma histórico y la victimización, porque es su orgullo nacionalista y su egoísmo lo que en última instancia contribuyó a la muerte de su hermana.
Distribución y acogida mundial
En su estreno en los cines, La tumba de las luciérnagas estuvo acompañada por Mi vecino Totoro de Hayao Miyazaki en un estreno doble. Tanto Isao Takahata como Miyazaki, ambos fundadores del Studio Ghibli querían mostrar “la cara y cruz de la temática que ambas trataban”. Mientras que Mi vecino Totoro iba dirigido a un público infantil, La tumba de las luciérnagas iba enfocada a un público adulto. Sin embargo, la aceptación fue desigual. Mi vecino Totoro tuvo un enorme éxito que se vio impulsado por su estrategia de marketing, pero La tumba de las luciérnagas no gozó de la misma acogida debido a su carácter adulto y realista sobre la Segunda Guerra Mundial en Japón.
Incluso así, La tumba de las luciérnagas gozó del respaldo de la crítica tanto a nivel nacional como internacional es considerada una película de culto. El prestigioso crítico de cine, Roger Ebert comentó: “La tumba de las luciérnagas” es una de las películas más impactantes con mensaje antiguerra que haya visto. Al igual que el historiador de animación Ernest Rister que comparó La tumba de las luciérnagas con La lista de Schindler de Steven Spielberg diciendo: “Es la película más profundamente humana que haya visto en mi vida“. Tuvo una mención especial en los premios Blue Ribbon en 1989 y obtuvo los premios de Mejor película y de Premios por los Derechos de los Niños en el festival internacional de cine de Chicago dedicado a los derechos de los niños en 1994, unos meses antes de su estreno en Estados Unidos. Al igual, en el año 2010, su director, Isao Takahata fue premiado por su carrera en el Festival de Cine de Animación de Locarno en Suiza gracias a esta película que fue presentada junto a Pompoko y Recuerdos del ayer, ambas de Takahata con el Studio Ghibli.
La película tardó un lustro en ver la luz en Occidente. Fue presentada en el festival de cine de Chicago en 1994 y estrenada en cines en octubre de 1994. Si bien, no fue editada en formato doméstico hasta el año 2003 gracias a Central Park Media que ejerció de distribuidora. A diferencia del resto del catálogo de Studio Ghibli, los derechos de distribución de La tumba de las luciérnagas no pertenecen a Disney, siendo la única película de Ghibli que no es distribuida por Walt Disney Company ni en la que tampoco es uno de los productores financieros. Esto es porque La tumba de las luciérnagas no fue producida por Tokuma Shoten (antigua productora de Ghibli que fue sustituida por Disney a partir de La princesa Mononoke) sino por Shinchosha ya que Tokuma Shoten fue la productora de Mi vecino Totoro y no podía producir los dos estrenos debido al coste. Los extras de la película en su distribución en DVD contienen una retrospectiva de Akiyuki Nosaka, escritor de la novela homónima original, entrevista con Nosaka, Isao Takahata y Roger Ebert. En Iberoamérica, la distribuidora mexicana ZIMA, que ha distribuido gran parte del catálogo del Studio Ghibli sacó en enero de 2012, en formato DVD, La tumba de las luciérnagas y anunció que irá sacando el catálogo de Studio Ghibli en formato Blu-ray.
En el resto del mundo la película fue estrenada en la primera década del siglo XXI a excepción de Francia que estrenó la película en junio de 1996. La película gozó de un éxito tanto de la audiencia como de la crítica que consiguió facilitar el estreno de las próximas películas del Studio Ghibli en el país galo. Suiza y Alemania estrenaron la película directamente a DVD en el 2000 dobladas al alemán, la película en Suiza tuvo dos ediciones distintas siendo la edición francófona editada primero (fue editada tanto con doblaje alemán como con doblaje francés). La República Checa la estrenó directamente en DVD en el 2002. En España, aprovechando el éxito en cines de El viaje de Chihiro fue lanzada en DVD en el año 2003 junto al lanzamiento de El viaje de Chihiro en DVD, ambas películas fueron distribuidas por Jonu Media sin embargo los derechos de distribución tanto de El viaje de Chihiro como de La tumba de las luciérnagas quedaron en el aire debido a la no renovación de derechos por parte de Jonu Media aunque, desde diciembre de 2012, Selecta Visión (distribuidoras de películas como Una carta para Momo, Millennium Actress o Akira) es la encargada de distribuir esta última. En Finlandia y Portugal la película fue estrenada en 2009.
Lanzamiento
Cine
La película se estrenó el 16 de abril de 1988, más de 20 años después de la publicación del cuento.
El estreno inicial en los cines japoneses estuvo acompañado por la película desenfadada de Hayao Miyazaki Mi vecino Totoro como película doble. Aunque las dos películas estaban dirigidas a los niños y a sus padres, el carácter trágico de La tumba de las luciérnagas desanimó a muchos espectadores. Sin embargo, los productos de Totoro, en particular los peluches de Totoro y Catbus, se vendieron muy bien después de la película y generaron beneficios para la empresa, hasta el punto de estabilizar las siguientes producciones de Studio Ghibli.
La tumba de las luciérnagas es el único largometraje teatral de Studio Ghibli anterior a La colina de las amapolas para el que Disney nunca tuvo derechos de distribución en Norteamérica, ya que no fue producido por Ghibli para la empresa matriz Tokuma Shoten, sino para Shinchosha, el editor de la historia corta original (aunque Disney tiene los derechos de distribución de vídeo doméstico japonés por sí misma, sustituyendo así al distribuidor de vídeo doméstico japonés original de la película, Bandai Visual). Fue una de las últimas películas de Studio Ghibli estrenadas en inglés por GKIDS.
Medios domésticos y streaming
La tumba de las luciérnagas fue editada en Japón en VHS por Buena Vista Home Entertainment bajo la colección Ghibli ga Ippai el 7 de agosto de 1998. El 29 de julio de 2005, se distribuyó una versión en DVD a través de Warner Home Video. Walt Disney Studios Japan publicó la edición completa para coleccionistas en DVD el 6 de agosto de 2008. WDSJ lanzó la película en Blu-ray dos veces el 18 de julio de 2012: una como lanzamiento único, y otra en un set de dos películas con Mi vecino Totoro (aunque Disney nunca ha poseído los derechos norteamericanos, sólo los japoneses).
Fue lanzada en VHS en Norteamérica por Central Park Media en forma subtitulada el 2 de junio de 1993. Más tarde, lanzaron la película doblada al inglés en VHS el 1 de septiembre de 1998 (el día en que Disney estrenó Kiki’s Delivery Service) y un DVD para todas las regiones (que también incluía el original japonés con subtítulos en inglés) el 7 de octubre de 1998. El 8 de octubre de 2002, se editó un DVD con dos discos, que incluía de nuevo el doblaje en inglés y el original japonés con subtítulos en inglés, así como los guiones gráficos de la película. El segundo disco contenía una retrospectiva sobre el autor del libro original, una entrevista con el director y una entrevista con el crítico Roger Ebert, que consideraba que la película era una de las mejores de todos los tiempos. Central Park Media la editó por última vez el 7 de diciembre de 2004. Tras la quiebra y liquidación de Central Park Media en mayo de 2009, ADV Films adquirió los derechos y la reeditó en DVD el 7 de julio de 2009. Tras el cierre y cambio de marca de ADV el 1 de septiembre de 2009, su sucesora, Sentai Filmworks, rescató la película y lanzó un DVD remasterizado el 6 de marzo de 2012, y planeaba lanzar la película en puntos de venta digitales. El 20 de noviembre de 2012 salió a la venta una edición Blu-ray con un nuevo doblaje al inglés producido por Seraphim Digital.
StudioCanal lanzó un Blu-ray en el Reino Unido el 1 de julio de 2013, seguido de Kiki’s Delivery Service en el mismo formato. Fue la décima película en lengua extranjera más vendida en el Reino Unido en vídeo doméstico en 2019 (por debajo de otras siete películas japonesas, incluidas seis películas de anime de Hayao Miyazaki). Madman Entertainment estrenó la película en Australia y Nueva Zelanda.
El 16 de septiembre de 2024, la película comenzó a emitirse en exclusiva en Netflix en más de 190 países, excluyendo Japón, como parte de los esfuerzos en curso para ampliar la extensa línea de la plataforma de los mejores animes de Japón.
Recepción
La película tuvo un éxito modesto en la taquilla japonesa, donde recaudó 1.700 millones de yenes. Como parte del Studio Ghibli Fest 2018, la película tuvo un estreno limitado en cines en Estados Unidos, recaudando 516.962 dólares.
El lanzamiento en vídeo doméstico Ghibli ga Ippai Collection de La tumba de las luciérnagas vendió 400 000 copias en Japón. A un precio de al menos 4,935 de yenes, esto equivale al menos a 1.974 mil millones de yenes en ingresos por ventas.
La película recibió elogios universales de la crítica. El sitio web agregador de críticas de películas Rotten Tomatoes informó de un 100% de aprobación basado en 46 críticas con una calificación media de 9,30/10. El consenso crítico del sitio web dice: «Una película antibelicista dolorosamente triste, La tumba de las luciérnagas es una de las obras más profundamente bellas e inquietantes de Studio Ghibli.« Metacritic asignó a la película una puntuación de 94 sobre 100 basada en 16 críticas, lo que indica una «aclamación universal».
Roger Ebert del Chicago Sun-Times la consideró una de las mejores y más impactantes películas bélicas y, en 2000, la incluyó en su lista de grandes películas.
El cineasta Akira Kurosawa elogió la película y la consideró su producción favorita de Ghibli. Escribió una carta de alabanza a Hayao Miyazaki, creyendo erróneamente que había dirigido La tumba de las luciérnagas. El propio Miyazaki elogió la película como obra maestra de Takahata, pero criticó a Seita por no comportarse como él cree que debe comportarse el hijo de un teniente de la marina.
La película ocupó el puesto número 12 en la lista de las 50 mejores películas de animación de Total Film. También ocupó el puesto número 10 en la lista de Time Out «Las 50 mejores películas de la Segunda Guerra Mundial». La revista Empire clasificó la película en el número 6 de su lista de «Las 10 mejores películas deprimentes». La película ocupó el puesto número 19 en la revista Wizard’s Anime en su «Top 50 de animes estrenados en Norteamérica». The Daily Star, situando la película en el 4º puesto de su lista de mejores adaptaciones de cuentos, escribió que «Hay mucho y poco que decir sobre la película. Es simplemente una experiencia: un viaje a través de los solitarios barrios de la humanidad que el mundo colectivamente miró, y sigue mirando, hacia otro lado». Theron Martin de Anime News Network dijo que, en términos del doblaje original de U.S. Manga Corps, mientras que las otras voces eran «perfectamente aceptables», «Setsuko no suena del todo convincente como una niña de cuatro años en inglés. Desgraciadamente, eso es muy negativo, ya que buena parte del patetismo que transmite la película depende, al menos en parte, de esa interpretación».
El 25 de diciembre de 2016, Toei Company hizo una publicación en X que decía “¿Por qué Kiriya tuvo que morir tan pronto? « (なんできりやすぐ死んでしまうんNande Kiriya sugu shinde shimaun) con el fin de promocionar un episodio de Kamen Rider Ex-Aid. El hashtag se hizo popular, pero Toei borró el tuit tras recibir quejas de que hacer referencia a la línea de La tumba de las luciérnagas «¿Por qué las luciérnagas mueren tan pronto?» (なんで蛍すぐ死んでしまうんNande hotaru sugu shinde shimaun) era de mal gusto. Antes de eso, los lectores de la web de rankings Goo votaron el final de la película como el número 1 más miserable de todas las películas de anime.
En junio de 2018, USA Today la situó en el puesto 1 de las 100 mejores películas de animación de todos los tiempos.
El director y crítico de cine Haruo Mizuno reseñó La tumba de las luciérnagas en su popular serie de televisión. Elogió la película por la imagen honorífica de los soldados de Japón a través de la representación de las luciérnagas, y la conmovedora descripción de una experiencia desgarradora que habían vivido muchos japoneses.
Tras ver las reacciones del público después de una proyección de la película en el Festival Pour éveiller les regards, Jean-Jacques Varret, responsable de Les Films du Paradoxe, supo que tenía que distribuirla en Francia. Se estrenó en dos salas de arte y ensayo parisinas y la reacción fue modesta. Sin embargo, tras el estreno, Les Films du Paradoxe optaron por lanzar la película en cintas de vídeo y en el servicio de streaming Canal+.
Reacción del público
Tras el estreno internacional, se ha observado que distintos públicos han interpretado la película de forma diferente debido a las diferencias culturales. Por ejemplo, cuando la película fue vista por un público japonés, la decisión de Seita de no volver con su tía fue vista como una decisión comprensible, porque se entendía que Seita había sido educado para valorar el orgullo por sí mismo y por su país. Por el contrario, el público estadounidense y australiano eran más propensos a percibir la decisión como imprudente.
Adaptaciones cinematográficas en imagen real
La película animada tuvo dos adaptaciones cinematográficas japonesas rodadas en imagen real, con el mismo título. La primera fue producida por la NTV para la televisión japonesa en 2005, en conmemoración del 60.º aniversario del final de la Segunda Guerra Mundial. Tiene 148 minutos de duración, y fue dirigida por Tôya Satô.
La otra adaptación en imagen real fue la película estrenada en 2008 y dirigida por Taro Hyugaji.
Título La tumba de las luciérnagas
Ficha técnica Dirección Isao Takahata Producción Toru Hara Guion Isao Takahata / Akiyuki Nosaka Basada en La tumba de las luciérnagas de Akiyuki Nosaka Música Michio Mamiya Fotografía Nobuo Koyama Montaje Takeshi Seyama Actores de voz Tsutomu Tatsumi / Ayano Shiraishi / Yoshiko Shinohara / Akemi Yamaguchi Datos y cifras País Japón Año 1988 Género Anime / Drama / Histórico / Bélico Duración 89 minutos Clasificación No recomendada para menores de 12 años Idioma Japonés Productora Studio Ghibli / Shinchōsha Distribución Tōhō Recaudación 1 700 000 000 yenes, 516 962 dólares estadounidenses y 14 224 827 dólares estadounidenses
Dragon’s Heaven es un OVA (Animación Original en Vídeo) de anime japonés de 1988, dirigida por el artista y diseñador mecánico Makoto Kobayashi. Conocida por su estilo mecha ochentero, crudo y distintivo, y su arte inspirado en Moebius, es una historia corta (de aproximadamente 40 minutos) de ciencia ficción que combina temas postapocalípticos con combates de robots, protagonizada por una armadura de combate con conciencia propia llamada Shaian y su compañero humano.
Detalles clave de Dragon’s Heaven (1988):
Producción: La OVA se basó en un manga del mismo nombre de Kobayashi y fue producida por AIC (Anime International Company).
Estilo: Conocido por combinar una secuencia inicial con actores reales y modelos con animación tradicional dibujada a mano.
Argumento: La historia sigue a Shaian, un mecha con conciencia propia, que despierta en un páramo futurista para librar una batalla final contra su némesis, Elmedain, con la ayuda de un joven carroñero llamado Ikuru.
Aspecto visual: Es muy valorada por sus detallados diseños de robots más que por la complejidad de su trama, y a menudo presenta una intensa animación mecánica al estilo de los años 80.
Curiosidad: Aunque a menudo se compara con la obra del artista francés Moebius (Jean Giraud) debido a su estética, no hubo ninguna colaboración oficial entre ellos, según una discusión en Reddit sobre el anime .
Un OVA de un solo episodio realizado en 1988. Dado que se realizó durante el apogeo de los OVAs en ese momento, se caracteriza por su considerable grado de perfección.
Fue creado a partir del plan original del ilustrador Makoto Kobayashi , y su hermano menor, Osamu Kobayashi (1964), también participó en el diseño mecánico. El diseño de personajes fue de Toshiki Hirano . Shinya Ohira y Atsushi Yano participaron como animadores mecánicos. Es una obra que ha recibido considerables elogios de los entusiastas del modelismo. Es una obra de ciencia ficción que representa la interacción entre Shaian, un robot gigante con IA, e Ikur, la protagonista femenina. La escena de la ducha de Ikur es la mejor y más famosa. La oponente de este Kurga, Shaian, es un robot, así que camina con el cuerpo desnudo y se ducha sin ningún problema, pero Shaian se avergüenza bastante y dice: “Ojalá me hubiera puesto algo…”, ofreciendo una representación natural de una relación padre-hija. Es una característica.
Otra característica es su estilo pictórico, que parece haber sido muy influenciado por Jean-Henri Gaston Giraud, un ilustrador y caricaturista francés.
Resumen
En el año 2984 d. C., antes de la migración al espacio, la guerra entre la humanidad y la robótica mecánica, multiplicada por la Tierra, culminó con la construcción del arma definitiva de la Vida Máquina, intensificando la lucha. Posteriormente, el robot autónomo Shaianan, que luego fue lanzado a la Tierra, logró destruir a Illenu, pero perdió a su compañero Kitmatsumoto, quien fue creado por la vida mecánica Elmadane, y cayó dormido en la Tierra, abandonando la posibilidad de escapar.
Tras esto, la joven Ikur, quien había pasado mil años con los Shaianos, despertó, y los Shaianos se enteraron de la situación mientras dormía: Celtria y el Brasil Imperial estaban en guerra. Al saber esto, descubrieron que el comandante del ejército del Brasil Imperial era su rival Elmeda. Así, Shaian e Ikur se unieron a las unidades mercenarias de Celtria, y Elmeda, al enterarse de la resurrección de Shaian, despertó a la vida mecánica y se preparó para la guerra.
La secuencia de apertura muestra el duelo entre Shaian y Elmedine, y, de forma bastante singular, se produjo utilizando imágenes de acción real. El modelo de Shaian en la apertura es un animatrónico quese mueve de verdad , y aunque la secuencia dura solo unos 6 minutos, es bastante intensa, y también se puede ver el proceso de creación de esta secuencia al final de la animación.
Como se trata de una obra de anime del ilustrador, diseñador gráfico, dibujante y modelista Makoto Kobayashi, el modelo utilizado en la apertura también fue diseñado por el propio Kobayashi. Kobayashi era un maestro del kitbashing y la prensa de vacío, y todos los mecanismos que aparecen en esta obra fueron modelados por él. Si se consultan las revistas Hobby Japan de la época, había muchos artículos especiales de Kobayashi, y Dragon’s Heaven fue un proyecto particularmente popular.
Es una obra que permite apreciar una gran cantidad de mecanismos masivos, una patente para la ciudad de Kobaya, y es una de las pocas obras que conservan el estilo de pintura original de Kobayashi sin modificar el llamado “Lipain”, como en el caso del ZZ Gundam . Otra obra del diseño original de Kobayashi es la versión OVA de Giant Robo .
Curiosamente, aparece en esta obra una aeronave bastante similar al enemigo gas-driver guerrero Z Gundam , que parece haber sido utilizada a partir de la propuesta original del veneno vinculado.
Juego
Un juego desarrollado a mediados de los años 90 para Neo Geo, pero cuyo desarrollo se interrumpió.
Esquema
Inmediatamente después del colapso de Technos Japan , algunos de los productores de Technos se unieron a Face (una empresa de producción de videojuegos). Un juego de lucha 2D inacabado para Neo Geo que fue descontinuado en 1997. Se dio a conocer al mundo cuando NeoTurfMasta adquirió la placa que circulaba en Yahoo Japan Auctions.
Quizás se descartó la versión inacabada, la pantalla principal del juego está en modo de prueba y depuración de la placa, y el diseño es prácticamente idéntico al modo de depuración de Superhuman Gakuin Gokaiser , creado por el mismo autor. #
Sobre el personaje
Dado que se trata de una versión en desarrollo, no hay un nombre de personaje confirmado y parece estar clasificado temporalmente según su tendencia. En los juegos de rol de mesa, se suele clasificar como orden, neutral o caos. Además, algunos personajes solo están en fase de desarrollo preliminar, sin detalles completos.
El nombre original del juego era Dark Seed, pero se cambió a Dragons Heaven, quizás conscientes de la coincidencia con el juego de aventuras norteamericano del mismo nombre .
El juego fue planeado y producido por Kengo Asai , quien participó en la producción de Swordsman of the Moon Fire y Gokaiser , Superhuman Gakuen.
Se dice que el desarrollo del juego se detuvo debido a problemas financieros.
Las mil y una noches ( en japonés :千夜一夜物語, Hepburn : Senya Ichiya Monogatari ) es una película de animación japonesa para adultosde 1969 dirigida por Eiichi Yamamoto , concebida por Osamu Tezuka . La película es la primera parte de la trilogía Animerama , orientada a adultos, de Mushi Production , y fue seguida por Cleopatra (1970) y Belladonna of Sadness (1973).
La película fue un éxito en Japón con una recaudación de taquilla de 290 millones de yenes , pero fue ignorada en gran medida fuera del mercado nacional, recibiendo un estreno limitado en los EE. UU. El doblaje al inglés de la película se consideró perdido hasta que el distribuidor de anime Discotek Media lo descubrió y restauró, lanzándolo en Blu-ray junto con la versión original japonesa el 24 de noviembre de 2020. La versión doblada al inglés se redujo a 100 minutos y se grabó en Italia. La película es anterior al estreno más exitoso de Fritz the Cat , la primera película animada estadounidense con clasificación X, por tres años.
Producción
La serie Animerama de largometrajes de animación para adultosfue concebida por Osamu Tezuka como un intento de asegurar que la animación pudiera ser aceptada mundialmente por todos los grupos de edad e intereses. Esto fue una respuesta a la preocupación por la reputación de la animación como algo exclusivo para niños. Además de sus temas eróticos, presentaban una mezcla de animación tradicional típica con secuencias de usos experimentales del diseño moderno, animación limitada y pinturas fijas con influencia del estilo UPA y las obras de Yōji Kuri . Elementos dentro de Las mil y una noches , como el modelado del personaje principal a partir del actor francés Jean-Paul Belmondo y la inclusión de música rock en la banda sonora subrayaron el objetivo de atraer a un mercado mundial.
El equipo detrás de Las mil y una noches , estaba compuesto por muchos miembros destacados de Mushi Production, como Eichi Yamamoto como director, Osamu Dezaki como director artístico y Takashi Yanase como diseñador de personajes. La banda sonora principal de la película fue compuesta por la banda de rock The Helpful Soul y también incluyó música compuesta por Isao Tomita con una orquesta dirigida por Seiji Yokoyama . Se informó que se contrató a un total de 60 000 personas para la producción y se utilizaron 70 000 películas para producir la película. Tezuka también invitó a varios autores japoneses prominentes, como los escritores de ciencia ficción Sakyo Komatsu y Yasutaka Tsutsui , a prestar sus voces a personajes secundarios en la película.
La historia fue desarrollada por Osamu Tezuka, con la colaboración acreditada de Kazuo Fukasaka y Hiroyuki Kumai, basada libremente en Las mil y una noches , la versión traducida al inglés de Las mil y una noches de Richard Francis Burton .
Las mil y una noches fue un éxito de crítica en Japón, con una buena recaudación en taquilla de 290 millones de yenes. Sin embargo, fuera del país, la película fue prácticamente ignorada; el doblaje al inglés en Estados Unidos fue tan limitado que no obtuvo clasificación y la recepción del público fue generalmente negativa en el momento de su estreno, según Cartoon Research .
Ethan Halker, de ZekeFilm, criticó la película señalando problemas como su fracaso a la hora de lograr un “erotismo sumamente sensual”, una narrativa a veces algo inconexa y divagante, estereotipos y sexismo problemáticos, y una miríada de errores técnicos. Al mismo tiempo, elogió la experimentación creativa de la película con sus diversos intentos exitosos de estilización y la convincente animación y banda sonora, calificando a Las mil y una noches como “una película audaz, experimental, maravillosa, desordenada y frustrante”.
Dos problemas comúnmente abordados con la película se refieren a su representación de las mujeres y Oriente Medio . Halker señala cómo las mujeres de Las mil y una noches son representadas en gran medida como “muñecas indefensas, víctimas amargas o literalmente serpientes y devoradoras de hombres” y destaca cómo se las define principalmente por sus relaciones con los hombres. Cartoon Research y el sitio web oficial de Tezuka Osamu citan escenas del personaje principal comiendo cerdo y bebiendo vino a pesar de ser musulmán como problemáticas y perjudiciales para el atractivo de la película para el público musulmán.
Nombre japonés
Kanji 千夜一夜物語 Dirigido por Yamamoto Eiichi Guion de Osamu Tezuka / Kazuo Fukasawa / Hiroyuki Kumai Nombre Las mil y una noches Producido por Osamu Tezuka / Atsushi Tomioka Protagonizada por Yukio Aoshima / Kyoko Kishida / Hiroshi Akutagawa Cinematografía akira tsuchiya Editado por Masashi Furukawa Música de Isao Tomita Compañía productora Producción Mushi Distribuido por Películas del Nippon Herald Fecha de lanzamiento 14 de junio de 1969 Tiempo de ejecución 128 minutos País Japón Idioma japonés Taquillas 290 millones de yenes
Kono Sekai no Katasumi ni (この世界の片隅にlit. En este rincón del mundo) es una película animada producida por el estudio MAPPA de Masao Maruyama. Cuenta la historia de Suzu Urano, quien se muda para casarse y vivir con su nueva familia en la ciudad de Kure, ubicada en la costa de la prefectura de Hiroshima, donde ella sobrevive a las adversidades de la Segunda Guerra Mundial, siempre tratando de ver el lado hermoso de la vida.[1] La película se estrenó el 12 de noviembre de 2016 en cines japoneses y el 10 de marzo en cines mexicanos, también en países como Alemania, Francia y España. Existe una versión extendida llamada Kono Sekai no (Sara ni Ikutsumono) Katasumi ni (この世界の（さらにいくつもの）片隅にlit. En este ( y otros más) rincones del mundo?) y fue estrenada el 20 de diciembre de 2019 en los cines de Japón.
Argumento
Suzu Urano es una joven japonesa inocente y buena para dibujar, nacida en la ciudad de Hiroshima. Más tarde, durante la Segunda Guerra Mundial, se muda a la ciudad de Kure, Japón. En 1944, a la edad de 17 años, Suzu estaba trabajando un pequeño negocio familiar de cultivo de algas comestibles con sus padres y su hermana Sumi, cuando se traslada de la ciudad de Hiroshima a la ciudad de Kure en la prefectura de Hiroshima, para casarse con Shūsaku Houjou, un joven empleado que trabaja en la base naval local.
Kure es una ciudad portuaria a una hora de distancia de la ciudad de Hiroshima en tren. Kure tiene también la mayor base naval japonesa. Cuando Suzu se va a vivir con la familia de su marido en Kure, es amada por los padres de su marido y sus nuevas vidas están llenas de momentos felices. Sin embargo, la guerra trae escasez de alimentos y amenaza de las incursiones aéreas estadounidenses. El gobierno japonés dejó que los japoneses hicieran frente a la escasez de alimentos y a las incursiones aéreas. Suzu se convierte en una parte esencial en la gestión del hogar, ya que prepara los alimentos de manera creativa durante las difíciles condiciones y la escasez de alimentos causada por la guerra. Suzu se une al grupo comunitario y participa en la distribución de alimentos. Ella hace que los pantalones de las mujeres sean aptos para la evacuación de emergencia, cortando la ropa tradicional en piezas. Suzu prepara un pequeño refugio antiaéreo para el hogar con su familia.
La casa de la familia en Kure, situada en una colina, está rodeada por el campo. Suzu y su sobrina, Harumi, disfrutaban viendo la flota naval en el mar. En el puerto de Kure, hay muchos buques de guerra, incluidos los barcos de guerra más grandes, Yamato y Musashi. A Suzu le encantaban las flores y dibujar paisajes. Cuando Suzu se divierte dibujando buques de guerra flotantes, la policía militar la captura porque su sospecha es de ser una espía. Un día Suzu tiene la oportunidad de ver a su viejo amigo, Tetsu, pero él es ahora un soldado de la marina.
En 1945, los intensos bombardeos de los militares estadounidenses finalmente llegan a Kure con un efecto devastador sobre los ciudadanos y su forma de vida. Suzu fue privada de sus personas más queridas, Harumi y Yoichi. Además, Suzu perdió su mano derecha, “una parte insustituible de su propio cuerpo”, debido a la violencia de la guerra. Suzu quiere regresar a su ciudad natal en la ciudad de Hiroshima, pero la bomba atómica destruye Hiroshima el 6 de agosto. Como Suzu no puede entrar en Hiroshima, no puede saber si sus padres y su hermana están vivos o no. El 15 de agosto, el emperador de Japón anuncia que la guerra ha terminado por la radio. Suzu pierde su propio propósito de vivir debido al cambio tan abrupto.
La casa de la familia de la abuela de Suzu está fuera del área dañada del bombardeo atómico, las residencias son seguras. En la casa de la abuela, Suzu se encuentra con su hermana, Sumi, la única superviviente de la familia de Suzu en Hiroshima. Sumi le dice a Suzu que sus padres han muerto y que ella huyó de Hiroshima, aunque gravemente enferma a causa de la radiación de la bomba atómica. Shūsaku consigue un nuevo trabajo y la gente comienza una nueva vida, en un Japón renacido. Esa noche, Suzu y Shūsaku se topan con una niña de la calle (en realidad quedó huérfana al perder a su madre en el ataque de la bomba atómica) y la llevan a su casa, aceptándola como parte de la familia. La vida de Suzu cambia drásticamente, pero a través de la perseverancia y el coraje, logra continuar viviendo su vida al máximo. Suzu recupera la motivación para vivir y sobreponerse, para ella y los demás, con valentía y afecto, en un rincón del mundo. Durante los créditos, se muestra a su hija adoptiva crecer felizmente en su nuevo hogar y aprendiendo a coser ropa con sus propias manos.
Producción
El proyecto fue anunciado en agosto de 2012, inició con una campaña de recolección de fondos en marzo de 2015. Con un total de más de 3 mil contribuidores, lograron reunir la cantidad de ¥39 millones de yenes; otra campaña reunió ¥10 millones de yenes para enviar al director Sunao Katabuchi a promocionar la película al extranjero. El director trabajó con mucho detalle en las escenas de fondo, usando fotografías aéreas de la zona que quería recrear y entrevistando residentes del área.
Recepción
La película abrió su semana de estreno en el lugar 10 de taquilla japonesa, se estrenó en 63 cines y reunió un total de ¥47 millones de yenes. Para marzo de 2017 la película alcanzó más de ¥2.5 billones de yenes de 1.9 millones de entradas.
Premios y reconocimientos
2016
Premio Hiroshima Peace Film Award en el Tercer Festival Internacional de cine de Hiroshima Hiroshima.
Mejor película en el Festival de cine de Yokohama
2017
Premios de Cine Mainichi, ganadora del Premio Ōfuji Noburō y mejor música; nominada en las categorías de mejor película, mejor animación, mejor dirección y mejor actriz.
Premios Blue Ribbon, nominada a mejor película y premio a la mejor dirección.
Festival de cine de Takasaki, ganadora del premio Horizont en dos categorías.
Premio de la Academia Japonesa, ganadora en las categorías de Excelente animación del año, mejor animación del año y mejor música.
Festival de cine de Osaka de 2017, ganadora del primer lugar en Mejores 10 películas japonesas y el premio a mejor música.
Japan Internet Movie Awards, ganadora de 6 categorías incluyendo mejor película y dirección.
SIGNIS JAPAN Movie Award, premio a la mejor película.
Festival de Cine de Los Ángeles, nominada en la categoría mejor trabajo de ficción.
2018
Tokyo Anime Awards, premio a la mejor película.
21º Festival de arte de Japón, Gran Premio en la categoría “Animación”.
Versión extendida
La versión extendida llamada Kono Sekai no (Sara ni Ikutsumono) Katasumi ni (この世界の（さらにいくつもの）片隅にlit: En este ( y otros más) rincones del mundo), estuvo originalmente planeada para estrenarse en diciembre de 2018, pero finalmente se retrasó un año, siendo finalmente estrenada el 20 de diciembre de 2019 en los cines de Japón, en el preestreno contó con la presencia de Emperador Naruhito, la Emperatriz Masako y la Princesa Aiko. En esta versión que cuenta con 40 minutos adicionales, llegando a los 168 minutos, incluye detalles sobre la amistad de Suzu con la cortesana Rin, el tifón Makurazaki, la preocupación de Suzu por su hermana menor Sumi, además de presentar un nuevo personaje Teru interpretado por Kana Hanazawa.
Kono Sekai no Katasumi ni
Título En este rincón del mundo Ficha técnica Dirección Sunao Katabuchi Producción Masao Maruyama / Taro Maki Guion Sunao Katabuchi / Chie Uratani Basada en Kono Sekai no Katasumi ni de Fumiyo Kōno Música Kotringo Protagonistas Mayumi Shintani / Shigeru Ushiyama / Daisuke Ono / Megumi Han / Rena Nōnen / Yoshimasa Hosoya País Japón Año 2016 Estreno 28 de octubre de 2016 (TIFF) / 12 de noviembre de 2016 (Japón) / 20 de diciembre de 2019 (versión extendida) Género Bélico / Histórico / Drama Duración 128 minutos / 168 minutos (versión extendida) Idioma(s) Japonés Compañías Productora MAPPA Distribución Tokyo Theatre / Animatsu Entertainment / Arcade Media (México e Hispanoamérica) / Selecta Visión (España) Estudio MAPPA Recaudación 22 500 000 dólares estadounidenses y 172 147 dólares estadounidenses
